Jean-Sébastien BACH :  Passion selon saint-Jean.  Version française de Maurice Bouchor. 2 CDs Musicaleo Productions (musicaleo@musicaleo.com).  TT : 35’50 + 75’43.

À l’époque de la Réforme, puis du piétisme, dans le sillage de Martin Luther, à côté du latin, l’allemand — langue vernaculaire accessible à tous — s’impose, elle permet de faire revivre le récit de l’Évangéliste, de réagir aux divers commentaires des airs, au sens profond des chorals et aux réactions de la foule (turba). Une adaptation française, permettant de revivre ces moments dramatiques au détriment, parfois, des sonorités et inflexions de la langue originale, a été réalisée en 1902 par Maurice Bouchor.  Christophe Martin-Maëder mise sur « la compréhension immédiate du texte, qui ramène au premier plan sa force et sa signification, et conduit chanteurs et musiciens à ne pas se contenter de le dire ou de le jouer, mais à véritablement l’habiter ». Il précise : « Quant à l’auditoire, il en reçoit la charge spirituelle ou émotionnelle de façon beaucoup plus directe, comme s’il était en quelque sorte soustrait à cette fascination trop exclusive pour la perfection esthétique de l’œuvre de Bach qui peut aller jusqu’à faire oublier le texte dont il est question… ». Il a donc repris la version de M. Bouchor, mais en l’améliorant parfois du point de vue de l’adéquation entre prosodie verbale et prosodie musicale. Dans la mesure du possible, il tient à respecter des sonorités de la langue allemande comme pour le passage : « Les Juifs lui dirent alors : Wir haben ein Gesetz… », au lieu de traduire : Gesetz par « loi », il l’a remplacé par « précepte » : Nous avons un précepte : d’après ce précepte, il faut qu’il meure, ce qui produit une assonance plus proche de l’original allemand.  L’organiste titulaire de l’église Saint-Augustin, à la tête du Chœur liturgique de cette église et de l’Ensemble Confitebor, propose une version certes destinée aux non-germanophones, ce qui n’empêchera peut-être certains « puristes » de regretter la langue d’origine. Quoi qu’il en soit, cette version se situe dans une certaine tradition en usage en France au XX^e siècle, éloignée des conceptions luthériennes bien plus sensibles et intériorisées ; Henri Mandeng (Pilate, Pierre) s’impose, contrairement à David Faggionato (l’Évangéliste). Quant aux interventions des chœurs, même énergiques et bien méritoires, elles gagneraient à plus de justesse et à une meilleure articulation. Démarche intéressante, efforts louables, résultat discutable…

 

 

24 Préludes pour orgue.  Jacques Kauffmann.  Orgues Cavaillé-Coll de St-Étienne de Mulhouse.  Skarbo (skarbo.music@orange.fr) : DSK 1103.  TT : 77’50.

Ce CD propose 24 pièces de longueur inégale, illustrant les caractéristiques de la musique d’orgue du XX^e siècle.  Pourquoi 24 ? Jacques Kauffmann précise qu’il « obéit à un double fil conducteur : d’une part, le chiffre 24, mythique dans l’histoire de la musique depuis Jean-Sébastien Bach, d’autre part l’adéquation entre l’orgue de l’église catholique St-Étienne de Mulhouse et les œuvres de L. Vierne, A. Fleury et G. Litaize. » L’excellent titulaire de l’orgue du Couvent des Dominicains à Paris se réfère aux 24 Préludes et Fugues du Clavier bien tempéré de J.-S. Bach ; aux 24 Préludes et 24 Études de Fr. Chopin. Le premier volet de ce triptyque propose 7 extraits des 24 Pièces en style libre, op. 31 (1913) de L. Vierne, aux titres évocateurs : Cortège, Arabesque, Carillon…, de caractère, tour à tour, méditatif, nostalgique, énigmatique, massif. Le deuxième volet fait entendre 9 des 24 Pièces (1930-1933) d’A. Fleury, avec des mouvements traditionnels et contrastés : Allegro moderato, Très lent, Allegretto, Comme une marche (incisive et très rythmée), Modéré et expressif… dans lesquels le compositeur privilégie le facteur mélodique, les divers plans sonores, encore mis en valeur par une registration remarquable. Le troisième volet comporte 7 des 24 Préludes liturgiques (1953-1955) de G. Litaize, par exemple Sur un Cantique breton, de facture mélodique modale et très colorée ; Allegro (plage 21), très allant, nécessitant une certaine virtuosité ; Andante, très dépouillé et recueilli, contrastant avec l’Allegretto bien enlevé. Ce programme typique est réalisé au grand orgue Aristide Cavaillé-Coll, 1863 (40 jeux, 3 claviers, 1 pédalier) de l’église St-Étienne à Mulhouse, revu et augmenté en 1963 par le facteur strasbourgeois Max Roethinger (avec 12 jeux supplémentaires — dont 5 au pédalier — et une nouvelle console à 4 claviers). L’instrument permet d’obtenir, entre autres, des registrations très diversifiées, des effets et coloris postromantiques, impressionnistes.  Jacques Kauffmann a réalisé une rare symbiose entre facture organistique, programme et interprétation.

