La Divine Liturgie de Saint Jean Chrysostome.  Chœur Melodi, dir. Divna Ljubojevic.  Jade (43, rue de Rennes, 75006 Paris. promotion@milanmusic.fr) : 699 684-2 .  TT : 50’21.

Formée au chant orthodoxe à l’école Mokranjac de Belgrade et à l’Académie de musique de Novi Sad, Divna Ljubojevic - déjà bien connue de nos lecteurs -, après avoir dirigé successivement le chœur Mokranjac, la première Société chorale de Belgrade, est depuis plusieurs années à la tête du chœur Melodi qu’elle a fondé.  La Divine Liturgie de Saint Jean Chrysostome (344/354-ca 407) comprend des Litanies (prières d’intercession entre le ministre et l’assemblée) : de la Paix, après l’Évangile, de supplication… ; Tropaires (courtes prières chantées après chaque verset) ; le Trisagion (l’ordinaire des liturgies orientales) ; des Prières (pour les catéchumènes, fidèles ; d’action de grâce, Notre Père) ; des Hymnes (dont la célèbre Hymne des Chérubins) ; la liturgie pour l’Eucharistie.  Les arrangements sont dus à S. Mokranjac (1856-1914), M. E. Kovalesky et D. Ljubojevic, dont la voix exceptionnelle de pureté et son timbre dialoguant avec le remarquable chœur Melodi représentent plus qu’une garantie de qualité musicale, à laquelle s’ajoute l’intérêt toujours renouvelé pour La Divine Liturgie.

 

Chartres. Le chemin de l’âme.  Ensemble Catherine Braslavsku.  Jade : 699 677-2.  TT : 84’57.

Accompagnant musicalement les groupes de pèlerins qui parcourent le labyrinthe de la cathédrale de Chartres, « espace de pérégrination intérieure et de méditation ambulatoire », Catherine Braslavsky et son ensemble éponyme font partager leur émerveillement, non seulement aux passants, mais aussi aux discophiles.  Ils mettent particulièrement en valeur ce lieu sacré baignant dans le silence et la paix. Le répertoire comprend des pages multilingues qui ont pu être chantées au XII^e siècle : Stella splendens (soutenu par de légères percussions), O Virgo splendens (d’après le Llibre Vermell de Monserrat), modèle d’interprétation ; au XIV^e siècle : Imperayritz (invocation à la Vierge).  Le chant grégorien tardif est aussi présent dans la pièce Recordare.  Non seulement interprète hors pair, C. Braslavsky est aussi l’auteur de musiques sur des textes araméens pour le kaddosh (devenu le Sanctus), latins (Sana nos) : soit un total de 19 pièces interprétées dans un cadre extraordinaire avec une remarquable acoustique, reflétant à la fois la religiosité médiévale et une certaine symbiose entre le lieu et la parole, l’architecture et le chant.  À acquérir impérativement.

 

Duos mandoline et fortepiano.  Charisma Musikproduktion (info@charisma-cd.de) : Clavier 3.  TT : 68’45.

L’association de la mandoline et du fortepiano est originale, et le résultat sonore, spécial, grâce au son argentin de la mandoline.  Au début du XIX^e siècle, des compositeurs tels que L. van Beethoven et Johann Nepomuk Hummel (1778-1837) se sont intéressés à cet effectif peu habituel.  Le programme comprend, en outre, des œuvres rares de Bartolomeo Bortolazzi (1773-1840), Gabriele Leoné (ca 1725-1790).  Les interprètes, Denise Wambsganss (mandoline Alfred Woll 2003) et Gerrit Zitterbart (pianoforte Michael Walker 2001, d’après Anton Walter 1795), forment une merveilleuse équipe et font preuve d’une grande connivence. Leur répertoire comprend des Sonates et Sonatines que les discophiles prendront plaisir à découvrir, à la charnière entre XVIII^e et XIX^e siècles. Un texte copieux avec traductions française et anglaise présente ce programme quelque peu insolite. Ce CD ravira les mélomanes curieux.

 

DA PACEM. Vokalmusik zum Thema Frieden.  Musikszene Schweiz.  Migros : MGB 6124. TT : 60’29.

