Roula SAFAR (mezzo-soprano, guitare & percussions) : Vergers d’exil, échos méditerranéens.   Hortus (www.editionshortus.com) : HOR 089.

Poèmes et mélodies puisés aux sources méditerranéennes les plus pures tissent ici un dialogue à travers le temps et l’espace. Les textes du grand poète libanais d’expression française Georges Schéhadé (1905-1989) - auquel est emprunté le titre évocateur de ce magnifique disque, « Vergers d’exil » -, ceux de ses compatriotes Venus Khoury-Gatha (née en 1937), Nadia Tueni (1935-1983) ou du mystique du soufisme, d’origine persane,  Mansour Al Hallaj (ca 857-922), font écho aux mots d’Eluard et aux poésies populaires.  À quelques-unes des plus belles pages (réécrites à l’occasion de cet enregistrement) de Haendel (« Lascia ch’io pianga », de l’opéra Rinaldo), Monteverdi (« Lamento della ninfa ») et Frescobaldi (« Se l’aura spira »), répondent des mélodies traditionnelles de France («  Rossignolet ») ou de Grèce (« Spasta », figurant aussi dans le cycle ravélien des Cinq mélodies populaires grecques).  Ces partitions entrent en résonance avec les musiques inspirées composées par Roula Safar, fidèle à ses racines tout en traduisant avec un égal bonheur des styles divers, interprète sensible et chaleureuse de ces poèmes sonores : élégies d’amour, cantilènes de nostalgie, mélopées de douleur et chansons d’espoir, complaintes d’Orient et d’Occident, venues du tréfonds des âges ou jaillies des drames qui déchirent le monde d’aujourd’hui.  Leurs affinités secrètes nous sollicitent et nous émeuvent, poignantes  expressions poético-musicales de la souffrance et de la joie, « chant par-delà les voix ».

 

Anne Penesco.

 

 

Marie, Fleur du Carmel.  Jade (jade@milanmusic.fr) : 699 742-2.  TT : 50’45.

Depuis un certain temps, grâce aux éditions Jade, les discophiles peuvent apprécier des chœurs d’Europe de l’Est, avec leur paysage vocal si spécifique et leurs voix si prenantes.  Au service de la liturgie, les moniales de Pécs (sud de la Hongrie), d’obédience carmélite, la célèbrent en latin et en hongrois.  Au Carmel fondé en 1936, dispersé sous le régime communiste et, depuis 1991, 24 sœurs ont repris leurs activités (actuellement 18 sur place et 6 autres en Roumanie) et vivent de l’hôtellerie, de publications (traduites du français ou de l’anglais).  Elles chantent intégralement la liturgie, bénéficient du concours pédagogique de deux sœurs spécialistes de grégorien et élaborent une liturgie propre.  Ce CD regroupe 24 pièces d’origines diverses : Manuscrit de Montpellier, Graduel de Bakócz, Graduel romain, Antiphonaire d’Istanbul… mais aussi de source anglaise médiévale (Cambridge), entre autres.  Belle plongée dans l’univers monastique.

 

 

 

Salve Regina de Silos.  Jade (jade@milanmusic.fr) : 699 741-2.  TT : 60’53.

Contrastant par sa virilité avec les voix des moniales de Pécs, le célèbre Chœur des moines bénédictins de l’Abbaye Santo Domingo de Silos (Espagne), sous la direction du Père chantre Dom José Luis Angulo, propose 27 pièces mariales - dont 6 inédites.  Les mélodies reposent sur les différents modes d’église et véhiculent des textes devenus traditionnels.  Ce monastère, dont la fondation remonte au VI^e siècle, après quelques périodes de décadence puis de renouveau à partir de 1835, a pu reprendre sa vocation de culture et de spiritualité.  Il se rapproche des Bénédictins de Solesmes ; dans le respect des traditions, il aspire à susciter un nouvel éveil religieux dans le contexte de la culture postmoderne.  Les amateurs de chant grégorien seront ravis de retrouver, entre autres, l’introït Gaudens gaudebo (3^e mode), l’antienne Salve Regina (5^e mode), l’hymne Virgo Dei genitrix (2e mode), la prose Ave plena gratiae (6^e mode), le cantique Tota pulchra es (5^e mode) et de découvrir des inédits, comme l’hymne Ave maris Stella (1^er mode).

 

 

 

Europäische Musik Basel zur Zeit des Konzils.  Musiques suisses (mirko.vaiz@mgb.ch) : MGB 6269.  TT : 62’32.

Ce disque représente une excellente illustration de la musique « européenne » vraisemblablement entendue à Bâle, à l’époque du XVII^e concile de l’Église catholique, qui y débuta en 1431, se prolongera à Ferrare en 1437, puis à Florence en 1439, pour se terminer à Rome en 1441.  Ce projet de la Migros (coopérative suisse) propose une reconstitution hypothétique, avec 19 pièces extraites notamment du célèbre manuscrit Trente 87-I (qui, selon P. Wright, aurait été en partie composé à Bâle), offrant un aperçu des principales formes en usage : chant grégorien,  cantiques, hymnes, mais aussi chansons d’amour, associant des musiciens des écoles dite franco-flamande (G. Du Fay, G. Binchois…), de Bourgogne (J. Brassart, qui a séjourné à Bâle), anglaise (J. Dunstable) et italienne (Domenico da Piacenza), ainsi que des extraits (anonymes) du célèbre Buxheimer Orgelbuch.  L’hymne grégorienne pour Pentecôte : Veni Creator spiritus sert d’introduction et Gratulemur cristicole  de conclusion, conférant une connotation religieuse et liturgique encore appuyée par des pièces de l’ordinaire de la messe : Kyrie, Gloria, Sanctus, Agnus Dei chantés pendant les réunions et lors des fêtes publiques.  La musique profane n’était pas écartée pour autant (airs de danse, chansons d’amour).  Selon les interprètes, la prononciation du latin est diversifiée.  Corina Marti et Michal Gondko, avec leur ensemble La Morra (chant, flûtes à bec, clavecin, luths…) restituent avec conviction ces atmosphères si variées de la « Bâle conciliaire » et illustrent musicalement cet événement historique de façon tout à fait plausible.

 

 

 

Heinrich ISAAC : Ich muss dich lassen.  Ricercar (stephanie@outhere-music.com) : RIC 318.  TT : 65’33.

Le titre n’est autre qu’une allusion à Innsbruck, ich muss dich lassen, célèbre chanson d’amour de Heinrich Isaac (ca 1450-1517), devenue - avec une connotation religieuse - : O Welt, ich muss dich lassen (Ô monde, je dois te quitter), puis O Welt, sieh hier dein Leben / Am Stamm des Kreuzes schweben (Ô monde, vois ici ta vie / suspendue à la croix), choral luthérien bien connu pour le temps de la Passion, reposant sur la même mélodie.  À la tête de la Capilla Flamenca et l’Ensemble Oltremontano, Dirk Snellins propose un programme en trois parties d’après l’origine des œuvres : Flandres, Florence, Vienne-Innsbruck-Augsbourg, correspondant aux lieux d’activité du musicien itinérant qui a composé pour la cour impériale en tant que Hofkomponist au service des Habsbourg, mais aussi pour les Médicis.  Ce triptyque de 19 pièces (qu’il est impossible de détailler ici) comprend des pages en latin : Sanctus, Agnus Dei, O Maria mater Christi… ; des Lieder allemands (Las rauschen…), des chansons françaises (En l’ombre d’un buissonnet…), italiennes (Hora e di maggio…), latine (Quis dabit capiti meo aquam ?...), très prenantes.  À noter, pour quelques pièces : la confrontation de la version de H. Isaac avec son modèle.  D’entrée de jeu, l’auditeur est frappé par le paysage vocal exceptionnel de la Capilla Flamenca avec ses sonorités chaudes, son expressivité, sa volubilité, sa mise en valeur de chaque intention figuraliste du compositeur, son fondu des voix et ses entrées successives en douceur.  L’Ensemble Oltremontano s’impose, lui aussi, par la qualité des sonorités et la profondeur de l’expression.  Les puristes ne seront donc pas déçus par les œuvres de ce compositeur cosmopolite, à la charnière entre le XV^e et le XVI^e siècles.  Cette réalisation, évoquant la production de « Heinrich Isaac : une vie en musique », se doit donc de figurer dans toute discothèque.

 

 

 

Johann ROSENMÜLLER : Venezianische Abendmusik. Christophorus (www.christophorus-records.de) : CHR 77 333.  TT : 70’00.

Depuis un certain temps, les œuvres de J. Rosenmüller connaissent un regain d’intérêt.  Ce musicien allemand (1617-1684), organiste de Saint-Nicolas à Leipzig, a largement contribué à l’évolution de la musique religieuse polychorale et instrumentale.  Le titre : Musique du soir vénitienne (inspiré des Abendmusiken de Lübeck) regroupe une sélection de Psaumes latins pour diverses formations : avec, entre autres, les psaumes 70 (71) In te Domine speravi et 133 (134) : Ecce nun benedicite (pour solo, instruments & basse continue) ; 90 (91) : Qui habitat in adjutorio (pour très grand effectif : 2 chœurs, 10 instruments & basse continue)... Le Canticum Simeonis : Nunc dimittis requiert 4 voix, 5 instruments & basse continue.  Ce programme de Psalmkonzerte de J. Rosenmüller, sortant des sentiers battus, est interprété par l’Ensemble éponyme dirigé par Arno Paduch, avec 8 solistes vocaux triés sur le volet et des instruments à cordes auxquels sont associés cornets, trombones & dulciane, ainsi que l’orgue ; par leurs diverses sonorités, ils rehaussent encore le sens des paroles latines.  Belle « défense et illustration » de J. Rosenmüller marqué par la double influence italienne du style polychoral vénitien à la manière de Legrenzi et Corelli ainsi que par l’intériorité luthérienne de H. Schütz.

 

 

 

Johann Sebastian BACH : Kantaten BWV 19, 50, 79, 80.  « Das Kirchenjahr mit J. S. Bach » n°10/10,  Rondeau (mail@rondeau.de) : ROP 4031.  TT : 70’51.

Lancée par le Thomanerchor de Leipzig pour marquer ses 800 ans d’existence, la collection « L’année ecclésiastique avec Jean Sébastien Bach » regroupe une sélection de cantates dans la plus pure tradition musicale hebdomadaire, sur les lieux historiques de l’activité du célèbre Cantor. Ce CD est destiné à la célébration de la St-Michel et de la Réforme.  Selon son habitude, l’excellent Cantor Georg Christoph Biller fait précéder les cantates par une hymne d’Erhard Bodenschatz et également un choral de Johann Walter.  La Cantate 19 : Es erhub sich ein Streit, relatant le combat de l’archange Saint Michel — avec son chœur d’introduction volubile, si bien enlevé et ponctué avec précision — pour la St-Michel (le 29 septembre) a été composée par Bach en 1726 pour ce même dimanche.  La Cantate 80 : Ein feste Burg ist unser Gott — symbole par excellence de la Réforme, avec son cantus firmus exposé en valeurs longues par les voix de garçons si lumineuses  — date du 31 octobre 1724.  La Cantate 79 : Gott der Herr ist Sonn und Schild - se terminant par le choral Erhalt uns in der Warheit affirmé note contre note par le Thomanerchor — a été interprétée le 31 octobre 1725 à Leipzig.  Tout le mérite de ce disque si authentique en revient au Thomanerchor et à ses jeunes solistes Friedrich Praetorius, Conrad Zuber, Stefan Kahle ; à Martin Petzold (ancien « Thomaner »), à Gotthold Schwarz, à l’Orchestre du Gewandhaus et à Georg Christoph Biller qui, incontestablement, poursuit et maintient la grande tradition leipzigoise. 

 

 

 

Johann Sebastian BACH : Kantaten BWV 63, 110, 190.  Rondeau Production (mail@rondeau.de) : ROP 4043.  TT : 74’18.

Les éditions Rondeau Production poursuivent leur série d’œuvres du Cantor de Leipzig classées selon l’année liturgique, conformément au sous-titre : Das Kirchenjahr mit Johann Sebastian Bach : Weihnachten (Noël).  Les Cantates sont interprétées sur le lieu-même où Bach les dirigeait, et par le Chœur de Saint-Thomas, des solistes (Thomaner) issus de ce chœur et l’Orchestre du Gewandhaus, tous dirigés par le Thomascantor si apprécié, Georg Christoph Biller.  L’hymne A solis ortus cardine (De nativitate Christi), dans la version d’Erhard Bodenschatz, incite au recueillement.  La cantate Unser Mund sei voll Lachens (Que notre bouche soit emplie de rires…) (BWV 110), créée le 25 décembre 1725, est prévue pour le 1er jour de Noël.  Placée sous le signe de la reconnaissance, de la gloire et de la louange (Alleluja !), Bach y associe ses instruments de prédilection tels que le hautbois d’amour aux sonorités si chaleureuses.  Les chanteurs du Thomanerchor, trompettes & percussions font partager la joie et l’enthousiasme de Noël aux accents festifs et solennels, sans vouloir rechercher l’effet à tout prix.  Également prévue pour le 1^er jour de Noël, la cantate Christen, ätzet diesen Tag (Chrétiens, gravez ce jour… rendez-vous avec moi à la crèche) (BWV 63) a retenti à Leipzig, le 25 décembre 1723.  Elle s’ouvre sur un chœur très allant, irrésistible et bien scandé, puis fait alterner récitatifs et airs, avec les voix si pures des garçons.  Pour conclure, à la place du choral traditionnel, Bach préconise le style du concerto grosso et des répliques précises, puis une section fuguée et la reprise du début, conférant un caractère très solennel à l’ensemble.  La cantate Singet dem Herrn ein neues Lied (Chantez au Seigneur un chant nouveau) (BWV 190) est prévue pour le Nouvel An.  Elle a retenti à Leipzig, le 1er janvier 1724 (Bach venait d’arriver dans cette ville) et repose essentiellement sur des citations des Psaumes et est placée sous l’injonction : Que tout ce qui respire loue le Seigneur !  Elle a pour idée générale la grâce et la recherche de la bénédiction offerte pour la Nouvelle Année, et se termine traditionnellement sur un choral sollicitant notamment la paix pour l’année à venir.  Jubilation communicative, ces cantates valent bien une prédication (et même plus)…

 

 

 

Antonín DVOŘÁK : Violin Concerto-Romance-Four Romantic Pieces.  Fuga Libera (stephanie@outhere-music.com) : FUG 588.  TT : 62’15.