 

Georg BÖHM : Orgelwerke.  Ricercar (stephanie@outhere-music.com) : RIC 319.  TT : 69’56.

Georg Böhm, né à Hohenkirchen (Thuringe) en 1661 — donc dans le fief de la famille Bach — a été formé par son père, organiste, avant de faire ses études à Iena, puis à Hambourg, dans l’entourage du célèbre J. A. Reinken. Il est organiste, claveciniste et compositeur. Il est titulaire à l’église St-Jean de Lunebourg jusqu’à sa mort, le 18 mai 1733. Il connaît à la fois les traditions musicales d’Allemagne du Nord et du Sud, d’Italie et de France dont il réalise la synthèse et a d’ailleurs fortement influencé Jean-Sébastien Bach — occasionnellement choriste dans cette ville.  Bernard Foccroulle a retenu l’orgue Van Hagerbeer de la Grote Sint Laurenskerk (Alkmaar), parfaitement adapté à ce répertoire de 3 Préludes (en introduction, en transition et en conclusion) et de 15 Chorals luthériens très connus. Le Prélude (et Fugue) en do majeur, incisif, avec ses solos de pédale traditionnels, donne le ton massif. Le choral Vom Himmel hoch da komm ich her (pour le temps de Noël), avec son cantus firmus bien affirmé, puis orné, bénéficie d’un contrepoint en imitation. L’excellent organiste en fait clairement ressortir les différents plans sonores. Le programme comprend, entre autres, pour le temps de la Passion, le choral Christ lag in Todesbanden ; pour celui de Pentecôte, Nun bitten wir den Heiligen Geist.  La paraphrase du Notre Père commentée par Martin Luther : Vater unser im Himmelreich comporte trois versions : la première, très méditative, à 2 claviers ; la deuxième, à 1 clavier et pédalier ; et la troisième, plus développée, à 2 claviers et pédalier dans laquelle  G. Böhm ponctue le cantus firmus à la pédale, associé à des commentaires décoratifs aux claviers. Elle contraste avec le choral Auf meinen Lieben Gott trau’ ich in Angst und Not, conçu comme une petite partita : modèle du genre, allant de la simplicité vers la complexité contrapuntique. En plus des chorals luthériens, Christe, der du bist Tag und Licht (de source antérieure au XVI^e siècle : Christe qui lux et dies es), repris lors de la Réforme, bénéficie de trois versions diversifiées interprétées avec délicatesse, finesse et intériorité. Comme ce disque avait été introduit, il se termine de façon grandiose et solennelle aux accents de l’imposant Prélude (et Fugue) en ré mineur.  Tant par ses registrations judicieusement élaborées que par sa technique hors pair, Bernard Foccroulle a rendu un vibrant hommage à la facture d’orgue nordique et à G. Böhm.

 

 

Giovanni Pierluigi da PALESTRINA : Missa Papae Marcelli.  Weihnachtliche Chormusik Alter Meister.  Rondeau (mail@rondeau.de) : ROP n6043.  TT : 55’07.

La Messe du Pape Marcel est entrecoupée d’œuvres pour Noël, d’ailleurs très bien venues avec, entre autres, Vom Himmel hoch da komm ich her dans la version de Johannes Eccard, baignant dans l’atmosphère lumineuse, deux noëls de M. Praetorius : Es ist ein Ros entsprungen et In dulci jubilo (latin/allemand, avec respect des assonances), pleine d’élan ; le noël de Leonhard Schröter (1532-1601) : Freut euch, ihr lieben Christen, ou encore le noël O Jesulein süss, o Jesulein mild de Samuel Scheidt et de J. S. Bach, très prenants. Le premier ensemble vocal fondé en 1999 par Volker Heldtfeld est devenu, en 2002, le chœur de chambre Opus vocale qui se distingue non seulement par sa haute musicalité, mais encore par sa plénitude vocale et le souci du détail planant aussi bien sur les noëls que sur la Missa Papae Marcelli. On sait que, lors du Concile de Trente (1562-1565), Palestrina a été considéré comme le défenseur de la polyphonie attaquée par les Pères.  Sa Messe à 6 voix, dite « du Pape Marcel » (imprimée en 1567 à Rome), s’est imposée ; elle respecte l’intelligibilité du texte, sans pour autant sacrifier la polyphonie. Elle répond à l’usage liturgique comme aux exigences artistiques. Voilà, incontestablement, une version de référence.