Ce CD, intitulé : Musique vocale sur le thème de la Paix, représente, en quelque sorte, une petite anthologie allant du XV^e siècle à notre époque. Il regroupe des formes traditionnelles : messes, motets baroques et romantiques. L’initiative en revient aux Madrigalistes de Bâle et à leur chef Fritz Näf qui, avec une grande aisance, s’adaptent à tous les styles. Le thème est introduit par la Missa Da Pacem pour 4-6 voix de Josquin Desprez (ca 1450-1521), suivant la structure traditionnelle. L’intense prière : Accorde-nous la paix par ta grâce est présentée dans la version de B. Resinarius (1485-1544) à 4 voix et celle, si attachante, de H. Schütz à 5 voix. Après ce volet allant des XV^e au XVII^e siècles, le motet de 4 à 6 voix pour chœur mixte a cappella : Warum ist das Licht gegeben den Mühseligen (Pourquoi la lumière est-elle donnée aux malheureux…) de J. Brahms (1833-1897) - avec sa poignante interrogation mêlée à un sentiment de résignation et son allusion au Cantique de Siméon : Mit Fried und Freud ich fahr dahin (choral luthérien) - constitue le sommet de ce programme.  Enfin, le XX^e siècle fait l’objet de la complainte Contre la guerre (Gegen den Krieg) d’après le texte de Bertolt Brecht, adapté en musique par H. Eisler (1898-1962) qui spécule sur la revalorisation de l’unisson, les voix à découvert ou légèrement décalées : musique impressionnante, à la recherche d’une réponse humaniste aux horreurs de notre époque et qui a le mérite de faire réfléchir.

 

Ludwig SENFL : Missa Paschalis und Motetten. Musiques Suisses, Migros (musiques-suisses@mgb.ch) : MGB 6165.

L. Senfl, musicien suisse, (Bâle, ca 1486-Munich, ca 1543), a d’abord vécu à Zurich, puis exercé ses activités à la cour de Bavière, dans les fonctions de musicus intonator ou de musicus primarius. Ce sympathisant de la Réforme, également humaniste (adaptation musicale d’Odes d’Horace pour les élèves des écoles latines), a composé des Chansons, Motets et 7 Messes.  Sa Missa Paschalis est un modèle d’écriture polyphonique dans le sillage de l’École dite franco-flamande. Cet enregistrement s’impose par le fondu et la plénitude des voix. Il comporte aussi, interprétés avec les mêmes qualités, Quinque Salutationes Domini Nostri Jesu Christi et la poignante invocation : Popule meus (impropère du Vendredi Saint), particulièrement expressive et méditative. Cet enregistrement, comprend en outre un choix de motets. Le Coro della Radio Svizzera et son chef Diego Fasolis, ont le grand mérite de faire connaître la Missa Paschalis à 5 voix du Praeclarus Ludovicus Senfelius helveticus.  À (re)découvrir.

 

Orgues historiques de France. Vol. 5. Sinus (Postfach 526 CH-8802 Kilchberg. sinus-verlag@bluewin.ch) : 3005.  TT : 61’25.

Après l’orgue de Cintegabelle, Albert Bolliger a judicieusement sélectionné le célèbre orgue historique Jean Boizard (1714), à l’église de Saint-Michel-en-Thiérache (Picardie), avec sa tuyauterie d’origine ayant toujours miraculeusement échappé à sa destruction. L’instrument, très bien présenté avec illustrations et nomenclature des 4 claviers (dont un en écho), est typique de la facture française autour de 1700. Le livret d’accompagnement est un modèle du genre. Comme de juste, l’éminent organiste suisse a retenu des œuvres françaises d’H. Du Mont, N. A. Lebègue, L. Chaumont, J.-H. d’Anglebert, Fr. Roberday et J. Boyvin, ce qui lui permet de mettre les différents jeux en valeur (tierce en taille, cromorne en taille…).  Il révèle également des pages du Livre d’Orgue de Montréal (ca 1724). Ce florilège d’œuvres des XVII^e et XVIII^e siècles illustre les goûts musicaux et l’esprit de la facture qui prévalaient alors en France. Ce volume 5 de son anthologie Orgues historiques de France mérite l’attention tant pour la registration que pour le choix du programme. Indispensable à tous les amateurs d’orgues historiques.

 

Gioacchino ROSSINI : Sinfonie per organo a quattro mani. Tactus (CD Diffusion : 28, route d'Eguisheim BP 4, F-68920 Wettolsheim. info@cddiffusion.fr) : TC 791805. TT : 60’30.

Ce disque inattendu repose sur le principe de l’arrangement de partitions d’opéras dans une version pour orgue à quatre mains. Parmi ceux-ci figurent, entre autres, la Gazza Ladra, Le Barbier de Séville (en deux mouvements : Andante maestoso et Allegro con brio), Semiramide, Tancrède, L’Italienne à Alger, Guillaume Tell. L’ensemble du programme repose sur le principe de l’opposition : mouvement lent/mouvement rapide. G. Maccaroni et F. Iannella nous proposent un répertoire de nos jours peu habituel pour l’orgue, mais très en vogue au XIX^e siècle. Le « roi des instruments » peut ainsi se prêter aux caractères tour à tour descriptif, narratif, un tantinet sentimental, cérémoniel : témoin de l’esprit du temps. Les interprètes n’ont « pas voulu chercher une imitation absolue de l’orchestre, mais plutôt poursuivre une logique qui mette en valeur les caractéristiques idiomatiques de l’orgue (registres, mode d’attaque du son et aussi qualité des couleurs individuelles), convaincues que cela pourra rendre justice de la meilleure manière aux potentialités dans la partition de Rossini ». Ce disque original, haut en couleurs, reflète l’engouement des mélomanes de la première moitié du XIX^e siècle. Ce document historique, curiosité discographique, enregistré à l’orgue des Frères Serassi (1821) à l’église paroissiale de Santa Maria Assunta Caluso (Turin), retiendra à divers titres l’attention des amateurs d’orgue et d’opéras rossiniens.