Le violoniste arménien Hrachya Avanesyan, né en 1986, réside depuis l’âge de 16 ans en Belgique.  Il a fait ses études notamment au Conservatoire royal de Bruxelles auprès d’Igor Oïstrakh, puis à la Chapelle musicale Reine Élisabeth, avec Augustin Dumay.  H. Avanesyan  joue le Piatti (1717) d’Antonio Stradivarius.  Augustin Dumay est non seulement violoniste, mais aussi chef et directeur musical de l’Orchestre de chambre de Wallonie.  Pour ce CD, il dirige le Sinfonia Varsovia : autant de garanties de la qualité hors pair de cette réalisation qui comprend  le Concerto de violon d’A. Dvořák (1841-1904), tripartite, qui frappe par le caractère décidé et énergique de l’Allegro ma non troppo, la justesse et la brillance du violon jusque dans les traits perlés de l’extrême aigu ; par l’expressivité et l’intériorité de l’Adagio ; enfin, par le caractère joyeux et exubérant du Finale.  Les mêmes interprètes réservent un sort royal à la Romance pour violon & orchestre.  H. Avanesyan et Marianna Shirinyan (piano) forment une merveilleuse équipe très soudée, où chacun sait écouter l’autre, s’effacer ou s’affirmer ; pour conclure, ils proposent 4 Pièces romantiques, op. 75, avec une excellente diversification dans les mouvements et les caractères de chacune.  Remarquable initiative de Fuga Libera et remarquable hommage à l’admirable compositeur tchèque qui ne saurait être mieux servi. 

 

 

 

Georges MIGOT : Œuvres pour piano & pour chœurs. Intégral Distribution (integralclassic@wanadoo.fr) : INT 221 239.  TT : 73’47.

L’ « Association des amis de l’œuvre et de la pensée de Georges Migot » (www.georgesmigot.info) vient de publier un florilège à découvrir.  Le remarquable texte joint au CD contient l’analyse de ses Trois Nocturnes dantesques vus par lui-même (1933-34), grâce à une copie effectuée par le regretté Marc Honegger : « Le mot dantesque semble être à la fois utilisé pour indiquer le pathétique et les proportions amplifiées de l’œuvre. »  Concernant chaque Nocturne, le compositeur précise ses intentions en des termes très suggestifs.  Pour le premier : « la dernière rencontre… le dernier revoir » et « le destin qui ordonnait à deux êtres de ne plus parcourir la même route… devant la mer immensément bleue » ; pour le deuxième : les étapes de la soumission au destin ; et, pour le troisième : la séparation et la résignation : « Tout est accompli », résumant « l’histoire d’une rupture amoureuse entre une pianiste et son compositeur ».  Avec une remarquable intelligence musicale, Christine Marchais (piano) a assimilé les moindres intentions compositionnelles de G. Migot (1891-1976).  Elle interprète également Le Tombeau de Du Fault, joueur de luth, avec une grande transparence.  Les œuvres chorales sont représentées par 3 Chœurs (a cappella) : Des ailes, Encore imprégnée du mystère de la nuit, Pour dire mon amour,  le compositeur est aussi l’auteur du texte si poétique.  Cette musique subtile et délicate est interprétée par le Chœur de chambre de Rouen qui, sous la direction avisée de Daniel Bargier, se joue des nombreux traquenards d’intonation.  Les mêmes interprètes révèlent encore la Suite pour piano & chœurs en vocalises, « œuvre hors normes, composée en 1947-48, à la demande du pianiste hollandais Iskar Haribo ».  Dans son commentaire percutant, Jacques Feuillie en relève les principales caractéristiques successives : débordement d’énergie vocale et pianistique puis, tour à tour, tendresse, caractère brillant, berceuse…, « irréel comme un rêve » ou encore « les voix comme une fanfare » (selon les termes du compositeur) et, pour conclure : « l’effervescence pianistique et l’exaltation du chant ».  Voici d’autres facettes - encore à découvrir - de l’apport de Georges Migot à la musique française.

 

 

 

Alpentöne.   Musiques suisses (mirko.vaiz@mgb.ch) : MGB-NV20.  TT : 74’.

Les éditions Migros, dans la collection « Musiques suisses », proposent un aperçu du festival intitulé : Alpentöne.  Le présent disque correspond à la 7^e édition et met à nouveau l’accent sur les Alpes en tant que sites de rencontres et de transit.  Il projette un éclairage sur divers modes de vie et tempéraments régnant sur les lieux de passage des marchands, sur les langues et les cultures.  Tous les deux ans, des musiciens se retrouvent à Altdorf autour de traditions et d’identités nationales.  La musique ne se rattache à aucune esthétique particulière.  Les participants peuvent entendre des œuvres classiques, folkloriques et populaires, ou encore du jazz, d’où des programmes très variés, réalisés par des instrumentistes de différentes régions de Suisse, par des orchestres d’instruments à vent.  Les œuvres en dialectes suisses comprennent aussi bien des évocations du pays et de la montagne que des danses (Scottish, Polonaise, Tarentelle).  Au total : 13 pièces très représentatives et pleines de verve, dont le dénominateur commun est la Suisse avec ses divers cantons.

 

 

 

Johann Sebastian BACH : Concerts avec plusieurs instruments. Intégrale. Café Zimmermann, vol. I-VI.  6 CDs Alpha (stephanie@outhere-music.com) : 811.  TT : 6h28’.

L’Ensemble Café Zimmermann — par allusion au célèbre Café, où étaient organisées de nombreuses soirées musicales au cours desquelles le Collegium Musicum  se produisait et où a retenti la célèbre Cantate du Café et de nombreuses œuvres instrumentales  — propose cette réalisation exceptionnelle. La compilation discographique regroupe, en 6 disques, les Ouvertures (Suites) ; Concerts brandebourgeois ; Concerti pour clavecin ; Concerto pour deux clavecins ; Concerti pour 3 clavecins, 4 clavecins ; Concerto pour hautbois d’amour ; Concerti pour 2 violons ; Concerto pour violon et hautbois ; Concerto pour flûte, violon, hautbois, clavecin et cordes.  Les livrets trilingues situent ces pages dans le contexte du rationalisme et de l’Europe des Lumières et commentent ce vaste programme, avec une allusion à la « mode » de l’époque, aux circonstances et à la genèse des œuvres marquées par l’esthétique baroque.  À noter également la richesse de l’iconographie (autour du thème du café).  Ces Concerts permettent d’apprécier à leur juste valeur les qualités de l’ensemble  Café Zimmermann — en résidence au Grand Théâtre de Provence & soutenu par le ministère de la Culture — et des solistes Céline Frisch (clavecin) et Pablo Valetti (violon & Konzertmeister), entre autres.  Sans pouvoir entrer dans le détail de chaque œuvre, soulignons que les interprétations restent fidèles à l’esprit du temps, aux intentions et à la tradition de J. S. Bach.  Les mouvements rapides sont bien enlevés comme dans le premier du Concerto pour 2 violons en ré mineur (BWV 1043), avec son introduction pétillante et ses répliques précises. Les adagios sont un modèle d’expressivité et d’intériorité.  Tant par l’apport iconographique, historique et musical, cette magnifique Intégrale se doit de figurer dans toute discothèque : elle ravira les mélomanes les plus exigeants.

 

Édith Weber.

 

 

Johannes BRAHMS : Concerto pour piano n°1.  Variations sur un thème original op. 21 n°1.  Thème et Variations en ré mineur (transcrits du Sextuor à cordes).  Kun-Woo Paik, piano.  Orchestre philharmonique tchèque, dir. Eliahu Inbal.  DG : 7701/4763899.

Cette production coréenne, enregistrée en 2009 au Rudolfinum de Prague (siège de la Philharmonie tchèque) et en Allemagne, nous parvient sous étiquette DGG (ne remercions pas l’éditeur pour la taille minuscule des caractères latins – sur fond marron ! –  qui rend impossible la lecture de la traduction anglaise des textes coréens !).  Étrangetés d’un marché qui n’apporte plus de garanties à un éminent  artiste asiatique pourtant installé en France depuis tant d’années !  D’emblée, la puissante âpreté de l’attaque orchestrale du Concerto nous empoigne, donnant le ton d’un Brahms superlatif du côté d’Eliahu Inbal et de la phalange tchèque dont il a récemment pris les commandes.  Du coup, le pianisme souple et nuancé de Kun-Woo Paik manque un peu des profondeurs cathédralesques que le compositeur et de tels partenaires requéreraient. Le mouvement central bénéficie au contraire de la sensibilité si délicatement raffinée de l’artiste coréen, tandis que le chef lui tisse un tapis de sonorités diaphanes.  Quant au finale, il est emporté par un rythme cravachant.  À dire vrai, Eliahu Inbal investit si énergiquement le terrain brahmsien qu’il se pose en vedette du concerto.  Venant après ce symphonisme brossé al fresco, les Variations sur un thème original pour piano seul apparaissent un tantinet arides : une telle programmation défavorise une œuvre qui peine à faire s’élever une voix bien typée.  En revanche, Kun-Woo Paik nous donne un Thème et Variations en ré mineur admirablement timbré et au cheminement noble : il réussit à créer une illusion d’identité pianistique à cette page adaptée par Brahms d’une polyphonie de cordes.  On regrettera, dans le Concerto, une prise de son trop « globale », manquant de définition sur les divers groupes orchestraux.

 

 

 

Thierry LANCINO (°1954) : Requiem.  Heidi Grant-Murphy (soprano), Nora Gubisch (mezzo-soprano), Stuart Skelton (ténor), Nicolas Courjal (basse), Chœur de Radio France, Orchestre philharmonique de Radio France, dir. Eliahu Inbal.  Naxos : 8.572771.

Un Requiem de plus ?  Non, plutôt une transfiguration métaphysico-symboliste qui trouverait sa juste place dans la catégorie des oratorios. En effet, le déroulement, conçu par Thierry Lancino et mis en forme littéraire par Pascal Quignard, interpole dans le plan liturgique du texte latin les incantations de la Sibylle de Cumes (en grec et en français) ainsi que les tirades d’un David divisé en deux chanteurs reflétant les versants contrastés de sa psychologie : idée originale tirant sa source d’un verset du Dies Irae que l’on survolait jusqu’à présent sans y prêter attention. Ces survivances païennes, ainsi que des émanations de l’humaine condition, prennent ici une vie propre, en marge du canon catholique qui les celait en ses replis.  Plutôt que de marge, on devrait parler de contrepoint et de mouvement contraire, sous l’angle allégorique, l’aspiration à la vie éternelle chrétienne se voyant opposer les appels (« Je veux mourir ») de la Sibylle punie d’un vieillissement perpétuel par Apollon. Le compositeur, après avoir consacré de nombreuses années de sa vie à l’électroacoustique et à l’Ircam, a trouvé son équilibre dans une écriture assumant les beautés mélodiques et l’expressivité dramatique au sein d’un langage qui ne renie rien de la modernité, mais l’ouvre à des résonances humaines et spirituelles vectrices de profondes émotions.  Il s’est agi pour lui de recréer une intemporalité autour du thème de l’éternel par des moyens musicaux contemporains ; sa manière d’évoquer l’antique par une stylisation et des sonorités d’aujourd’hui n’est pas sans rappeler la démarche d’un Stravinsky dans Oedipus Rex (avec un tout autre idiome individuel, comprenons-nous bien). L’emploi des percussions et d’instruments exotiques concourt à cette transposition spirituelle.  L’émotion emprunte des chemins multiples : la mise à nu d’une pure cantilène (le solo de soprano amenant l’Ingemisco), ou de poignantes grappes harmoniques dans le tréfonds du chœur (Lacrimosa), ailleurs la malléabilité des nappes et sculptures de timbres orchestraux sur lesquelles se détachent les voix (Sanctus), enfin la résolution de tous les conflits antérieurs par la subtile infiltration d’un contrepoint de facture « classique » dans le Dona eis requiem.

La création de cette œuvre, Salle Pleyel, s’étant déroulée devant les micros de Radio France les 7 et 8 janvier 2010, l’édition discographique reprend le matériel des concerts.  Félicitons à ce titre l’ensemble des interprètes pour avoir si magistralement dominé « sur le vif » un ouvrage vaste (72 minutes de musique) et complexe.  La distribution vocale est mieux partagée côté féminin que masculin : le rôle de la Sibylle échoit à Nora Gubisch dont le flamboyant  tempérament d’actrice et la chaude voix excellent dans ces personnages hors normes (elle campa une inoubliable Pythonisse dans Le Roi David d’Honegger au Palais Garnier le 25 mars dernier) ; une vibrante innocence rayonne de la voix d’Heidi Grant Murphy transfigurant la souffrance d’une simple mortelle.  Les choristes de Radio France (préparés par Matthias Brauer et Sébastien Boin) imposent leur engagement dramatique comme un personnage à part entière.  L’Orchestre philharmonique se meut à l’aise dans la musique contemporaine, et le Maestro Inbal affectionne les fresques ambitieuses.  Prophétisons – que la Sibylle nous pardonne ! – à une œuvre si riche, et si sincèrement pensée, l’accès à la vie éternelle de l’entrée au répertoire, car elle agira toujours sur la corde sympathique des questionnements inapaisables de l’âme humaine grâce à des traits d’inspiration qui ont su dépasser les clivages d’un esthétisme « daté » pour figurer l’élan créatif d’un présent teinté d’universel.