 

 

Tomás Luis de VICTORIA : Requiem. Officium defunctorum. Rondeau (mail@rondeau.de) : ROP 6042.  TT : 57’39.

Le célèbre Chœur de chambre de Saarbrucken, fondé en 1998 par Georg Grün, a enregistré chez Rondeau Production (Leipzig) l’Office des Défunts de Thomás Luis de Victoria (ca 1548-1611), ainsi que 3 motets pour le temps de la Passion et de Pâques.  Le texte reprend la Leçon 2 pour les matines (Job, 10, 1-7), la Messe des Morts proprement dite : Introït, Kyrie - Graduel, Offertoire -, Sanctus, Agnus Dei, Communio (suivi du motet Versa est in luctum cithara mea…, lamentation de Job), Absolutio : Libera me Domine avec le poignant Dies illa, dies irae, puis l’invocation : Requiem aeternam dona eis, Domine, et lux perpetua luceat eis, suivie de la triple invocation du Kyrie eleison.  Avec une incomparable maîtrise et haute technicité, le chef obtient de ses chanteurs une justesse parfaite, un fondu des voix rarement atteint, une diction irréprochable qui permettront aux discophiles de ressentir intensément cet Officium Defunctorum.  Meilleur hommage ne pouvait être rendu au remarquable polyphoniste espagnol, à l’occasion du quatrième centenaire de sa mort.

 

 

Nawal.  Caresse de l’âme.  Jade (jade@milanmusic.fr) : 699 739-2.  TT : 63’28.

Nawal Mlanao, à la fois artiste et productrice depuis plus de vingt ans, « continue de s’inscrire résolument dans la lumière d’un Islam fondé sur l’amour, le respect et la paix ».  À travers ses chants, elle mise surtout sur les émotions et le mysticisme, et privilégie la musique comorienne qui est « un mélange de musique africaine, bantoue, arabo-perse, avec quelques épices occidentales »,  comme il ressort de ces 10 pièces lançant un message de paix.  Elles sont accompagnées au gambousi — ancêtre du luth arabe —, instrument de cérémonie ; au m’bira s’apparentant au sandza, « piano à pouces » - traditionnel pour appeler les esprits - ; au daf  (tambourin avec cymbalettes) employé dans le soufisme.  Ces instruments mystiques, aux sonorités dépaysantes, sont propices à la méditation et à l’introspection, tout comme son répertoire « pour la paix et la dignité humaine ».

 

Édith Weber.

 

Franz LISZT : Œuvres pour piano. Cyprien Katsaris – 2 CDS Piano 21 : LC 11797, vol. 1.  Franz SCHUBERT : Œuvres pour piano.  Cyprien Katsaris – 2 CDs Piano 21 : LC 11797, vol. 8.  Wolfgang Amadeus MOZART : Concertos pour piano n^os 5 & 27, Rondo pour piano & orchestre K. 382.  Cyprien Katsaris, Yoon Kuk Lee, Salzburger Kammerphilharmonie – Piano 21 : LC 11797, vol. 7.

L’extraordinaire talent du pianiste Cyprien Katsaris, tôt salué par des maîtres aussi avérés qu’Olivier Messiaen (« technique d’acier, fougue, force et autorité, brillance ») ou György Cziffra, illumine trois disques récents, aussi remarquables par la variété du programme que par la qualité transcendante de l’interprétation. Délicatesse mozartienne, virtuosité lisztienne et douceur schubertienne sont des données qui relèvent ici de l’incongru, tant l’artiste sait modeler le métal musical en usant simultanément de ces trois caractères pour la totalité de son immense répertoire.  Tout au long de sa carrière, cet étonnant virtuose se sera ainsi attaché à chercher, au sein de ses œuvres de prédilection, les couleurs harmoniques, raretés mélodiques et superpositions contrapuntiques les plus inattendues, sans jamais mettre en péril l’unité formelle et la cohérence structurelle voulues par les compositeurs.  Dût-il parfois, pour cela, dérouter une partie de ses auditeurs, sans doute afin de plus sûrement les séduire.  En cela, il reste le glorieux héritier de Franz Liszt, grand pianiste et grand compositeur, mais aussi incomparable improvisateur chez qui l’invention ne brutalisait jamais la forme.  En ce temps de grave crise du disque classique, par ailleurs, il est réconfortant de vérifier que le label « Piano 21 », créé par Katsaris, le 1^er janvier 2001 (dix ans déjà !) offre un panel si complet et si divers du répertoire créé au cours des deux derniers siècles pour le roi des instruments.