Édith Weber

 

Johann Adam REINKEN : Hortus Musicus I et IV, à deux violons, viole de gambe et basse continue.  Dietrich BUXTEHUDE : Trois sonates à deux violons, viole de gambe et basse continue. Ensemble « La Rêveuse ». Mirare : MIR 74. TT : 67'22.

L'intérêt de ce CD est de rapprocher deux musiciens exactement contemporains et des œuvres partageant le même modèle instrumental.  Reinken (1637-1722) fut l'ami de Buxtehude. Organiste comme lui, il était basé à Hambourg dont il fonda l'opéra. Moins connu que celui-ci, il est justice de le sortir de l'ombre. Son « Jardin musical » est constitué de sonates en trio, organisées sur un plan identique : 5 sections dont la première est une sonate (elle-même en quatre parties) et les quatre autres les morceaux d'une suite (allemande, courante, sarabande et gigue).  Les sonates de Buxtehude, le musicien de Lübeck, donnent dans le style « fantastique », prisé à l'époque, mélange de fantaisie et de liberté, de rhétorique et de vocalité. Elles comprennent de 5 à 7 sections, contrastées de l'une à l'autre. Enfin la Chaconne pour deux orgues est une suite de variations sur un motif ostinato. Les interprétations du jeune ensemble La Rêveuse, spécialiste de la musique du XVII^e siècle, sous l'impulsion de Benjamin Perrot, est réfléchie mais aussi spontanée, aux tempos imaginatifs, avec des contrastes pas trop prononcés dans la rythmique. Ce qui est privilégié est plutôt l'ambitus et les couleurs. La qualité instrumentale est superlative, dont le clavecin de Bernard Cuiller.

 

Antonio VIVALDI : Concertos pour deux violons.  Viktoria Mullova, Giuliano Carmignola, violons.  Venice Baroque Orchestra, dir. Andrea Marcon. Universal/DG : 00289 477 7466.  TT : 61'02.

Vivaldi a beaucoup écrit pour la formation concertante, avec violon en particulier. Et aussi pour deux violons. Empruntant le mode de la sonate en trio, de forme tripartite, vif-lent-vif, les deux solistes y sont traités à part égale, à de rares exceptions près, et dialoguent en répons le plus souvent, à moins qu'ils n'évoluent en parallèle. Peu jouées, peu représentés au disque, ces concertos méritent l'attention, car toujours très mélodieux. Le jeu euphonique y est pour quelque chose. La variété que contiennent ces pièces n'a d'égale que le plaisir qu'elles procurent, qu'on les écoute en continu, les unes à la suite des autres, ou de manière sélective. Leur extrême concision ajoute à l'attirance. L'interprétation est de classe : deux violonistes rompus à ces musiques, le baroqueux Carmignola rejoignant la plus universaliste Mullova. La direction de Andrea Marcon, qui dirige du clavecin les cordes de son orchestre vénitien, est vive mais pas sèche.

 

Centenaire de Joseph HAYDN

Joseph HAYDN : Sonates n°38 en fa majeur Hob. XVI.  Variations en fa mineur Hob. XVII.34.  Sonate n°60 en ut majeur Hob. XVI.  Sonate n°62 en mib majeur Hob. XVI.  Zhu Xiao-Mei, piano. Mirare : MIR 076. TT : 70'05.