 

 

 

Allan PETTERSSON : Sonates n° 2, 3 et 7 pour 2 violons.  Deux élégies, Romance, Andante espressivo, pour violon et piano.  Concerto pour violon et quatuor à cordes.  Yamei Yu (violon 1), Andreas Seidel (violon 2), Chia Chou (piano). Leipziger Streichquartett.  MDG : 307 1528-2.

Le compositeur suédois Allan Pettersson (1911-1980) compte parmi les plus grands symphonistes du XX^e siècle ; son centenaire, cette année, fut occulté par d’autres commémorations !  On peut écouter ses 15 symphonies achevées grâce à de remarquables disques parus chez CPO et chez Bis.  Son noir destin rejaillit sur son caractère et sur les tensions tragiques de sa musique : fils d’un forgeron alcoolique, il passa une grande partie de son existence immobilisé chez lui ou dans les hôpitaux en raison d’une pénible polyarthrite chronique inflammatoire.  Ce disque de pièces chambristes, antérieures à la grande floraison orchestrale, reflète sa formation de violoniste et d’altiste ; il ne saurait être abordé que comme complément documentaire à la connaissance du corpus essentiel.  Les miniatures pour violon et piano remontent à une époque où le jeune Allan Pettersson apprenait à écrire, et l’on tressaute à quelques fautes d’harmonie.  Beaucoup plus intéressantes, les Sonates de 1951, extraites du recueil à 2 violons, cultivent une polyphonie âpre et précèdent immédiatement le  séjour que le musicien suédois (peu précoce, de par le contexte dans lequel il grandit) fit à Paris pour recueillir l’enseignement de René Leibowitz et d’Arthur Honegger.  À peine antérieur, le Concerto pour violon et quatuor à cordes (1949) s’avère déjà représentatif du compositeur, en ce sens qu’il évolue en permanence sur les franges de l’extrême, exacerbant les tensions de ses dissonances et ouvrant sur des recherches sonores.  On y ressent ce que révélait en 1952 Allan Pettersson dans un écrit publié à Paris : « Dans le milieu au sein duquel j’ai passé mon enfance, j’ai absorbé la douleur des hommes.  C’étaient des hommes pauvres, brisés, malades et – le pire de tout – définitivement opprimés. »  Peu de temps allait s’écouler avant qu’il ne devienne lui-même « brisé, malade ».  Les interprètes (une Chinoise de Pékin, un Chinois de Taiwan, et des Allemands issus du Gewandhaus de Leipzig) endossent parfaitement cette trajectoire qui tint du Voyage au bout de la nuit mais féconda une œuvre impressionnante.

 

 

 

Nino ROTA : Concertos pour violoncelle n° 1 et 2.   Silvia Chiesa, violoncelle.  Orchestre symphonique nationale de la RAI, dir. Corrado Rovaris. Sony : 88697924102.

Prolifique compositeur de musique de film (et irremplaçable partenaire de Fellini), Nino Rota est victime de son succès dans un genre mineur.  Son œuvre « abstraite » – si l’on peut dire – s’en trouve donc négligée, malgré quelques offensives de talentueux interprètes.  Ces concertos de 1972 et 1973 s’assument résolument comme rétrogrades (ils le seraient, même s’ils portaient la date de 1922, c’est dire !), mais les interprètes italiens mettent tellement de flamme à le défendre que l’on se prend à écouter le disque avec plaisir.  Silvia Chiesa joue constamment dans la tension (au prix de quelques problèmes de justesse) ou dans le registre d’une tristesse chantante, et Corrado Rovaris se souvient de son expérience de chef d’opéra pour projeter des flambées lyriques qui réveillent notre sensibilité : l’addition de ces pertinentes idées d’interprètes réussit à soutenir l’intérêt par une expression dramatique inattendue, surtout dans le 1^er Concerto (le 2^e, avec son hommage à Mozart, chemine plus superficiellement).  Preuve supplémentaire qu’une musique fragile dépend beaucoup de la capacité de ses « médiateurs » à y déceler des pistes susceptibles de la régénérer.

 

 

 

Robert SCHUMANN : Fantasiestücke op. 12, Arabesque op. 18, Kreisleriana op. 16.  Vittorio Forte.  Lyrinx : LYR 275.

Les sujets d’irritation ne manquent pas à l’approche de ce disque. Tout d’abord des négligences éditoriales : cafouillages dans les numéros d’opus au dos du disque, fautes de français dans la notice écrite par l’interprète calabrais (mais non relue).  Puis des maniérismes hors de propos nous empêchent de nous concentrer sur les qualités, pourtant réelles, du pianisme de Vittorio Forte (beau son, agilité digitale) : dès la première pièce de l’op. 12, les intentions sonnent faux.  Et périodiquement, notre écoute se trouve ainsi déviée de ce que l’on aimerait goûter dans son jeu purement instrumental : ici on minaude, là on traîne quand il faudrait du muscle, soudain on éperonne par à-coups, et on entre dans les Kreisleriana au pas d’un percheron (ce qui est rédhibitoire).  Vittorio Forte semble être demeuré étranger à l’empathie avec le génie schumannien qui, seule, ouvre des portes insoupçonnées.  À ceux qui s’en vont quérir le bouillonnement de la jeunesse dans l’interprétation des fantasques rêveries schumanniennes, recommandons les quatre disques (chez Claves) de l’Irlandais Finghin Collins, pianiste difficile à détrôner dans les deux recueils de Fantasiestücke (l’op. 12 et l’op. 111).

 

 

 

Carl-Maria von WEBER : Dix Ouvertures.  Tapiola Sinfonietta, dir. Jean-Jacques Kantorow.  Bis-SACD : 1760.

Le réalisme historique impose de noter que l’Orchestre philharmonique de Berlin n’existait pas à l’époque de Weber, et que les 41 membres de l’orchestre de chambre finlandais devraient suffire.  L’hédonisme impose de noter que, depuis Weber, nous avons eu Karajan et sa somptueuse phalange (DGG), et que notre oreille moderne trouve rikiki toute version « restreinte ».  Certes, Jean-Jacques Kantorow dirige avec fougue, volubilité, et accomplit un brillant travail sur les articulations, mais il ne peut empêcher que nous restions fidèles à notre bonne vieille référence pour les six ouvertures gravées par le chef salzbourgeois (Le Maître des esprits, Peter Schmoll, Abu Hassan, Der Freischütz, Euryanthe, Oberon).  L’intérêt du disque se concentre donc sur les quatre ouvertures restantes : celle de Silvana, opéra de jeunesse, porte encore la marque de l’héritage mozartien, la Jubel-Ouvertüre (écrite en 1818 pour fêter le long règne du roi de Saxe, Friedrich August) véhicule une énergie à mettre en parallèle de grandes pages beethoveniennes.  Deux ouvertures de musiques de scène ont en commun le souci d’intégrer des thèmes authentiques correspondant à l’ethnie de leurs sujets respectifs : Preciosa (1820, pour une adaptation de Cervantès) est une élégante espagnolade, même si on y chercherait en vain un ton d’assimilation précurseur de Carmen !  L’ouverture de Turandot, Princesse de Chine (1809) fera dresser l’oreille à ceux qui ont en mémoire les Métamorphoses symphoniques sur un thème de Weber (1943), puisque Paul Hindemith a recouru précisément au thème chinois que Weber avait déniché dans le Dictionnaire de musique de Jean-Jacques Rousseau.  On s’amusera de suivre comment Weber, entravé par l’harmonie classique, se détortille du pentatonisme, tandis que Hindemith, avec un humour virtuose, a « promené » l’harmonisation et l’orchestration de son thème au gré d’une fantaisie débridée, jusque dans les terres swinguantes d’un brio très américain (il avait émigré outre-Atlantique en 1940).  Il y a plus de vingt ans, Neeme Järvi avait eu l’intelligence de coupler les Métamorphoses d’Hindemith à son programme Weber comportant l’Ouverture et la Marche de cette musique de scène pour Turandot (Chandos : CHAN 8766).

 

 

 

Gustav MAHLER : 3^e Symphonie (a) ; Alban BERG : Lulu-Suite (b).  Hildegarde Ruetgers (mezzo-soprano, a), Mary Lindzey (soprano, b), Chœurs et Maîtrise de l’ORTF (a), Orchestre national de l’ORTF, dir. Jean Martinon.  2 CDs Cascavelle : VEL 3160.

Jean Martinon (1910-1976) fut un immense musicien dont la France (fidèle à ses bonnes vieilles habitudes) a tendance à laisser dépérir le souvenir ; d’ailleurs le présent double disque, s’il nous restitue des concerts de l’ORTF, vient d’une firme suisse, c’est tout dire !  Dès les premières mesures du Kräftig de la 3^e Symphonie de Mahler, captée le 3 octobre 1973, on reçoit un choc : Martinon se sert de l’éminente qualité des cuivres français pour creuser à la gouge, au burin, les reliefs expressifs d’un dramatisme intensément tendu.  Il se sert aussi de la couleur incisive des bois français qui, à l’époque, se distinguaient encore par leur verdeur acidulée, pour aviver les traits, tantôt insinuants, tantôt sarcastiques, si typiques de la musique de Mahler.  Ainsi, chaque partie de la fascinante orchestration ressort-elle avec ses ombres, ses éclairages individualisés, et agit-elle comme dans un théâtre des sons.  Si les cordes ne sont pas viennoises, on se doit de saluer le travail du chef qui réussit à en tirer le maximum (ah, les caressantes effusions du finale !).  Manifestement, Jean Martinon se livra à une analyse particulièrement pertinente de la structure et de la polyphonie de l’œuvre, pour en donner une lecture admirablement vivante, chaque incise, chaque thème ayant quelque chose à dire, avec son élocution, son phrasé, sa couleur propres.  Les intentions musicales  nous tiennent sans cesse en éveil, nous empoignent, nous lacèrent, interpellent notre empathie ou mettent en vibration notre fibre émotionnelle.  La chaude voix d’Hildegarde Ruetgers nous enveloppe, accompagnée là encore de couleurs orchestrales très travaillées.  Et la symphonie se termine dans une apothéose wagnérienne qui exalte le noble idéal du compositeur.  On n’hésitera pas à classer cette interprétation parmi les plus saisissantes d’une discographie mahlérienne qui, pourtant, ne manque pas d’illustres baguettes, et l’on repense à la médaille Mahler ayant consacré, en 1967, le travail du musicien lyonnais.

La présence sonore de l’enregistrement est optimale et respecte tous les reliefs recherchés par le chef. L’exhumation des archives martinonesques de l’ORTF se poursuivra-t-elle avec d’autres trésors de cet acabit ?

Par la prise de son comme par le rendu orchestral (sans parler d’une soprano parfois à la peine), la Lulu-Suite (concert du 3 novembre 1971) apparaît comme un peu moins nécessaire, mais il demeure néanmoins bon de se souvenir des efforts qu’entreprit Jean Martinon pour un répertoire alors moins couru qu’aujourd’hui : rien d’aride dans son approche de cette partition qui se construit selon une progression dramatique faisant monter la tension émotionnelle.

 

 

 

Gustav MAHLER : 8^e Symphonie.  Ricarda Merbeth (sopr.), Elza van den Heever (sopr.), Elisabeta Marin (sopr.), Stella Grigorian (alt.), Jane Henschel (alt.), Johan Botha (tén.), Boaz Daniel (bar.), Kwangchul Youn (basse).  Wiener Singakademie, Slovak Philharmonic Choir, Wiener Sängerknaben, ORF Radio Symphony Orchestra, dir. Bertrand de Billy.  Oehms : OC 768.

À deux générations de distance, il s’avère intéressant d’écouter ce que produisent les chefs français dans Mahler.  Bertrand de Billy (né en 1965), installé à Vienne depuis 1996, clôturait par ce concert du 27 mars 2010 un cycle mahlérien, et en quelque sorte son règne (2002-septembre 2010) à la tête de l’orchestre de l’ORF.  On le sait grand chef wagnérien, et la similitude d’un des thèmes de la première partie de la 8^e Symphonie avec un motif des Meistersinger résonne comme le signe d’une passerelle entre les activités lyriques et symphoniques du Maestro.  Pourtant, la dominante de sa lecture de la Symphonie dite « des Mille » n’est pas à chercher de ce côté : nulle grandiloquence, nul effet rhétorique chez lui ; on a plutôt l’impression d’entendre un grand oratorio – après tout, cette symphonie ne l’est-elle pas ? – ce que la prévalence d’un admirable travail des chœurs renforce.  Le sentiment de clarté qu’on en retire ne concerne pas seulement la limpidité du cheminement polyphonique mais l’image mentale d’une couleur claire qui rayonnerait sur tout le tableau ; l’on peut alors juger que d’autres chefs nous ont entraînés vers des horizons plus contrastés dramatiquement.  Cela dit, la dernière partie s’élève vers une paix qui nous envahit d’une spiritualité bienfaisante (Chœur Dir, der Unberührbaren, ist es nicht benommen), d’une lumière diaphane : la clé du message de Mahler ne s’en trouve-t-elle pas ainsi respectée ?

 

 

 

« Une soirée chez Brahms ».  Robert SCHUMANN : Adagio et Allegro op. 70.  Theodor KIRCHNER : 8 Pièces op. 79.  Johannes BRAHMS : 4 Lieder transcrits par N. Salter.  Robert FUCHS : 2^e Sonate op. 83.  Franz Ortner (violoncelle), Caroline Boirot (piano).  Lyrinx : LYR 261.

Que voilà une belle soirée, grâce à deux musiciens qui ne pouvaient manquer de se rencontrer malgré leur carrière très cosmopolite !  Ils respirent d’un même souffle musical, et nous convainquent de la valeur des pièces choisies parmi cette « jeune » génération de compositeurs qui se fédéra autour du modèle schumannien.  Ils n’hésitent pas à tirer le moindre ferment d’expressivité des textes : écoutez par exemple la lenteur de l’Adagio de Schumann, certes excessive mais que l’on pardonne aisément avec une telle beauté de son.  Franz Ortner a de ces portamenti qui donnent une délicieuse saveur « d’époque » ; ce Viennois cultive le son onctueux considéré comme une caractéristique de sa tradition native, mais qu’il est agréable de se laisser ainsi enjôler !  Nos duettistes mettent une vive imagination à faire ressortir maintes séductions des Huit pièces (organisées selon une stricte ordonnance lent-vif) de Kirchner, un auteur fidèle à une écriture d’obédience brahmsienne et jamais suspect de penchants vers quelque « musique nouvelle » ! Pourtant, guidés par de tels interprètes, on éprouve un franc plaisir.  La transcription pour violoncelle des lieder de Brahms fut publiée du vivant de Brahms qui n’émit aucune objection : sous un archet aussi chantant que celui de Franz Ortner, on les trouve encore plus beaux que par bien des interprètes vocaux ; et avec quelle délicatesse Caroline Boirot embrasse-t-elle la partie soliste par un judicieux dosage des différentes tessitures du piano !  Plus tardive, mais tout aussi ignorante des révolutions artistiques en marche, la Sonate de Fuchs s’épanche en un éloquent lyrisme, animé de romantiques emportements. Prise de son très gratifiante, ronde et chaleureuse, à l’image de la musicalité de ces artistes admirables que l’on souhaite retrouver très vite au disque.

 

Sylviane Falcinelli.

 

 

Padre Antonio SOLER (1729-1783) : Fandango & Sonates.  Marcela Roggeri, piano.  Transart Live : TR 153.  TT : 75’04.

Un très bel enregistrement live, capté lors d’un concert au Grand Théâtre de Reims, dans le cadre des Flâneries musicales (2006).  Un joli programme qui associe le Fandango, découvert en 1960, et treize sonates choisies parmi les deux cents sonates composées par le moine de la communauté hiéronymite de San Lorenzo de l’Escurial.  Une musique ensorcelante, sensuelle et effrénée, mais également virtuose et mélancolique.  Une belle interprétation, pleine d’allant qui incite à la danse.

 

 

 

BACH, MOZART, CHOPIN. Tribute to Dinu Lipatti.  Paul Badura-Skoda, piano. Transart Live : TR 170.  TT : 70’07.

Un disque en forme d’hommage à l’immense pianiste que fut Dinu Lipatti, pour l’anniversaire des 60 ans de son dernier concert à Besançon, mais aussi, la marque de l’admiration portée à ce maître par le non moins talentueux Paul Badura-Skoda.  Un programme associant Bach (Partita n°1) Mozart (Sonate pour piano K. 310) Chopin (Valses, Mazurkas, Ballade).  Un enregistrement live datant de 2010, capté au Festival international de Besançon, sur piano Steinway.  Un disque magnifique qui nous entraîne bien au-delà des notes.

 

 

 

Henri TOMASI (1901-1971) : Mélodies corses. Cyrnos.  Johanne Cassar (soprano).  Laurent Wagschal & Sodi Braide (pianos).  Indesens : INDE 037.  TT : 54’49.

Un disque original, remarquablement interprété, qui nous donne à entendre les compositions vocales peu connues d’Henri Tomasi, compositeur et chef d’orchestre, Grand Prix de Rome 1927, dont certaines encore inédites au disque, ainsi qu’une composition, Cyrnos (1929) enregistrée ici, pour la première fois, dans sa version pour deux pianos.  Une musique inspirée des couleurs de la Méditerranée, loin de tout folklorisme, mais parfaitement inscrite dans la musique de son temps.  Une interprétation  où alternent joie et douleur, une vocalité facile au timbre chaud, un piano aux accents ravéliens.  

 

 

 

George ENESCU (1881-1955) : Chamber Music  1895 -1906.  Tatiana Samouil (violon), Gérard Caussé (alto), Justus Grimm (violoncelle), Frédéric Mellardi (trompette), Claudia Bara (piano).   Indesens : INDE 036.  TT : 76’02.

Un florilège de compositions chambristes de George Enescu, toutes compositions de jeunesse, mêlant tradition, modernité et mélodies populaires roumaines.  Des œuvres peu connues, des associations d’instruments classiques comme dans la Ballade pour piano & violon de 1895, l’Aubade pour trio à cordes de 1899 ou la Sérénade lointaine pour piano, violon & violoncelle de 1903, parfois plus inhabituelles, comme dans la Légende pour trompette & piano de 1906 ou le Cantabile et Presto pour flute & piano de 1904, sans oublier la Pavane de la Suite n°2 pour piano, le Konzerstück pour alto & piano, le Nocturne pour violoncelle & piano, la magnifique Pastorale, Menuet triste et Nocturne  pour violon & piano à quatre mains et l’ardente Tarentelle pour violon & piano.  Un beau programme qu’il suffit d’écouter pour être convaincu.  Original, parfaitement joué par des musiciens talentueux.

 

 

 

Bertrand de BACILLY ou l’art d’orner le « beau chant » : Airs inédits.  Première mondiale. Ensemble « A Deux Violes Esgales ».  Saphir (www.saphirproductions.net) : LVC 1126.  TT : 64’30.

Un disque d’airs profanes français inédits, en première mondiale, appartenant au genre musical de la politesse mondaine du XVII^e siècle, établi à partir d’un manuscrit récemment découvert, rapporté à Bertrand de Bacilly (1621-1690) qui fut l’un des principaux chanteurs-compositeurs-pédagogues du règne de Louis XIV.  Héritier direct de l’air de cour, l’« air sérieux » fut le symbole d’une société raffinée et domina toute la musique profane de cette époque.  Cet art exigeant du chant consistait à agrémenter la mélodie d’ornements, de cadences, destinés à mettre en avant la virtuosité, la diction et la finesse du chanteur.  Bertrand de Bacilly en fut un des maîtres et en publia plusieurs recueils.  Un disque-document qui associe des airs de Bertrand de Bacilly  et des pièces instrumentales de quelques-uns de ses fameux contemporains, parmi lesquels Couperin, Dufaut, Hotman et Sainte-Colombe.  Un témoignage du « beau chant » qui ne laissera pas indifférents les amateurs de musique baroque et les historiens du Grand Siècle.

 

 

 

Quatuor IXI : Cixircle.  Abalone Productions : AB008.  TT : 56’15.

Une musique pour quatuor à cordes, hybride entre classique, jazz et improvisation.  Une musique étonnante, avec de très beaux moments.  Ne pas l’écouter serait une erreur.

 

 

 

Richard WAGNER : Tristan & Yseult.  Ensemble Carpe Diem, dir. Jean-Pierre Arnaud. Christine Schweitzer (soprano), Lambert Wilson (récitant).  Vincent Figuri (adaptation du livret).  Indésens : INDE 035.   TT : 53’15.

Entreprise honorable mais périlleuse, que de revisiter Tristan & Yseult, façon troubadour, dans le style du « dit » médiéval, mais envisager Tristan & Yseult sans Tristan, voilà qui relève de la gageure, et du pari inutile, surtout lorsque le minutage, réduit à 53’, vous contraint à des coupes drastiques, amputant d’autant la cohérence de l’œuvre et la rendant, de ce fait, parfaitement incompréhensible !   Curieuse idée de réduire un tel opéra à quelques bribes vocales ! Une faillite  patente où interviennent aussi le mélange de deux langues (allemand et français) et la multiplicité des rôles dévolus au récitant qui interprétera Tristan, mais également, au gré des circonstances, Brangaine, Kurvenal et accessoirement Yseult, voilà qui ne favorise pas la lisibilité du livret.  Si la transcription musicale de Jean-Pierre Arnaud pour 10 musiciens peut trouver grâce à nos yeux, la piètre prestation vocale de Christine Schweitzer et  l’absence de duos vocaux achèvent de dénaturer l’œuvre de Wagner, totalement déshabitée, lui retirant toute magie et toute émotion.  Un disque qu’il conviendra d’oublier rapidement, en retenant, toutefois, qu’on ne s’attaque pas impunément à la prosodie wagnérienne, ni à une œuvre aussi emblématique que Tristan & Yseult, personne ne sortant grandi de cette aventure, et surtout pas Wagner.

 

 

 

Camille SAINT-SAËNS : Elan.  Ballet music from operas by Saint-Saëns.  Orchestra Victoria, dir. Guillaume Tourniaire. World Premiere Recording.  Melba Recording  (www.melbarecordings.com) : MR301130.  TT : 73’04.

Force est de reconnaître qu’en dehors de Samson et Dalila, la production opératique de Saint-Saëns reste assez mal connue du grand public.  Voilà une occasion de combler cette lacune grâce à ce disque original qui présente la musique orchestrale et de ballet de quelques-uns des treize opéras que Camille Saint-Saëns (1835-1921) composa tout au long de sa carrière. Magistralement interprétée par Guillaume Tourniaire à la tête de l’orchestre Victoria, voilà une musique élégante, témoignant du grand opéra français, très variée, un peu passéiste, qui mérite beaucoup mieux que le mépris ou l’oubli.  En dehors de celle d’Henry VIII (1883) les musiques instrumentales extraites d’Ascanio (1890), d’Étienne Marcel (1879), des Barbares (1900) sont encore inédites au disque. Un enregistrement de grande qualité, une superbe musique, à découvrir absolument.

 

 

 

Franz SCHUBERT : Impromptus & Écossaises.  Michel Dalberto (piano). Dal Segno : DSPRCD062.  TT : 69’20.

Une très belle interprétation de Michel Dalberto des 4 Impromptus op. 90 &  op. 142 datant  tous deux de 1827, mais témoignant de climats bien différents et des Écossaises D.781 & 782,  musiques de danse composées en 1823.

 

 

 

Johannes BRAHMS : Werke für Chor und Orchester.  Collegium Vocale Gent & Orchestre des Champs-Élysées, dir. Philippe Herreweghe.  Ann Hallenberg (mezzo-soprano).  PHI ( ) : LPH003.   TT : 56’48.

Une interprétation de la musique pour chœur et orchestre de Brahms (1833-1897) qui atteint, ici, des sommets rarement égalés, tant vocalement qu’instrumentalement.  Ce qui peut être considéré comme « la plus haute expression de la musique », comme l’affirmait Schumann, associe dans cet enregistrement Schicksalslied (1871), la Rhapsodie pour alto (1869), « Warum ist das Licht gegeben » (1878), Begräbnisgesang (1858) et Gesang der Parzen (1882).  Les timbres, le phrasé, tout participe ici d’une spiritualité et d’une ferveur certaines ;  plus qu’une musique, une prière, un regard pénétrant sur les mystères du monde spirituel.  Un très beau disque du nouveau label PHI, absolument indispensable aux admirateurs de Brahms, aux amateurs de musique chorale et autres…

 

 

 

BRAHMS : Piano works.  Peter Katin (piano).  Diversions : ddv 24157.  TT : 78’48.

Un enregistrement datant de 1990 qui permet de retrouver le pianiste britannique Peter Katin dans un de ses répertoires de prédilection. Un programme qui associe les Fantasias op. 116, Trois Intermezzi op. 117, Deux Rhapsodies op. 79 et les Variations et Fugue sur un thème de Haendel op. 24. Une magistrale interprétation d’œuvres composées entre 1861 pour les Variations et 1891 pour les Intermezzi, alternant lyrisme, passion, tendresse, tristesse et sérénité.

 

Patrice Imbaud.

 

 

« Les Héroïnes romantiques : Tragédiennes 3 ».  Étienne-Nicolas MÉHUL : Ariodant.  Rodolphe KREUTZER : Astyanax.  Antonio SALIERI : Les Danaïdes.  Christoph Willibald GLUCK : Iphigénie en Tauride.  François-Joseph GOSSEC : Thésée.  Giacomo MEYERBEER : Le Prophète.  Auguste MERMET : Roland à Roncevaux.  Hector BERLIOZ : Les Troyens.  Camille SAINT-SAËNS : Henry VIII.  Jules MASSENET : Hérodiade.  Giuseppe VERDI : Don Carlos.  Véronique Gens, soprano.  Les Talens Lyriques, dir. Christophe Rousset.  Virgin Classics : 50999 07 0927 2 5.  TT : 67'49.

Poursuivant leur exploration des grandes pages confiées aux tragédiennes de l'opéra français, Véronique Gens et Christophe Rousset en viennent aux héroïnes romantiques.  Conclusion logique d'un voyage qui les avait, l'espace de deux précédents volumes, menés de Lully à Gluck, puis à Berlioz, en passant par un florilège de compositeurs tirés des limbes.  Cette fois encore, ils mêlent le connu et le rare, ressuscitant un théâtre de passions.  Un sérieux travail éditorial a été effectué en amont avec l'aide de la Fondation Bru Zane, pour nous entraîner parmi une cohorte d'héroïnes au destin implacable, à la fureur inassouvie, à la déploration grandiose.  Gluck (Iphigénie en Tauride) et Berlioz (Les Troyens) en sont bien sûr les piliers, annonciateurs l'un et l'autre de ce romantisme qui ne demandait qu'à éclore.  Mais aussi les « vrais » romantiques que sont Massenet, Saint-Saëns, et même un certain Giuseppe Verdi.  Un premier groupe illustre la transition entre classicisme et élargissement de la forme.  Ainsi de Gossec dont la Médée (Thésée) évoque un récit haletant, de Méhul qui, avec le récit et l'air d'Ina tiré d'Ariodant, offre un étonnant mélange de mélodrame parlé et d'air véhément, de Kreutzer encore dont l'Andromaque d'Astyanax livre un de ces « airs agités » exhalant des torrents de fureur.  Un autre groupe réunit Meyerbeer (air de Fides du Prophète, aux curieux mélismes), Saint-Saëns et son Henry VIII, si peu joué : l'air de Catherine d'Aragon évoquant dans une cavatine à la française, sa chère terre natale espagnole en une plainte désolée, est un joyau.  Mais aussi l'aria d'Hérodiade de Massenet, sans doute plus prosaïque, mais pas grandiloquente.  Un autre bijou est l'air d'Élisabeth de Valois du Don Carlos de Verdi, version française de ce grand œuvre historique, qui ouvre le V^e acte, « Toi qui sus le néant des grandeurs de ce monde ». Véronique Gens livre, de ces femmes immenses, des interprétations engagées, empreintes de cette simplicité de la diction qui est la marque de la vraie tragédie.  Il n'est que d'écouter la sérénité poignante qui s'empare de Didon dans son récit « Je vais mourir », des accents délicatement archaïsants des mots  « adieu, fière cité », d'une noblesse digne de Crespin, pour se convaincre de la rectitude de ton.  La voix s'est aussi étoffée dans le médium, qui fait vite oublier le léger effort consenti dans le registre aigu de certains traits vaillants.  Elle confie que la fréquentation de la musique baroque a orienté sa façon de chanter des œuvres plus tardives, eu égard à la rigueur et au souci du détail qui sont l'apanage de ce type de répertoire.  Christophe Rousset et ses musiciens des Talens Lyriques ont, eux aussi, migré vers des contrées auxquelles ils n'étaient pas habitués.  Avec bonheur, car ces exécutions, énergiques mais souples, sont frappées là encore au coin de la rigueur et de la juste intonation, voire mêmes décapées des habitudes ailleurs bien ancrées.