Les sonates pour piano s'étalent chez Joseph Haydn sur quelque quarante ans de vie créatrice. Moins connues que le répertoire symphonique, elles n'en sont pas moins significatives de l'évolution stylistique du maître d'Esterhaza. La variété et l'invention mélodique y sont un objet d'émerveillement ; le raffinement de l'écriture aussi, et ce que Zhu Xiao-Mei appelle la « tonicité rythmique », quel que soit le type de mouvement, lent ou rapide. De louer aussi chez Haydn le « sens de la simplicité » chez « un compositeur qui aime la vie » et « rend les gens heureux ».  Belle formule ! Non loin de cette sensation d'aisance, de joie presque facétieuse que se plaît à décrire Alfred Brendel.  Les interprétations sont toutes de fluidité, de naturel, d'esprit, voire de jubilation. Deux pertinentes remarques de l'interprète se vérifient : le rôle déterminant du silence ; la façon de finir un morceau « vers le haut », autrement dit sans banalité, comme l'ultime entrechat du danseur qui doit donner l'impression de toucher le sol d'aérienne manière.  Les quatre sonates choisies ici montrent diverses facettes de l'art du piano chez Haydn. La Sonate n°38, souvent jouée, est rythmée, vive et spirituelle, et la n°52 d'une grande délicatesse d'écriture, notable à l'adagio. Les Variations en fa mineur et les Sonates n°60 et 62 appartiennent à la dernière période. Les Variations sont emplies de charme, de goût avec leurs notes en cascades ou enroulées en guirlandes. Les Sonates 60 et 62, deux des trois ultimes compositions pour le clavier, ont été composée à Londres.  La première, d'une écriture très serrée, est pavée de rebondissements quasi dramaturgiques. Son finale offre toute la fantaisie dont est capable Haydn. La Sonate n°62 est une pièce d'envergure : l'allegro exige puissance pour s'approprier le geste ample des accords massifs qui prélude à diverses séquences d'une inépuisable invention. L'adagio, de caractère nocturne, annonce les grandes pages pianistiques du XIX^e siècle. Le presto final manie ce procédé de déclamation répétée de groupes de notes, auquel Haydn a parfois recours, dans ses symphonies notamment.

 

Joseph HAYDN : Sonates n°60 en ut majeur Hob XVI 50, et n°31 en lab majeur Hob XVI 46.  Wolfgang Amadeus MOZART : Sonate n°13 en sib majeur KV 333 et n°7 en ut majeur KV 309.  Claire-Marie Le Guay, piano.  Universal/Accord : 480 1704.  TT : 81'33.

Troisième volume d'une série consacrée à des sonates de Haydn et de Mozart, autant de jeux de miroir entre deux compositeurs liés d'admiration l'un pour l'autre, ce CD prône le thème de l'esprit concertant. Fascinantes comparaisons au jeu des points communs comme des traits originaux qui les distinguent. La virtuosité entendue au sens de l'ampleur et du grand pianisme, est ici de rigueur. La différence d'approche est souvent flagrante : le théâtre de la vie chez Mozart, avec ce mélange inimitable de tragique et d'espiègle ; une mine d'imagination thématique avec Haydn et une sorte d'humanité dont l'humour n'est pas exclu. Ce que démontrent les interprétations de Cl.-M. Le Guay dans leur objectivité expressive, un brin sérieuses.  Contemporaine de la Symphonie Linz (1784), la Sonate KV 333, encore dans le sillage de Jean-Chrétien Bach, que Mozart admirait beaucoup, offre des climats vifs et chantants alternant avec des pages d'une admirable sérénité. Quel trait original que cette forme concertante à l'allegretto grazioso qui propulse soudain comme une cadence, sorte de mélodie refrain. La Sonate KV 309 (1777) se signale par son sens de l'improvisation, en particulier dans sa partie centrale, et un ton insouciant au finale, un des traits familiers de Mozart. Alors qu'une pièce de chacun de ces deux géants est immédiatement reconnaissable, la Sonate n°31 de Haydn (1768) contient un riche matériau, mais est presque elliptique pour l'amateur. Son vaste adagio, immense dissertation aux harmonies parfois aventureuses, présente aussi une cadence. Quant à la Sonate n°60 (1794), sa puissance, voire sa robustesse ne posent pas plus de difficulté à Claire-Marie Le Guay qu'à sa collègue chinoise.

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Wolfgang Amadeus MOZART : Symphonie n°28.  Richard STRAUSS : Don Juan.  Igor STRAVINSKY : L'Oiseau de feu (suite de 1919).  Karl Böhm, Kölner Rundfunk-Sinfonie-Orchester (enregistrements de 1963, 1973, 1976).  Audite : 95.591.  TT : 57'25.

Bel hommage à l'art de Karl Böhm. Ses 82 ans n'entamaient en rien l'impétuosité du Don Juan de Strauss, vision dramatique et brillante. Assurément une des plus rapides qu'il ait livré au concert. Non que le thème avec hautbois solo ne développe son profond lyrisme, marquant un beau contraste. La 28^e Symphonie de son cher Mozart livre un style d'interprétation « classique » dirait-on aujourd'hui (comparé à celui des baroqueux ou de leurs thuriféraires, sans parler d'un Harnoncourt) : orchestre de proportions relativement fournies, tempos rigoureux, articulation claire et, surtout, souci du phrasé laissant à la mélodie loisir de s'exprimer.  Intégrité, équilibre et sentiment de naturel sont des mots qui viennent à l'esprit. Même si, avec le recul, l'andante paraît un peu lent et le menuet un brin solide. Stravinsky est quasi absent de la discographie de Böhm et pourtant il ne le négligeait pas au concert. La suite de L'Oiseau de feu, dans la version de 1919, est donc un document unique. La lecture est sobre, presque trop de prime abord, mais le sens de la construction est bien présent.  Les tempos sont plutôt allants, sans chercher à solliciter (danse de la Princesse), voire très rapides, presque boulés, dans la danse de Kastcheï aux martèlements implacables. La berceuse ne cherche pas à s'attarder sur quelque épanchement excessif. Le grand finale est justement glorieux.