 

 

 

Robert SCHUMANN : « Geistervariationen ».  Papillons op. 2.  Sonate pour piano op. 11.  Scènes d'enfants op. 15.  Fantaisie op. 17.  Scènes de la forêt op. 82.  Thème et Variations (« Geistervariationen ») 1854.  András Schiff, piano.  2 CDs EMC New Series : 2122/23.  TT : 64'25 + 74'11.      

Admiré dans les pays germaniques, adulé au Royaume-Uni, András Schiff n'est pas reconnu à sa juste valeur ici.  Ses Schubert, naguère, ne remplirent pas les salles parisiennes.  Pourtant, voilà un excellent musicien qui joue avec bonheur aussi bien les classiques viennois que les romantiques.  Après Schubert, Mozart (son interprétation des concertos pour piano avec Sandor Vegh est passionnante), Beethoven, le voici se confrontant à Schumann.  L'espace de deux disques, il livre les pièces essentielles du compositeur.  Les douze courtes pièces titrées Papillons, au style discursif, se succèdent sans ordre apparent autre que celui de la fantaisie.  On y décèle une abondance de mouvements de valse et autres danses, aux contrastes abrupts, et déjà cette manière d'opposer deux personnages, Vult et Walt, qui courtisent la même jeune personne et qui vont, lors d'un bal masqué, échanger leurs masques.  La Sonate op. 11, dédiée à Clara en 1836, est comme une déclaration d'amour, ces amours alors contrariés par Wieck père.  L'affirmation de la richesse de la manière du jeune Schumann se livre à chaque pas des quatre mouvements qui alternent grandeur épique et lyrisme enflammé.  Des Scènes d'enfants op. 15, série de courtes pièces mettant l'enfance au centre de l'inspiration, il n'est pas aisé d'extraire la substance, les contrastes, le pianisme achevé.  Schiff y parvient de main de maître.  « Rêverie », point névralgique de l'ensemble, n'a rien de sentimental.  Schumann a dédié sa Fantaisie op. 17 à Liszt (1836).  Est-ce une sonate ?  Schiff estime que, tout comme Beethoven dans sa Sonate op. 27, il s'agit d'une « fantaisie quasi una sonata ».  Là aussi les climats sont contrastés.  Le monde fantastique de la première séquence enthousiasme.  « La chose la plus passionnée que j'ai jamais écrite » dira l'auteur.  Quel élan passionné en effet !  La marche triomphale de la deuxième requiert une énergie à toute épreuve et « Constellation » termine en apothéose cet ultime mouvement lent placé en troisième position.  Schiff joue un finale découvert dans la bibliothèque de Budapest, de même que le finale habituel.  Les neuf parties qui constituent les Scènes de la forêt op. 82 nous plongent au cœur même de cet univers, lieu choisi de l'imagination romantique.  Au-delà de l'aspect narratif, c'est l'émotion du voyageur qui est mise en exergue.  Le déclamatoire y alterne avec le poétique raffiné.  Schiff termine ce récital compréhensif par Thème et Variations.  Cette pièce (1854) est la dernière que Schumann ait confiée au piano.  L'écriture en a été interrompue par sa tentative de suicide dans les eaux du Rhin.  Il est alors traversé de pensées étranges.  Pourtant, le thème est simple et doux et les cinq variations le développent et l'amplifient tout aussi gentiment.  La manière du pianiste hongrois, pas si éloignée de celle d'un Pollini dans le geste déclamatoire, fait la part belle à l'improvisation.  Il ne cherche pas à accentuer la différence entre lyrisme et drame, ce couple Florestan & Eusebius.  L'énergie est intériorisée.  On admire l'art de la fantaisie romantique qui dépasse le classicisme parce qu'il lui intègre un grain de folie.  Belle prise de son d'un instrument qui semble ne pas être un Steinway mais plutôt un Bechstein.

 

 

 

Franz LISZT : Concertos pour piano & orchestre n°1 en mib majeur et n°2 en la majeur.  Consolation n°3.  Valse oubliée n°1.  Daniel Barenboim, piano.  Staatskapelle Berlin, dir. Pierre Boulez.  Universal/DG : 477 9521. TT : 49'52.

Voilà un CD improbable il y a seulement quelques années !  La réunion du pianiste chef d'orchestre et du chef d'orchestre compositeur dans Liszt tient presque de la gageure.  Et pourtant cela fonctionne bien.  La sobriété de la direction de Boulez et l'expressivité du pianisme de Barenboim font bon ménage.  Alors même que ce dernier joue avec son propre orchestre berlinois dont il aime confier les rennes à son ami Boulez le temps d'événements particuliers.  Celui-ci en est assurément un.  Ce qui est ardu dans ces deux pièces rabâchées, c'est d'en donner une lecture renouvelée, du moins qui ne soit pas purement démonstrative.  Leur éclat souvent grisant, leur usage immodéré du chromatisme, leur singularité qui les rapprochent plus de la rhapsodie pour piano & orchestre que du formel concerto de clavier, plaident paradoxalement en faveur d'une approche faite d'humilité.  Le Deuxième Concerto, qui ouvre le feu, mène, à l'intérieur de ses six séquences enchaînées, de la panique au lyrisme effréné, de moments de vitalité extrême à un calme presque olympien.  Ainsi de l'allegro moderato, paré du solo de violoncelle où tout chante de manière indicible.  Non que les contrastes ne soient pas abrupts, du deciso au marziale, de l'animato au stretto final, sorte de danse d'une nuit de sabbat, en passant par une fière cadence.  Barenboim le joue avec l'aplomb qui sied, mais aussi la poésie qui y est inscrite au cœur même.  De la virtuosité, il dit qu'« il ne s'agit pas seulement du contrôle du tempo et de la dynamique, mais de millions de couleurs dont on peut créer l'illusion au piano ».  Cela est tout aussi vrai du Premier Concerto fort imbibé de strates innovantes, bien que là encore éloigné des modèles classiques, de Chopin en particulier.  Le déclamatoire quasi opératique du maestoso laisse place au cantabile du quasi adagio.  Barenboim évite tout épanchement vain.  Et la direction objective, mais pas sèche, de Boulez aide beaucoup à instaurer cet équilibre frôlant l'idéal.  L'allegretto vivace, sorte de scherzo, a été raillé par les contemporains de Liszt comme un « concerto pour triangle », eu égard à la partie avantageuse confiée à cet instrument.  Avec la complicité de Boulez, Barenboim y gambade gaiement à la main droite dans le registre aigu du clavier.  Le Marziale, qui allie lyrisme farouche et rythmique implacable, conduit au thème libérateur couronnant une pièce bien attachante.  En bis, puisqu'il s'agit d'une captation live au festival de la Ruhr Triennale, Barenboim joue la troisième Consolation, marquée par un lyrisme extatique, ppp, sur un ondoiement de la main gauche, tout à fait dans le prolongement de l'adagio du Premier Concerto, et la Valse oubliée n°1, un fantôme de valse qui s'en va comme un souffle.

 

 

 

Piotr Ilitch TCHAIKOVSKY : Intégrale des œuvres pour violon & piano : Sérénade mélancolique op. 26. Valse-scherzo op. 34. Souvenir d'un lieu cher op. 42.  Humoresque op. 10, n°2.  Andante funebre e doloroso ma con moto op. 30.  Oh ! Chante encore ! op. 16.  Sasha Rozhdestvensky (violon), Josiane Marfurt (piano).  Delos : DE 3413.  TT : 53’30.

Le grand maître de l'orchestre romantique qu'est Tchaïkovski, ou la quintessence de l'âme russe, souvent proche de l'émotionnel, s'est peu livré dans le répertoire chambriste.  Mais les quelques œuvres qu'il dédie au genre restent représentatives de son art.  Il manie, là aussi, cette harmonie particulière et la faconde mélodique qui le caractérisent.  Ce disque les rassemble toutes.  La Sérénade mélancolique (1875), plus connue dans sa version pour orchestre, déroule une ample et douce mélodie, nimbée de tragique avec des traits insistants.  La Valse-scherzo (1877), au rythme sautillant avec ses coups d'archets rageurs, offre une section centrale plus mélancolique là aussi, débouchant sur une belle cadence.  Une brillante conclusion couronne le retour au joyeux premier thème.  Humoresque (1876) est une danse populaire où l’on entend presque un orchestre complet.  Andante funebre e doloroso, de la même année, tiré du 3^e Quatuor, offre ce thème tragique insistant suggérant une procession funèbre, évocation d'un chant orthodoxe aussi.  Et « Oh ! Chante encore ! », courte pièce découverte par Sasha Rozhdestvensky à la BnF, est écrite dans le ton d'une mélodie rêverie.  La pièce la plus importante demeure sans doute Souvenir d'un lieu cher (1878), écrit dans la belle propriété ukrainienne de la baronne von Meck, bienfaitrice du musicien.  Ses trois mouvements livrent tour à tour une douce plainte méditative évoluant vers un climat passionné (« Méditation »), un Scherzo délicatement rythmé avec son trio expansif dans une belle coulée violonistique, et une dernière séquence, célèbre pour constituer un fameux morceau de concert, d'un mélodieux foncièrement tchaïkovskien (« Mélodie »).  C'est là la musique russe dans ce qu'elle a de directement conquérant. Sasha Rozhdestvensky, fils du grand chef d'orchestre Guennady Rozhdestvensky, montre une sure technique, jadis louée par Yehudi Menuhin, une sonorité pleine mais aussi épurée, à l'aise dans cet idiome qui est le sien.  Il est magnifiquement soutenu par la pianiste suisse Josiane Marfurt.

 

 

 

Manuel de FALLA : Cuatro piezas españolas.  Fantasia bætica.  Homenaje « Le Tombeau de Claude Debussy ».  Pour le Tombeau de Paul Dukas.  Nuits dans les jardins d'Espagne.  Canción.  Nocturno.  Mazurka.  Sereneda andaluza.  Javier Perianes, piano.  BBC Symphony Orchestra, dir. Josep Pons.  Harmonia Mundi : HMC 902099.  TT : 79'77.

À partir de la fameuse trilogie « Nuits dans les jardins d'Espagne » le pianiste Javier Perianes construit un CD fort complet du piano de Manuel de Falla.  Ainsi de toutes ces petites pièces composées les années 1888 à 1899, telle Canción, qui fait irrésistiblement penser, dans ses premières mesures, au Satie des Gymnopédies, fantaisie ibérique en plus, Nocturno aux belles arabesques à la main droite avec une pointe de mélancolie élégiaque, ou Mazurka livrant une fine articulation sans emphase.  La Sérénade andalouse est une amusante stylisation d'un folklore où le mystérieux va s'animant avec de belles transparences arpégées.  Les Quatre pièces espagnoles, des années 1906/1908, dédiées à Ricardo Viñes, font figure de synthèse de la danse populaire espagnole et de la technique impressionniste acquise à Paris auprès de Debussy et de Dukas.  Cette dernière influence illumine en particulier la troisième pièce.  L'hommage, posthume (1935), à l'auteur d’Ariane et Barbe-Bleue on le trouve dans Le Tombeau de Dukas.  Et « Le Tombeau de Debussy » (1920) reprend de fugaces citations du musicien français, comme idéalisées à travers le prisme de l'admiration.  Celle qui fit dire à de Falla lors d'un discours à Madrid, peu après la disparition du musicien français, «  Pensons avec une légitime fierté qu'il fut un Latin, l'un des nôtres, de cette grande lignée immortelle et invincible ! ».  La Fantaisie bétique, commande d’Arthur Rubinstein qui la créera en 1920, évoque la guitare flamenca en une danse enflammée.  C'est une œuvre charnière entre la période des Nuits et l'étape suivante des Tréteaux de Maître Pierre.  Il y a là tension et âpreté requérant une technique  exigeante : glissandi, accords heurtés, fréquents changements de tempos.  La trilogie Nuits dans les jardins d'Espagne connut une longue gestation : bien que créée en 1916, les premières esquisses remontent à 1909.  Ces « impressions symphoniques pour piano et orchestre » sont une succession de vignettes évocatrices, construisant une vraie dramaturgie sonore : de l'atmosphère mystérieuse, modulant de « En el generalife » avec ses grands crescendos romantiques qui font penser à Rachmaninov, au pseudo scherzo de « Danza lejana », aux vapeurs enivrantes, à ces « Jardines de la sierra de Cordoba » enfin, où sourdent quelques accents plus sombres privilégiant le registre grave du piano.  On y découvre une certaine parenté avec l'univers de Dukas.  Javier Perianes, qui dit être retourné aux sources du manuscrit, en livre une exécution parfumée et classique dans son ordonnancement.  Ailleurs, il est tout simplement captivant.

 

 

 

« Reflets ».  Maurice RAVEL : Concerto en sol pour piano & orchestre.  La Valse, poème chorégraphique.  À la manière de... Borodine.  À la manière de... Chabrier.  George GERSHWIN : Trois préludes.  Igor STRAVINSKY : 2 Études op. 7.  Gabriel FAURÉ : Premier Nocturne op. 33 n°1 en mib.  Quatrième Nocturne op. 36 en mib.  Roger Muraro, piano.  Orchestre philharmonique de Radio France, dir. Myung Whun Chung.  Universal/DG : 476 4669.  TT : 58'51.

Excellente idée de mettre en perspective le Concerto en sol de Ravel avec les compositeurs dont il s'inspira plus ou moins consciemment.  Ce qui permet en outre de porter sur celui-ci un regard neuf.  La façon de décliner le rythme, on la trouve chez Gershwin et ses Préludes, fort jazzy, comme dans les deux Études de Stravinsky, quoique à un moindre degré de sophistication, une manière somme toute plus classique.  Le côté  hyper virtuose des premier et troisième mouvements, il faut le rechercher chez Ravel lui-même et sa Valse, réinventée, idéalisée d'abord, puis désarticulée en forme de machine infernale qui semble au fil de ses métamorphoses ne pas connaître de  limites.  On pense aussi au Boléro.  Le lyrisme qui s'épanche dans le deuxième  mouvement en particulier, on peut le déceler chez Fauré peut-être et ses Nocturnes op. 33 et 36, quoique la parenté soit plus ténue ici.  Mais la juxtaposition est intéressante et heureuse.  Quant aux autres pièces de Ravel, les deux « À la manière de... » sont piquants.  De ces pièces, Roger Muraro donne des lectures dépourvues d'emphase.  Sa longue fréquentation de Messiaen lui fait insister sur la modernité de Ravel et cette virtuosité objective.  Il en va aussi du Concerto en sol : rythmique incisive à l'allegramente initial, pris très rapide, quasi presto à la récapitulation.  La phrase élégiaque solo qui ouvre l'adagio assai est finement pensée, long prélude à l'entrée de l'orchestre par cette arabesque inouïe de la flûte que relaient le hautbois puis la clarinette ; moment magique s'il en est.  Le presto conclusif est là encore dans un prestissime élan, sorte de marche des petits soldats de plomb, mais aussi combien aérienne jusqu'à l'ultime trait endiablé.  On admire encore une fois la mirifique orchestration ravélienne, magnifiée par Myung Whun Chung et son Philhar en belle forme,  et l'art de mettre en valeur le discours soliste.  Le pianisme de Muraro est habité, les arêtes vives, les couleurs franches, onirique mais lucide, rigoureux sans être rigide.  Une joie irrésistible nimbe cette interprétation  mesurée à l'aune des contemporains du maître de Montfort-l'Amaury. 

 

 

 

« Anna Netrebko live at the MET ».  Vincenzo BELLINI : I Puritani.  Serge PROKOFIEV : Guerre et Paix.  Wolfgang Amadeus MOZART : Don Giovanni.  Gaetano DONIZETTI : Don Pasquale, Lucia di Lammermoor.  Giuseppe VERDI : Rigoletto.  Charles GOUNOD : Roméo et Juliette.  Jacques OFFENBACH : Les Contes d'Hoffmann.  Giacomo PUCCINI : La Bohème.  Anna Netrebko (soprano).  Avec Juan Diego Flórez, Roberto Alagna, Piotr Beczala, Joseph Calleja (ténors).  Dmitri Hvorostovsky, Gerald Finley, Mariusz Kwiecien, Simone Alaimo (barytons).  Eric Halfvarson, Ildar Abrazakov (basses).  Ekaterina Semenchuk (mezzo).  The Met Opera Orchestra and Chorus, dir. James Levine, Plácido Domingo, Valery Gergiev, Sylvain Cambreling, Patrick Summers, Maurizio Benini, Marco Armiliato.  Universal/DG : 477 9903.  TT : 65'59.

Signe des temps : faute d'intégrales d'opéra, désormais de plus en plus réservées au DVD, les éditeurs se rabattent sur les CD compilations.  Heureusement, les airs y voisinent avec les scènes données dans leur quasi-intégralité, ce qui laisse une impression de vécu scénique.  Autre signe du moment, le culte de la vedette.  Bien que pas nouveau, le phénomène se développe.  Anna Netrebko est l'une de ces stars assoluta dont le succès commercial est assuré au disque.  Mais ne boudons pas le plaisir de l'entendre au mieux d'elle même dans des incarnations saisies sur le vif sur une scène dont elle est désormais l'une des têtes d'affiche, le MET de New York !  Depuis ses débuts en 2002, elle y déjà incarné neuf rôles.  Il n'y manque que sa Traviata.  Et on attend ses futures Anne de Boleyn et Manon de Massenet.  Elle est entourée de casts étudiés, version stars là aussi, même si les ténors ne sont pas toujours au mieux de leur forme (un Alagna trop étudié en Roméo, un Calleja piètre Hoffmann).  À part ces menues réserves, que de beautés vocales ! Le bel canto d'abord, avec Les Puritains (2007) où l’on admire la pureté de la ligne de chant et une déchirante Lucia (2009) dont l'air de la folie dépasse de loin le tour de force.  Elle y usera même d'une voix détimbrée pour renforcer l'effet poignant.  Et lorsque la colorature se mesure à la tendre flûte, s'allégeant comme immatérielle, on est bien près du bonheur total.  Dans ces pages de pure vocalité, elle distille la phrase avec cette infinie douceur qui fait éclore l'émotion.  Le cœur russe ensuite avec cette douce Natacha de Guerre et Paix dont Gergiev livre l’une des pages essentielles.  Le répertoire central encore : une Adina de Don Pasquale légèrement plus large que nature (avec Flórez !), une Gilda de Rigoletto, saisie lors de la scène de l'orage du dernier acte, d'un dramatisme certain, une Mimi comme on en rêve, prise là encore dans une scène cruciale, le finale de l'acte III, comme lors du duo extatique concluant l'acte I, enflammé s'il en est.  La voix puccinienne par excellence.  L'opéra français enfin, dont elle tend à se faire une spécialité, à juste raison.  Sa Juliette (avec Alagna, et dirigée par Plácido Domingo !) montre un sens du drame peu commun, d'abord dans le duo « Nuit d'hyménée », paré d'un registre grave qui confère à ce moment une charge émotionnelle intense.  Elle s'y montre même plus à l'aise que son illustre partenaire français.  L'air du poison « Amour, ranime mon courage » est tout aussi incandescent, se mouvant idéalement dans le lyrisme échevelé de Berlioz.  Elle fait sien l'idiome gallique comme une seconde nature et s'y montre glorieuse.  L'air d'Antonia des Contes d'Hoffmann, « C'est une chanson d'amour », est tout autant le fruit d'une empathie réelle avec un personnage pourtant moins avantagé.  Netrebko s'engage à fond dans chaque rôle abordé.  Son grand soprano adorné de couleurs sombres y est souverain.  Le travail sur la diction et les intonations, dans la langue de Molière notamment, est une leçon de style.  À déguster pour ceux qui aiment être emportés par le très beau chant.

 

 

 

Jean Sébastien BACH : « Préludes et autres fantaisies ».  Pièces extraites des Suites. Violaine Cochard, clavecin.  AgOgique : AGO 002.  TT : 62'22.

Un nouveau label voit le jour qui se proclame principalement tourné vers la musique baroque et ancienne.  Il faut saluer cette initiative en ces temps de vaches maigres.  La claveciniste Violaine Cochard a voulu, à l'image du concert, mélanger pièces célèbres et plus confidentielles, et faire ressortir ainsi divers affects et atmosphères.  Elle a surtout voulu décrire sa passion d'interprète, un vrai coup de foudre, pour un instrument particulier, un clavecin de Johannes Daniel Dulcken, construit autour de 1740 à Anvers, et restauré avec amour par le facteur et restaurateur de clavecins Laurent Soumagnac.  Les pages qu'elle égrène ont été choisies « avec le cœur », privilégiant les contrastes. À partir de quatre Préludes, vont alterner divers types de compositions, Toccata, Sinfonia, Fantaisie, mais aussi gigue, fugue et sarabande, extraites de leurs Suites d'origine. Et donc des climats sonores différents illustrant les nombreuses possibilités expressives imaginées par Bach.  De même que seront mises en valeur les qualités de l'instrument, révélant la génialité de son écriture.  Ainsi de la Fantaisie BWV 922, éblouissante dans son foisonnement sonore, ses divers jeux très contrastés, de la courte Fughetta BWV 902, quasi déclamatoire, ou de la Gigue BWV 825 et son contre-chant.  Mais aussi le Capriccio BWV 826, d'humeur avenante dans son rythme régulièrement balancé. Ou encore la Sarabande BWV 826, évoluant telle une élégie.  L'instrument « alliant brillance et raffinement, puissance et intériorité » selon l'interprète, offre une sonorité pleine, aux riches harmoniques dans le grave, pas rocailleux ni métallique.  On en admire la clarté cristalline, alors que saisi dans une acoustique flatteuse.  L'interprétation de Violaine Cochard est toute de plénitude sonore.  La riche iconographie du livret, qui donne un bel aperçu de la belle décoration du clavecin de Dulcken, fait de ce produit plus qu'un disque.

 

 

 

Jean-Sébastien BACH : Variations Goldberg BWV 988.  Blandine Rannou, clavecin. 2 CDs Zig-Zag Territoires : 111001.  TT : 44'42 + 45'01.

Les pièces de clavecin de Jean-Sébastien Bach fascinent les interprètes, mais aussi  ceux qui les écoutent.  Après les Suites françaises, les Suites anglaises et autres Toccatas, Blandine Rannou s'attèle aux Variations Goldberg. Dernier volet du Klavierübung, elles furent écrites durant les années passées à Coethen, si riches d'exubérantes compositions, et dédiées à son épouse Anna-Magdalena, dans ses fameux « Cahiers ».  Avec cette aria et ses 32 variations, Bach explore toutes les possibilités du clavecin.  Car le thème, une sorte de sarabande dans le style français au demeurant, va subir des métamorphoses à l'infini, au point qu'il est souvent ardu d'y retrouver, ne serait-ce qu'une ombre de sa  physionomie d'origine.  Et pourtant, tout répond ici à une architecture rigoureuse.  Varier, c'est inventer pour renouveler sans cesse.  Bach le fait avec une imagination inouïe, dans une technique proche de la chaconne et de la passacaille.  Pour cela il diversifie les mouvements, le dessin mélodique, la registration (un ou deux claviers), les combinaisons.  Le contrepoint lui permet de travailler le poids du son.  Les couleurs aussi.  Les divers cycles de variations, par trois, s'achèvent par un canon, lui-même de diverses natures.  Ce n'est cependant pas un cahier d'exercices.  Si démonstration technique et stylistique il y a, elle est transcendée, offrant l'apparence de l'évidence mélodique et harmonique.  Car est manifeste ici « le mélange de la plus stricte logique avec une souveraine liberté d'expression » dira Edmond Buchet.  Quelques traces d'humour se font jour, cette  sorte de plaisanterie musicale appelée à l'époque « quolibet » (variations 14 et 30).  La rectitude de ton dont fait montre Blandine Rannou n'a d'égale que la clarté de son jeu, même dans les passages prestes (variations 26 ou 29 par exemple).  La régularité de chaque tempo, l'équilibre des phrases, souvent simultanées, le façonnement des ornements, l'opposition des timbres sont ménagés avec goût.  Cette exécution dépasse tout fastidieux.  Encore qu'il ne faille sans doute pas l'appréhender d'une seule traite si l'on en veut savourer les trésors cachés.  L'instrument joué est bien sonore, doté d'un beau registre grave et d'une résonance non métallique.  Il s'agit d'une copie, réalisée en 1988, d'un clavecin de Hemsch, célèbre facteur français du XVIII^e, lui-même « ravalement » d'un instrument flamand de Ruckers.

 

 

 

Jean-Sébastien BACH : Concertos pour clavier BWV 1052, 1054, 1056, 1058.  Concertos pour quatre claviers BWV 1065.  Concerto BWV 974, d'après le Concerto pour hautbois d’Alessandro Marcello.  Alexandre Tharaud, piano.  Les Violons du Roy, dir. Bernard Labadie.  Virgin Classics : 50999 087109 2.  TT : 74'46.