 

Camille SAINT-SAËNS : Concertos pour piano n°2 et n°5 « L'Égyptien ». Brigitte Engerer, piano.  Ensemble Orchestral de Paris, dir. Andrea Quinn.  Mirare : MIR 079. TT : 55'.

Saint-Saëns a, de manière déterminante, contribué au renouvellement du genre du concerto de piano au XIX^e siècle, en assoyant le genre du concerto symphonique ou « comment l'orchestre doit être lié au piano » dira Schumann.  La richesse instrumentale enlumine le dialogue avec le soliste. Le Concerto n°2 est virtuose et possède une dynamique interne à chaque mouvement, de plus en plus rapide. Les brillants échanges entre orchestre et clavier, de l'ordre de la confrontation par endroit, mettent en valeur ce dernier. L'inspiration est sans cesse en éveil comme à l'allegro scherzando, avec ses rythmes syncopés et ses guirlandes de notes sur un lit de cordes frémissantes.  Brigitte Engerer est sincère, nous entraînant dans un tourbillon, presque opératique au presto final, sur un rythme de saltarelle. Dit « l'Égyptien » parce que débuté par Saint-Saëns lors d'un séjour en Égypte, peut-être aussi parce que, comme le dit celui-ci, un des passages du 2^e mouvement « est un chant d'amour nubien que j'ai entendu chanter par les bateliers sur le Nil », le Concerto n°5 déploie un exotisme sans doute de circonstance ; de la même la façon que les musiciens du XIX^e finissant s'appropriaient les parfums espagnols !  Br. Engerer est des plus à l'aise face à une virtuosité étourdissante. Que ce soit dans la forme rhapsodique du premier mouvement où le piano se détache admirablement de l'ensemble instrumental, dans l'andante où le traitement percussif du piano contribue aux sonorités orientales, alors que l'orchestre distille de délicats arpèges ou des stances déclamatoires, ou encore dans la chevauchée fantastique qu'est le finale, sans doute l'expression la plus achevée de l'intégration soliste/orchestre du grand concerto romantique français. Cette pièce a été créée en 1896 à la Salle Pleyel, où on ne l'entend décidément que peu ces temps.

 

Claude DEBUSSY : Préludes – Livre I.  D'un cahier d'esquisses. Children's Corner. Suite bergamasque (Clair de lune).  Nelson Freire, piano.  Universal/Decca : 478 1111. TT : 63'18.

Le pianiste brésilien atteint la stature de sage du clavier. Il y a, dans sa lecture de ces pièces de Debussy, quelque chose qui participe de l'alchimie insaisissable, ou plutôt de l'entente idéale entre un compositeur et son interprète, qui place Freire dans la lignée des Michelangeli et autres Arrau.  Le mot poète serait-il trop faible ? Car on est au-delà de la couleur, comme le souligne l'essai pénétrant accompagnant le disque : « Tendez l'oreille et fermez les yeux ».  On citera Freire lui-même qui parle de profondeur (Des pas sur la neige dont les premières mesures font penser à la mort de Mélisande), de cœur (La jeune fille aux cheveux de lin » ; The snow in dancing), d'esprit (La sérénade interrompue,  fantaisie espagnolisante plus vraie que nature, La danse de Puck).  Et puis il y a ce que Debussy suggère, telle cette formidable construction sonore qu'est La cathédrale engloutie et son insondable mystère.  Ou encore Clair de lune, cette carte de visite de la musique debussyste, dont les harmonies vous hantent longtemps après.  Oui, les mots habituels sont de peu pour exprimer ce que l'on ressent devant une telle vision.  Tout est ici d'une beauté à couper le souffle, et l'instrument est formidablement capté dans toute son ampleur et ses infinies nuances. Qu'ajouter à la force de l'évidence ?  Un seul mot : indispensable !

 

Georges ENESCO : Octuor à cordes op.7 (version pour orchestre réalisée par Lawrence Foster).  Sonate pour violon et piano n°3 op.25.  Valeriy Sokolov (violon), Svetlana Kosenko (piano). Orchestre philharmonique de Monte-Carlo, dir. Lawrence Foster.  Virgin Classics : 519312 2 3. TT : 65'04.