Les Concertos pour clavier de Bach sont, pour la plupart, des adaptations d'œuvres antérieures écrites pour d'autres instruments. Ainsi en est-il des Concertos BWV 1054 et 1058, transcriptions des Concertos de violon BWV 1042 et BWV 1041.  Satisfaisant en cela à une coutume répandue à l'époque, le Cantor devait les produire pour le Collegium Musicum de Coethen dont il était le directeur, le chef d'orchestre et l'interprète au clavecin.  Les concerts se donnaient au célèbre Café Zimmermann.  Alexandre Tharaud aime prendre des risques et mixer modernité et tradition, en l'occurrence jouer la partie de clavier sur un piano, un Yamaha des années 1980, associé à un ensemble de cordes d'instruments modernes utilisant l'archet baroque.  Le résultat est saisissant, comme il en fut naguère des pièces de Rameau qu'il livra au piano.  Le Concerto BWV 1052 débute très vif et offre un déroulé d'une exceptionnelle fluidité, notes piquées, traits en rafales, en une sorte de mouvement perpétuel qu'embellit un étonnant diminuendo en fin de séquence.  De même, la rythmique sera implacable au finale.  Au milieu, tout en contraste, l'adagio offre une aria recueillie, douloureuse presque.  Le Concerto BWV 1054 se pare pareillement de traits vigoureux et de savoureuses fioritures.  Tharaud en vient, dans une optique résolument chambriste, à intégrer le piano dans le discours des cordes lorsqu'il ne joue pas sa partie en parallèle.  L'influence italienne du Concerto BWV 1056 se signale à son adagio, à la suave mélodie, qu'entourent deux mouvements enjoués.  La pièce BWV 1058, sur la coupe d'un concerto à l'italienne, est d'une souple énergie (premier mouvement), pathétique (andante), et volubile au finale dans son schéma de gigue.  Tharaud s'offre le luxe de jouer les parties des quatre claviers du Concerto BWV 1065, grâce à la technique du re-recording.  C'est là une transcription du Concerto n°10 de l'Estro Armonico de Vivaldi.  Une rareté encore que le morceau BWV 974, d'après l'adagio d'un Concerto pour hautbois d'Alessandro Marcello, dans l'arrangement réalisé par le pianiste et le chef : une réflexion sereine.  De l'expérimental à l'inspiré, jouant moderne tout en assimilant les recherches sur les interprétations historiques, Alexandre Tharaud déploie un jeu bariolé, non exempt d'une dose d'humour dans les roulades qui surgissent au milieu d'un texte réputé pour sa rigueur métronomique.  Faut-il s'en offusquer ?  Non, bien sûr, dès lors qu'est respecté l'esprit.  On admire la belle complicité entre le pianiste, l'orchestre d'une quinzaine de cordes, et le chef canadien Bernard Labadie, à l'écoute des idées interprétatives originales de son confrère français. 

 

 

 

Georg Friedrich HAENDEL : Agrippina.  Opéra en trois actes. Alexandrina Pendatchanska, Jennifer Riveira, Sunhae Im, Bejun Metha, Marcos Fink, Neal Davies, Dominique Visse, Daniel Schmutzhard.  Akademie für Alte Musik Berlin, dir. René Jacobs.  3 CDs + 1 DVD Harmonia Mundi : 902088.90.  TT : 61'13 + 74'38 + 67'15.

On n'avait pas connu d'enregistrement majeur de l'Agrippina de Haendel depuis celui remarqué de John Eliot Gardiner (Philips).  René Jacobs opte pour la version d'origine, sans les remaniements et coupures opérés par Haendel lui-même pour la création vénitienne de l'ouvrage au théâtre Malibran.  C'est une œuvre de jeunesse qui concilie « extrême actualité politique et pertinence dramatique » dit le chef, qui loue encore un des meilleurs livrets que le Saxon ait eu à disposition.  Quoique l'auteur en soit plus ou moins connu.  Le plus plausible étant le cardinal Benedetto Pamphili.  L'originalité de la composition se retrouve aussi bien dans l'accompagnement et le traitement des instruments solistes que dans la structure même de l'œuvre.  Les récitatifs y sont développés et les arias relativement courtes.  On y trouve aussi des scènes à plusieurs personnages, dont un trio et même un petit chœur.  Haendel a recours à la « parodie » ou recyclage d'airs empruntés à des compositions préexistantes.  Ce qui laisse aux exégètes le plaisir de se livrer à des hypothèses et autres déductions quant au choix de tel texte ou au pourquoi de son utilisation.  Dans cet « opéra métaphorique », les personnages sont des « allégories théâtrales » (ibid.) qui vont mettre en scène un psychodrame : Poppée recherche la vérité, Othon, pour la séduire, traverse des épreuves, Néron, chantre de la volupté, étale sa perversité, Agrippine est la détermination machiavélique même, Claude entrevoit sa propre décadence, et le duo comique Narcisse-Pallante a pour fonction de décrisper l'atmosphère.  Le lieto fine est péniblement atteint après quelques explications confuses.  L'interprétation vaut d'abord pour la direction de René Jacobs, d'une extrême fluidité, aux sonorités somptueuses.  Le discours dramatique est vivant, en particulier lors des passages de transition du récitatif à l'air ou à l'ensemble vocal.  Se signalent aussi le souci de l'instrumentation et la vivacité du continuo.  Les tempos sont incisifs, jamais pondéreux, et la rythmique marquée sans être heurtée, avec des changements brusques de tempo à la fin de l'air, à la ritournelle.  On éprouve le frisson lors des airs, qu'il s'agisse des grandes interventions du rôle-titre, chefs-d'œuvre d'hypocrisie selon Jacobs, ou des arias « di furore » de Néron, par exemple, au III^e acte, de schéma tripartite, avec son introduction et son finale agités que sépare une section élégiaque.  Les voix réunies sont de jeunes représentants de l'interprétation haendélienne du moment.  Si l'Agrippina d’Alexandrina Pendatchanska n'est pas toujours immaculée dans les vocalises, au demeurant très acrobatiques à mesure que progresse l'action, la Poppea de Sunhae Im est séduisante, toute de jeunesse frémissante.  Un personnage finalement bien différent de celui imaginé par Monteverdi.  Les messieurs sont un cran au-dessus : Bejun Metha, grandiose Ottone, offre une voix de contre-ténor accomplie et un moelleux remarquable.  Marcos Fink, Claudio, livre des descentes impressionnantes dans le grave et le vétéran Dominique Visse, peut-être moins histrion que d'habitude, montre encore qu'il sait être sarcastique et remarquablement expressif.  Intéressante mise en scène sonore, avec une fine atmosphère théâtrale et une chaleur sonore indéniable.

 

 

 

« Duetti ».  Duos da camera & cantates.  Giovanni BONONCINI : « Pietoso nume arcier » & « Chi d'amor tra le catene ». Francesco MANCINI : « Quanto mai saria piú bello ». Francesco Bartolomeo CONTI : « Quando veggo un'usignolo ».  Nicola PORPORA : « Ecco che il primo albore ».  Benedetto MARCELLO : « Chiaro e limpido fonte » & « Tirsi e Filene ».  Alessandro SCARLATTI : « Amore e Virtú ».  Philippe Jaroussky, Max Emanuel Cenčić, contre-ténors.  Les Arts Florissants, dir. William Christie.  Virgin Classics : 509990 7094323.  TT. : 74'21.

On se souvient de la rencontre providentielle dans Il Sant' Alessio, parmi une cohorte de huit contre-ténors, des deux phénomènes que sont Philippe Jaroussky et Max Emanuel Cenčić. Les voici de nouveau réunis dans un florilège de « duetti » baroques.  Une anthologie de voluptés vocales.  Plus, de musique pure, grâce à la contribution essentielle de William Christie.  Le « duetto da camera », composé de deux duos dont le second est plus rapide pour contraster, enserrant un récitatif et des passages solistes, a fait florès au siècle de Vivaldi et consorts. Proche de l'aria da capo, avec accompagnement de type continuo.  C'est Bononcini qui en fut le chantre, maniant une écriture fort sophistiquée épousant la poétique de textes simples mais évocateurs, et ce style syncopé dans le duo conclusif qui faisait se pâmer les foules dans les salons.  Les cantates en duos de soprani ne sont pas différentes, si ce n'est qu'elles prévoient toujours un accompagnement d'instruments variés, ici deux violons, là un hautbois.  Ses représentants sont Conti qui, dans le chant du rossignol, contraste élévation et désespoir, enjoué et mélancolique, et Marcello, le plus prolifique des compositeurs de duos de son époque (pas moins de 82 !).  Sa manière est de développer plus.  Ainsi, outre le récitatif et l'air attribués à chacun des deux protagonistes, il ménage deux duos les réunissant.  Dans la cantate « Chiaro e limpido fonte », on remarque une extrême variété de climats.  Surtout, les entrelacs des deux violons et des voix porte la symbiose à un haut degré de perfection.  Il y a là un mélange de simplicité apparente et de sophistication sous-jacente dans le chant  élégiaque évoquant la souffrance partagée.  Le disque contient encore deux cantates pour voix seule, de Mancini, avec coupe en deux airs qu'interrompt un récitatif bucolique ; de Porpora aussi, qui offre une vaste pièce introduite par une sinfonia : la manière y est virtuose, car l'écriture est difficile, portant d'audacieux traits, rapides notamment.  Le programme s'achève par une joyeuse cantate a due de Scarlatti « Amor e virtú » où l'alternance des deux voix de même tessiture, tantôt en parallèle, tantôt se complétant l'une et l'autre, est pur bonheur.  C'est que nos deux contreténors rivalisent de somptuosité vocale, proprement  miraculeuse : Jaroussky, le sopraniste à la voix d'ange, Cenčić, au timbre légèrement plus grave et moiré.  La complémentarité est fascinante : le chant en contrepoint, les unissons magiques de douceur, les vocalises délicatement souples, où chacun des chanteurs fait preuve d'imagination pour renouveler l'intérêt.  William Christie et une poignée de musiciens de ses Arts Florissants, proposent le plus ciselé des soutiens et cette authenticité qui confèrent une étrange séduction à ces pages qu'il qualifie de « subtiles, méconnues et disons-le, prodigieusement baroques ! »  Indispensable !

 

 

 

Franz LISZT : Années de Pèlerinage.  Première année : Suisse.  Deuxième année : Italie. Troisième année.  Bertrand Chamayou, piano.  3 CDs Naïve : V 5260.  TT : 44'52 + 60'58 + 44'28.

Voilà l’occasion idéale d'écouter les Années de Pèlerinage de Liszt dans leur intégralité, en particulier la troisième, si peu jouée, « Les Jeux d'eau de la Villa d'Este » exceptés.   La genèse de ce cycle a été longue.  L'idée de Liszt était le « renouvellement de la musique par son alliance plus intime avec la poésie », l'union proche des harmonies à la Weltlitteratur (littérature universelle).  Liszt convoque aussi bien Schiller que Dante, Goethe que Byron, Pétrarque que Hugo.  Il s'attache aussi aux correspondances avec les Beaux-Arts : toutes les impressions ressenties à la contemplation des toiles de Raphaël, Doré, Delacroix ou Ingres, sont là.  Aussi les Années de Pèlerinage sont-elles plus que de la musique de piano, mais bien une œuvre d'art total, magnifiant une pensée universelle.  Bertrand Chamayou d'ajouter : « Au-delà de l'image réductrice du virtuose démoniaque, Liszt est avant tout pour moi le personnage aux multiples visages, infatigable chercheur, voyageur, lecteur, curieux de tout et généreux ».  Autant la première fournée, Suisse (1835-1838), évoque la nature et ses multiples paysages, telle la grandiose « Chapelle de Guillaume Tell » ou l'ondoiement de « Au lac de Wallenstadt », mais aussi de délicieuses miniatures (« Pastorale », « Églogue », le cycle Italie (1838-1861) marque le triomphe de la culture et des évocations poétiques.  « Le beau m'apparaissait sous ses formes les plus pures et les plus sublimes » (lettre à Berlioz).  De la Troisième Année, qui prolonge les impressions italiennes, Chamayou dit qu'elle « nous emmène dans les contrées retranchées de la dernière manière de Liszt » marquée par d' « étranges recherches harmoniques », et un « mélange de noirceur désespérée et de pureté céleste ».  Non que le compositeur renonce aux torrents sonores.  Ainsi  « Angelus ! » est certes, une prière céleste, mais avant que ne sonne à toute volée lesdites cloches, derniers feux des arpèges tonitruants dont Liszt a le secret.  « Sunt lachrymæ », pièce écrite sur le mode hongrois, fait figure d'hommage appuyé, et d'une poigne affirmée, aux indépendantistes tombés face à l'armée russe en 1849.  Les deux « Thrénodies »  d’« Aux cyprès de la Villa d'Este » préludent aux miroitements aquatiques des jeux d'eau de la même propriété romaine, eux-mêmes précurseurs des impressionnistes français avec sa sollicitation des notes extrêmement aiguës du clavier.

L'art de Bertrand Chamayou, qui se hisse sur la marche réservée aux plus grands, est fait de transparence (« Gondoliera »/Italie), de vigueur (« Orage »/Suisse), d'ampleur (les vagues de « Le mal du pays »/Suisse), de fluidité (« Sposalizio »/Italie, « Les jeux d'eau de la Villa d'Este »/3^e année). D'esprit aussi (« Canzonetta del Salvador Rosa »/Italie, « Tarantella »/Italie, aux sonorités de chanson napolitaine).  On est frappé par le sens de l'architecture (« Après une lecture de Dante »/Italie, qui libère une vraie dramaturgie avec ses séquences confinant tour à tour au déluge sonore ou à l'épure lyrique).  Il fait montre d'une musicalité sensible, se refusant à l'effet, même dans les traits les plus ébouriffants de la main droite, ou lors des grands climats impérieux marqués fff, qui restent d'une clarté exemplaire.  Car le discours est toujours nimbé de poésie.  La prise de son est claire et le Steinway, proche, bien restitué.

 

 

 

« Melancolia » : Spanish Arias & Songs.  Enrique GRANADOS : La maja dolorosa & El mirar de la maja.  Xavier MONTSALVATGE : Canción de cuna & Canto negro.  Joaquin NÍN Y  CASTELLANOS : El vito.  Heitor VILLA-LOBOS : Aria (Cantilena).  Joaquín TURINA : Cantares.  Gerónimo GIMÉNEZ : La tarántula.  Rafael CALLEJA GÓMEZ : Adiós Granada.  Manuel de FALLA : « Vivan los que rien » (extrait de La Vida breve).  Federico MORENO TORROBA : Petenera.  José SERRANO SIMEÓN : Marinela, Marinela.  Traditional : Ogundé uareré.  Nicolas BACRI : Melodías de la Melancolía.  Patricia Petibon, soprano.  Orquesta nacional de España, dir. Josep Pons.  Universal/DG : 477 9447.  TT. : 57'27.