Georges Enesco a composé son Octuor à cordes en 1900, à seulement 19 ans. Œuvre visionnaire puisant à la tradition – au sens aussi bien de classique que de traditionnel - comme annonçant la révolution moderniste d'un Schönberg. L'ampleur de la thématique du premier mouvement est saisissante, extrêmement travaillée dans son développement, se renouvelant sans cesse. Le premier thème réapparaîtra sous diverses formes, toujours modifiées. La transposition pour orchestre de cordes s'il élargit le discours, rend peut-être sa complexité moins flagrante, plus lisible en quelque sorte, et lui confère une ampleur qui démultiplie l'intention moderne tout en lui assurant un ancrage classique plus évident. Notamment pour ce qui est de l'étagement des plans sonores. Les quatre mouvements – joués d'un seul tenant – apparaissent comme les divers épisodes d'un vaste concerto grosso.  L'allegro fait figure d'exposition, fort développée d'ailleurs, le « très fougueux » est un scherzo, le « lentement », un andante aux parfums nocturnes. Le « mouvement de valse bien rythmé » compose un joyeux et exubérant finale. Il coule partout, dans cette pièce, quelque chose d'irrésistible, d'évocateur aussi. Cette dernière impression on la retrouve dans la Sonate pour violon et piano n°3, composée en 1925.  Elle semble puisée à la source folklorique, mais d'un folklore imaginaire, son sous-titre « Dans le caractère populaire roumain » étant plus une notation intellectuelle qu'une indication tirée de la réalité. La mélancolie qui émane du 1^er mouvement est envoûtante. L'andante est parcouru de mystère, le violon s'aventurant dans des variations abstraites. Le finale « con brio » explore des contrées résolument modernistes, arrachant au violon des traits tendus à l'extrême, presque grinçants, et jouant de l'entière palette de l'instrument.  L'interprétation est empreinte d'une belle maîtrise et magnifiquement contrastée.

 

Giacomo PUCCINI : Madama Butterfly.  Angela Gheorghiu, Jonas Kaufmann, Enkelejda Shkosa, Fabio Capitanucci, Gregory Bonfatti, Raymond Aceto.  Orchestra e Coro dell'Academia nazionale di Santa Cecilia, dir. Antonio Pappano. 2CDs EMI : 5099926418728.  TT : 62'04+73'08.

Les intégrales d'opéra se font si rares ces temps qu'on fond de plaisir à en écouter une, surtout lorsqu'il s'agit de l'attachante Butterfly de Puccini. C'est aussi un signe des temps que d'enregistrer un rôle, fût-il de premier plan, avant même de l'avoir porté à la scène.  Tel est le cas ici de l'héroïne et de son ténor, l'imprudent Pinkerton. Quoique la chose ne soit pas nouvelle pour ce qui est du rôle de Cio Cio Cian.  En tout cas, pas de problème ici.  Car voilà bien une exécution à ranger parmi les grandes. Et la concurrence est rude (Callas-Gedda-Serafin, Scotto-Bergonzi-Barbirolli, Freni-Domingo-Karajan).  La direction de Antonio Pappano, sur le versant vif, définit l'atmosphère juste d'un drame qui ne se relâche pas. Admirable, la souveraine maîtrise du long phrasé puccinien, un soupçon retenu pour ménager l'effet dramatique. Toute la modernité de Puccini est là aussi, qui transcende le côté couleur locale (chœur à bouche fermée au II, chromatismes exacerbés, tonalités extrême-orientales), ménage des effets de lointain évocateurs, si chers au compositeur, comme des harmonies qui collent au drame. Le lyrisme intense ne verse jamais dans le sentimentalisme. Un subtil mélange entre ton de la confidence et éclats paroxystiques est magnifié par un enregistrement d'une présence exemplaire. L'orchestre de l'Academia Santa Cecilia est coloré, sans être trop brillant. On savait que Angela Gheorghiu possédait le timbre naturel pour chanter Puccini. Ne serait-elle pas à son meilleur dans Butterfly ? Ces longues notes tenues, ces aigus resplendissants couronnant une superbe ligne de chant legato, ce registre medium coloré de grave où rien n'est forcé, cet art de porter la phrase puccinienne avec une émotion contenue, comme inhérente au timbre, tout est comme d'évidence.  Elle fait sien ce rôle délicat dès ses premières interventions : de la jeune fille un peu empruntée, comme ses pairs, à la femme déchirée, criant la douleur de son rêve perdu, tragédienne accomplie. Jonas Kaufmann, a priori moins à l'aise, son timbre le portant plus vers d'autres répertoires, s'approprie avec bonheur ce rôle ambigu, d'anti-héros. Et l'héroïsme vocal, il le possède au centuple. La fusion entre ces deux voix d'or frôle l'incandescence lors du final du I^er acte. Les autres personnages sont bien tenus, dont l'excellent Sharpless de F. Capitanucci.  Une « grande » version.

Jean-Pierre Robert

 

Giovanni COPRARIO (ca 1575-1525 ) : Songs of mourning (1613), The Masques of Squires (1614), Funeral Teares (1606).  Les Jardins de courtoisie & Ensemble Céladon.  Anne-Delafosse-Quentin (soprano), Paulin Bündgen (contre-ténor).  Zigzag Territoires (www.zigzag-territoires.com) : ZZT 090302.

La musique de John Cooper, dit Giovanni Coprario, exprime admirablement les désordres et angoisses qui étaient le lot, en ce début de XVII^e siècle, du règne finissant d’Elisabeth I^re puis de celui, commençant, de Jacques I^er.  Funeral Teares célèbre la mémoire de Charles Blount, mort de mélancolie après qu’il lui fut interdit d’épouser la poétesse Penelope Devereux, countess of Devon.  Les Songs of Mourning célèbrent, sur un poème de Thomas Campion, la mémoire du prince Henry of Galles, héritier de la couronne, fauché à l’âge de 18 ans.  The Masques of Squires, composés à l’occasion du mariage d’Elisabeth, future reine de Bohème, expriment, en revanche, l’espoir d’un bonheur futur.  Afin de nous révéler ce précieux répertoire (voix, luth, harpe & violes de gambe), Anne-Delafosse-Quentin et Paulin Bündgen ont ici réuni leurs deux ensembles.

 

« Entre el Cielo y el Infierno… » Francisco GUERAU (1649-1722) : Poema harmónico.  José MARÍN (1618-1699) : Tonos humanos (Manuscrit Fitzwilliam).  Laberintos ingeniosos : Xavier Díaz-Latorre (guitare à 5 cordes & direction), Lambert Climent (ténor), Pedro Estevan (percussions).  Zigzag Territoires (www.zigzag-territoires.com) : ZZT 090301.

Alors que brillait de ses derniers feux el Siglo de Oro, s’ouvrait pour l’art espagnol une période désenchantée, faite de récits d’amours méprisées ou de récits de cape et d’épée – exprimés dans des œuvres à visées satiriques ou morales, chansons courtoises souvent mises en scène.  Dans cet esprit, les Tonos humanos est la seule pièce connue de José Marín (sur un poème de Lope de Vega) ; où il développe notamment madrigalisme, chromatisme et rôle harmonique de la guitare.  Le Poema Harmónico de Francisco Guerau est, quant à lui, purement instrumental.  Xavier Díaz-Latorre a judicieusement combiné ces deux œuvres « en tres jornadas ».

 

« Ténèbres du premier jour… » François COUPERIN : Trois Leçons de ténèbres.  Marc-Antoine CHARPENTIER : Répons.  Michel LAMBERT : Miserere.  Les Demoiselles de Saint-Cyr, dir. Emmanuel Mandrin.  Ambronay (www.ambronay.org) : AMY 018.  Distr. Harmonia Mundi.  TT : 65’29.

Sous la direction de l’organiste Emmanuel Mandrin, l’excellent chœur des « Demoiselles de Saint-Cyr » se consacre, depuis 1991, à l’interprétation du répertoire baroque pour voix de femmes.  De célèbres chefs-d’œuvre ont été ici rassemblés, avec - en outre - le superbe Miserere de Michel Lambert, psaume récemment découvert.

 

« Musique de chambre, Vienne, 1818… »  Franz KROMMER (1759-1831) : Trio à cordes op.96, Quatuor pour flûte & cordes op.92, Trois Danses hongroises op.89.  Nicole Tamestit & la Compagnie.  Livret de 36 pages.  2CDs Diligence : DIL 8.  Distr. Codaex.  TT : 87’.

Le « grand » Trio à cordes op.96 de ce compositeur emblématique du préromantisme tchèque est un évident hommage au Divertimento à Puchberg de Mozart ; il ne comporte pas moins de six mouvements.  Quant au Quatuor pour flûte traversière & cordes, il renouvelle la forme et les codes alors en vigueur.  Les Trois Danses hongroises du second volume nous rappellent, en outre, la place qu’occupaient les arts populaires dans le cœur du compositeur.  Entourée de Georges Barthel (traverso), Jacques Bonvallet (second violon), Sophie Cerf (alto) et Jerôme Huille (violoncelle), la violoniste Nicole Tamestit se consacre à la popularisation de la musique de ce compositeur d’une rare prolificité : n’a-t-il pas laissé 80 quatuors à cordes, 26 quintettes à cordes et une quarantaine d’autres œuvres chambristes mêlant cordes et instruments à vent…  À découvrir absolument !

 

Felix MENDELSSOHN (1809-1847) : Rondo capriccioso op.14, Fantaisie en fa# mineur op.28, Quatre Romances sans paroles, Prélude & fugue op.35, Variations sérieuses, op.53, Trois études op. 104b.  Robert SCHUMANN : Erinerrung 4.  Cyril Huvé (piano Broadwood, 1840).  Paraty (www.paraty.fr) : 208.106.  Integral Distribution.  TT : 71’.