« Je n'ai pas voulu imiter une identité espagnole, mais la ressentir sans travestir ce que je suis » annonce Patricia Petibon à propos de son nouveau CD.  Donc acte.  Mais il ne suffit pas d'aimer passionnément la musique de l'Espagne pour la faire sienne et la défendre.  Le thème en est un « voyage à travers les styles » et le fil rouge la mélancolie.  Un programme patchwork va réunir Montsalvatge, Granados, Villa-Lobos, Falla et des morceaux de zarzuélas.  De ces dernières, si attachantes de par leur veine mélodique simple, Petibon offre le passionné (« Cantares » de Turina), le mélisme flamenco (« Adiós Granada » de Rafael Calleja Gómez), le tube qu'est « Marinela, Marinela » de Simeón.  Mais « La tarántula » de Giménez la montre presque à contre-emploi.  Où est la souveraine distinction de Teresa Berganza ?  Comme dans les deux petites pièces de Montsalvatge, où elle se fait trop insistante sur les mots « grano de café » de Canción de cuna.  L'humour de la cantatrice madrilène est loin.  L'autre pièce Canto negro est presque parodique, plus espagnole que vraie.  Dans la scène de genre « El vito », de Nín, elle s'encanaille.  Et l'aria tirée des Bachianas Brasileiras favorise une mélancolie excessive dans l'introduction nuancée, et un style opératique déplacé à l'heure de la séquence centrale.  Où est ici la couleur diaphane d'une Victoria de los Angeles ?  L'air de Salud, extrait de La Vida breve, lui convient mieux, même s'il y a encore de l'excès dans l'expression de la tristesse, de la perte d'espoir.  Par contre, les deux extraits des Tonadillas de Granados lui permettent de tracer deux visages attachants de la maja ibérique.  Les « Melodías de la Melancolía », écrites spécialement pour elle par Nicolas Bacri (°1961), en langue espagnole, sur des poèmes du colombien Álvaro Escobar-Molina, proposent quatre chants d'une écriture serrée, concentré là encore d'abattement.  Le deuxième est une berceuse envoûtante, dans la pure tradition espagnole.  La troisième, un ostinato, sollicite le registre suraigu, un tic cher aux compositeurs contemporains !   Au final, un disque qui laisse sur une curieuse impression.  Non que la voix ne soit pas séduisante.  Elle l'est en soi.  Et la facilité d'expression est confondante, la musicalité aussi, comme les nuances.  Mais est-ce suffisant ?  La couleur locale exacte, on la trouve pourtant dans l'accompagnement orchestral de Josep Pons et les sonorités attirantes de la guitare ou des castagnettes.

 

Jean-Pierre Robert.

 

 

Madrigali : Fire & Roses.  Chœur de chambre « Con Anima », dir. Paul Mealor.  Divine Art (www.divineartrecords.com) : dda25094.  TT : 65’24.

Le célèbre chœur étasunien « Con Anima » a, cette fois, enregistré - outre de grands madrigaux de la Renaissance (signés Monteverdi, Gesualdo, Vincenzo Ruffo, Girolamo Scotto, Yvo Barry, Henricus Schaffen, John Ward, John Wilbye…) - des partitions plus contemporaines : Now sleeps the crimson petal de Gustav Holst (1874-1934) et Paul Mealor (°1975), Chanson éloignée & Six « Fire songs » on Italian Renaissance poems de Morten Lauridsen (°1943), So deep de James MacMillan (°1959).  Une mine d’idées pour tout chef de chœur…

 

 

 

Jean-Sébastien BACH : La chair et l’esprit.  Double coffret Alpha, incluant 6 CDs + livret relié de 200 pages, ill. couleurs (www.alpha-prod.com) : 889.  TT : 7h31’.

« Expérience hédoniste » - spiritualité & sensualité -, ce somptueux double coffret nous propose un portrait du compositeur mêlant musique, images et textes de musicologues (Gilles Cantagrel, François Lazarevitch) & d’interprètes (Céline Frisch, Pablo Valetti, Lucille Boulanger, Arnaud de Pasquale, Benjamin Alard, Bruno Cocset) – en français, anglais et allemand.   Sans viser à l’exhaustivité, cette publication n’en comporte pas moins plusieurs œuvres sous différentes formes (interprétatives ou instrumentales).  Coffret de six CDs : Cordes frottées / Cordes pincées & cordes frappées / Du clavecin à l’orgue / Grands effectifs profanes / Musique sacrée / « Open Bach » (instrumentarium revisité).  Incontournable !

 

 

 

Johann Sebastian BACH : Partitas n°1, 2, 3,  BWV 825, 826, 827.  Racha Arodaky, piano. Air Note (www.rachaarodaky.fr) : AIR003-2011. Distr. Codaex (www.codaex.com).  TT : 70’25.

Une révélation que cette jeune pianiste d’origine syrienne, disciple de Dominique Merlet puis de Murray Perahia ! Infinie délicatesse & ductilité des phrasés, équilibre des voix admirablement perlées (comme s’il s’agissait de pièces de Scarlatti, l’un de ses autres compositeurs de prédilection), sans trace de maniérisme cependant…  Outre ces Partitas, Racha Arodaky joue – en introduction, intermèdes & conclusion – les Largo BWV 973, Sarabande BWV 812, Arioso BWV 1056 et Suscepit Israel BWV 243.  

 

 

 

Franz SCHUBERT : Le Voyage d’hiver.  Stephan Genz (baryton), Michel Dalberto (piano). Livre/disque La Dogana (www.ladogana.ch) : L2N 007.  Distr. Les Belles Lettres.  Ouvrage relié (14,5 x 20,5 cm, 110 p.).   CD : 67’51.

Admirable publication réunissant, dans l’interprétation du grand baryton allemand Stephan Genz – digne héritier de D. Fischer-Dieskau – et du pianiste & chef d’orchestre français Michel Dalberto, l’un des ultimes chefs-d’œuvre de Schubert (D. 911), assorti d’un brillant essai de Jean Bollack, avec des notes de Paul-André Demierre.  Signalons que, dans cette même collection, sont déjà parus : Le Tombeau d’Anacréon (27 lieder d’Hugo Wolf), L’amour et la vie d’une femme (29 lieder de Robert Schumann), À tout jamais (15 lieder de Gustav Mahler).

 

 

 

Ludwig van BEETHOVEN : Sonates,  vol. 1. François-Frédéric Guy, piano.  « Printemps des Arts de Monte-Carlo », 3 CDs Zig-Zag Territoires (www.outhere-music.com) : 111101.

Enregistré en public à l’Arsenal de Metz, ce premier corpus de 11 Sonates de Beethoven (op. 10, 13, 14, 22, 26, 27) met l’accent sur la notable évolution des perceptions temporelles chez le maître de Bonn.   Bien que certains mouvements lents ne soient guère ici « habités ».

 

 

 

Antonín DVOŘÁK (1841-1904) : Danses slaves op. 46 n°1 & op. 72 n°2. 9^e Symphonie op. 95 « du Nouveau Monde ». Suite tchèque op. 39.  Bournemouth Symphony Orchestra, dir. José Serebrier. Warner Classics (www.warnerclassics.com) : 2564 66656.3. 

Né en 1938 à Montevideo, l’Uruguayen José Serebrier travailla longtemps auprès d’Aaron Copland.  Mais il est plus connu comme chef d’orchestre que comme compositeur.  Il dirige Dvořák sans clinquant, privilégiant une certaine… rusticité.  Rafraîchissant !

 

 

 

Danse macabre et autres diableries.  Jean-Philippe Biojout (baryton), Brigitte Antonelli (soprano).  Chœur Darius Milhaud & Orchestre symphonique du Campus d’Orsay, dir. Martin Barral.  Saphir (www.saphirproductions.net) : LVC 1172.  TT : 63’42.

Mais que ridicule est cette concrétisation d’un amusant propos !  Un baryton qui en fait des tonnes et un orchestre non moins pesant… Au programme : Danse macabre – parolée ! -  et Pas d’armes du roi Jean (Saint-Saëns), extraits de Faust (Gounod) et de sa Damnation (Berlioz), d’Hérodiade et de Manon (Massenet), des Contes d’Hoffmann (Offenbach).  Las(t) but not least : Les berceaux et Les roses d’Ispahan (Fauré)…

 

 

 

A French Songbook.   Dix titres.  Alzy Trio & friends.  Alzy (www.alzy.info) 

Fort sympathiquement swinguant est cet album, réunissant – jazz & bossa-nova - un trio de guitares acoustiques (Pascal Kober, Thierry Rampillon, Christian Sanchez) et quelques talentueux invités (les chanteuses Tamanga Bévis,  Elsy Fleriag et le batteur Jean-Pierre Jackson).  Superbes chansons françaises : Chanson de Maxence (M. Legrand), Cécile, ma fille (Cl. Nougaro), Les pas (Cl. Nougaro), Un été (Cl. Nougaro)  La javanaise (S. Gainsbourg), Chanson des jumelles (M. Legrand), Que reste-t-il de nos amours ? (Ch. Trenet), Les feuilles mortes (J. Kosma), Rimes (Cl. Nougaro), Tu verras (Cl. Nougaro).  En bonus track : Billie Jean (Michael Jackson).

 

 

 

Antonio PLACER (voix)  & Jean-Marie MACHADO (piano) : Republicalma.  S’ard Music : SARDCD 00018.  L’Autre Distribution (tél. : 02 47 50 79 79. autredistribution@wanadoo.fr).

Quel bonheur de découvrir des artistes de cette formidable trempe dans un domaine aussi déliquescent aujourd’hui !  Musicien, poète, auteur, compositeur, Antonio Placer, chanteur galicien exilé en France, a trouvé en le pianiste & compositeur Jean-Marie Machado le partenaire idéal, sachant créer une admirable symbiose entre jazz & chansons de tradition latine.  Titres originaux mais aussi grandes reprises (de Brassens, Aragon/Ferrat, Gardel, Castro/Capón…).  Paroles en français, espagnol ou anglais. Écouter : www.antonioplacer.com

 

 

Francis Gérimont.

 

 

POUR LES PLUS JEUNES

Jacques HAUROGNÉ : Doudou perdu.  Les fabulettes d’Anne Sylvestre.Victorie Music (www.club-tralalere.com) : 277 352-4.

Fort spirituelles interprétations de 14  Fabulettes d’Anne Sylvestre (paroles & musique), dans des arrangements de Thierry Garcia (guitares, basse, ukulélé, mandoline), entouré de Didier Guazzo (percussions) et d’Aldo Gilbert (flûte, sax).

 

 

 

Les 50 chansons préférées des enfants.  3 CDs « Éponymes / Jeunesse » (www.editions-eponymes.fr) : EPO 64. 

Il est fort à craindre que les destinataires de ce précieux coffret (« chansons sélectionnées par des maîtresses de Maternelle ») ne s’en voient cruellement dessaisis par parents ou grands-parents.   N’y retrouve-t-on pas, en effet, les plus célèbres « tubes » des années 1934-1960, signés Salvador, Brassens, Bourvil, Trenet, Lapointe, Gainsbourg, Ouvrard, Béart, Douai, Montand, Mouloudji, Vian et autres joyeux compagnons…

 

 

 

Maman, les p’tits bateaux, 13 chansons de toujours avec un orchestre symphonique, interprétées par Jean René. Éponymes (www.editions-eponymes.fr) : EPO 85.   Distr. Harmonia Mundi.

Soutenu par d’imaginatifs arrangements (pour orchestre & chœur d’enfants) signés du violoncelliste japonais Naoki Tsurusaki, Jean René reprend avec bonheur quelques « incontournables » : Il était un petit navire, Au clair de la lune, Lundi matin, Il était un petit homme, Gentil coquelicot, À la volette, À la claire fontaine, Le bon roi Dagobert, Dans la forêt lointaine, Maman les p’tits bateaux, Polichinelle, Bonjour ma cousine, Fais dodo Colas…

 

 

 

Christiane ORIOL (Paroles & musique) : À l’école de madame Nicole et autres fariboles.  Illustrations : Bernadette Desprès.  Éponymes (www.editions-eponymes.fr) : EPO 846.   Distr. Harmonia Mundi.

Dix-neuf chansons originales composent ce charmant bouquet, auquel l’Académie Charles-Cros attribua son Grand Prix.  À partir de 2 ans.  Arrangements pour ensemble instrumental & chorale d’enfants par Gérard Authelain (1 à 10), Jean-Luc Michel (11 à 16) & Patrick Leroux (17 à 19).

 

 

 

DVD

Swing ! Swing ! Swing par le Chœur d’enfants Sotto Voce.  Direction musicale : Scott Alan Prouty. Piano : Richard Davis. Spectacle sur une idée originale d’Emmanuel Touchard. Chorégraphie : Evandra Martins.  Chef de chœur adjoint : Mathieu Septier.  Production Sotto Voce (www.sottovoce.fr).  TT : 68’00. 

Un régal de chaque instant ! Fantaisie, imagination, humour… Même si les mouvements scéniques mériteraient parfois quelque réglage, la bonne humeur de cette magnifique troupe balaye tout ! Tournés live Salle Gaveau, pas moins de 16 titres composent ce joyeux salmigondis signé : Misraki, Frank E. Churchill, Maurice Vandair, Albert Willemetz, Darry Cowl, Bourvil, Gershwin…

 

Francis Gérimont.

 

 

An evening with Renée Fleming.  Berliner Philharmoniker, dir. Ion Marin.  Blu-ray Disc EuroArts : 2058074.  TT : 125’.

Le traditionnel concert estival donné, en plein air, par l’Orchestre philharmonique de Berlin, dans le cadre magnifique de la Waldbühne, était dirigé, en 2010, par le chef roumain Ion Marin. Un florilège d’extraits orchestraux et d’airs d’opéra (Moussorgski, Dvořák, Khatchatourian, Strauss, Wagner, Korngold, Elgar, Puccini, Leoncavallo, Tchaïkovski) mettait en valeur la voix de la grande soprano américaine Renée Fleming.  Un spectacle naturel, une atmosphère détendue, une ambiance de pique-nique, une façon inhabituelle et sympathique d’aborder la musique classique, avec de plus une technologie « Blue-ray » irréprochable.

 

Patrice Imbaud.

 

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