Afin de nous faire découvrir ce florilège de pièces pour le clavier (méconnues, sauf bien sûr les Lieder ohne Worte), Cyril Huvé, ordinairement spécialiste du pianoforte, joue ici un piano Broadwood des années 1840.  Le dernier titre de l’album est une brève page que Schumann composa, en 1847, à la mémoire de celui qu’il considérait comme son mentor.

 

Maurice RAVEL : Œuvres pour piano et violon & piano.  Régis Pasquier, Gérard Poulet (violon).  Christian Ivaldi, Anne Kaasa, Jean-Claude Pennetier, Bruno Rigutto, François-Joël Thiollier (piano).  Saphir (www.saphirproductions.net) : LVC 1099.  TT : 69’46.

Avec une telle pléiade d’interprètes, comment se priver d’un tel bonheur !  Ma Mère l’Oye (Pennetier, Ivaldi), Sonate posthume (Pasquier, Pennetier), Gaspard de la nuit (Kaasa), Pièce en forme de habanera (Poulet, Rigutto), La Valse (Thiollier).

 

Hommage à Stéphane Blet.  Dix-sept pièces de musique de chambre, huit interprètes.  Marcal Classics : 070202.  TT : 59’34.

Dédiée au très prolifique Stéphane Blet, voici une sélection d’interprétations de son œuvre chambriste.  Pour piano : Sonate n°4 op.40, Sonate n°5 op.62, Sonate n°6 op.135, Suite érotique op.110, Toccata op.36, Éclipse op.10, Improvisation n°4.  Pour violon : Neiges op.63, Après op.152. Pour mezzo-soprano et piano : Mélodies sur des poètes contemporains.  Avec Morgane Dupuy (violon), Ekaterina Godovanedes (mezzo-soprano), Alexandre Paley, Evelina Borbei, Jean Muller, Natalia Sitolenko, Stéphane Blet & Antoine Terny (piano).  À un compositeur inspiré, le juste hommage !

 

Raphael MOSTEL : Le Voyage de Babar. Texte de Jean de Brunhoff.  TT : 63’30.

Il s’agit là du premier enregistrement en français de la délicieuse mise en musique par Raphael Mostel - compositeur célèbre aux États-Unis - du conte de Jean de Brunhoff.  Pour vous consoler de ne pouvoir écouter cette version - malheureusement encore hors commerce (enregistrée en public au Florence Gould Hall de New York, avec Laurent de Brunhoff, récitant) -, vous pouvez toujours vous procurer la version anglaise (« The 21^st century’s Peter and the Wolf », The New York Times) auprès du compositeur : www.mostel.com / info@mostel.com

 

Francis Gérimont

 

 

 

Le doudou  de Coco. Auteur Paule Du Bouchet et musique de Marie-Jeanne Séréro, Gallimard Jeunesse éveil musical, 12 p. , CD inclus. 11,90 €.

Une collection de livres-CD d’éveil musical pour les tout-petits. L’enfant découvre Coco dans de multiples aventures ! La mise en musique de ses péripéties captive le tout-petit, ajoute des émotions aux images et lui procure ses premiers émois musicaux !

Dans le Doudou de Coco, le petit ouistiti est très excité à l’idée de prendre le train pour retrouver sa mamie ! Mais catastrophe… le doudou reste introuvable. Coco perd ses moyens : pleure, cri, rouspète… puis se calme. La musique rythme et insiste sur ses sentiments à l’aide d’une caisse claire, d’un vibraphone, d’un piano et d’un saxophone. Les tout-petits s’amuseront à recréer l’histoire à l’aide de la version instrumentale située à la fin du CD-audio.

A découvrir sans attendre !

 

 

 

 

                                                                                              Laëtitia Girard

 

 

DVD

Toscanini par lui-même.  Film.  Réalisateur : Larry Weinstein.  Co-production : Idéale Audience / Foundry Films / Arte France / BBC Wales, 2008.  DVD Medici Arts (tél. : 01 53 20 14 00. www.ideale-audience.com) : 3077928.  Distr. Harmonia Mundi.  TT : 70’.

Ce documentaire-fiction s’inspire de quelque 150 heures de conversations privées du maestro avec son fils Walter.  Où l’on voit de malheureux acteurs contraints de tenir - dans des postures d’un ridicule achevé - d’insipides propos hagiographiques.  Film heureusement émaillé de nombreuses archives filmées, illustrant - tout au long de sa carrière - l’admirable précision gestuelle du chef d’orchestre.  Film également assorti d’extraits de correspondances, photos & séquences vidéo confiées, au réalisateur, par la famille du musicien.

Francis Gérimont

 

 

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