 

Cyprien Katsaris ©DR

Gérard Denizeau.

 

Le Clavecin du Roi Soleil.  Jean-Patrice Brosse, clavecin. 2CDs Saphir (www.saphirproductions.net) : LVC1125.  TT : 68’10 + 28’18.

Une anthologie des plus éminents compositeurs de pièces pour clavecin, dont Champion de Chambonnières, Couperin, d’Anglebert et Rameau, pour n’en citer que quelques-uns, composées au cours du règne de Louis XIV (1638-1715). En parallèle des deux disques, un livre largement illustré, le Clavecin du Roi Soleil, du même auteur, paru chez Bleu Nuit (www.bne.fr) vient compléter cet enregistrement. Un disque-hommage au clavecin, instrument qui ne vécut guère plus d’une centaine d’années, succédant au luth et s’éteignant avec l’arrivée du pianoforte.

 

 

Max BRUCH & Felix WEINGARTNER : Septuor op. posth. & Octuor op.73.  Octuor de France.  Jeff Cohen, piano.  Calliope : CAL1103.  TT : 72’17.

Un disque remarquable, tout à fait dans la lignée du répertoire de l’Octuor de France, qui nous donne, une fois de plus, le plaisir d’entendre deux œuvres peu connues de compositeurs du XIX^e siècle, rarement joués. Le Septuor de Bruch, composition de jeunesse, un peu passéiste, aux accents brahmsiens et l’Octuor de Weingartner, post-romantique, plus méditatif, empreint de nostalgie. Tous deux, magnifiquement interprétés, deux climats différents, mais un même plaisir d’écoute.

 

 

Georges ENESCO : Sonates pour violoncelle & piano op.26.  Alexandre Dmitriev (violoncelle), Alexandre Paley (piano).  Saphir (www.saphirproductions.net) : LVC1170. TT : 76’03.

Georges Enesco (1881-1955), personnalité éclectique, pédagogue, violoniste virtuose, chambriste renommé et chef d’orchestre, mais également, compositeur, comme en témoignent ces deux sonates de l’opus 26, composées à plus de trente-cinq années d’intervalle. La première, datant de 1898, œuvre de jeunesse aux accents brahmsiens, d’une beauté méditative, la seconde écrite en 1935, plus moderne et,  peut être, plus étrange avec son Final « à la roumaine ». Un enregistrement live capté par France Musique, au Festival de Montpellier, le 23 juillet 2009, un très beau moment de musique, magnifiquement interprété.

 

 

Giovanni GIORGI : Ave Maria.  Chœur de chambre de Namur, Cappella Mediterranea, dir. Leonardo Garcia-Alarcon.  Ricercar (www.ricercar.be) : RIC 313.  TT : 55’.

Inlassable découvreur de partitions oubliées, Leonardo Garcia-Alarcon nous propose, ici, une œuvre  d’un compositeur totalement méconnu.  Giovanni Giorgi, probablement né à Venise, ayant passé une partie de sa vie à Rome où il devient maître de chapelle à Saint-Jean-de-Latran en 1719, gagnant ensuite Lisbonne pour exercer le métier de compositeur,  mort à Lisbonne en 1762. Son œuvre, constituée exclusivement de musique sacrée, mêlant polyphonie et style concertant, est  porteuse de ces différentes influences qui conduiront au  futur classicisme. Bien enregistré, bien chanté et bien joué, mêlant plaisir et découverte, un disque indispensable à tous les amateurs de musique baroque.

 

 

GAIL, BOÏELDIEU, NADERMAN, DOMNICH, LAMBERT, ROMAGNESI, GARAT, JADIN : Romances françaises. French songs. 1795-1815.  Sylvie Nicephor (soprano), Etsuko Shoji (harpe Érard). Calliope : CAL 1101.  TT : 57’48.

Un disque plein de charme, consacré aux romances françaises, ces chansons simples, centrées sur la voix et  la ligne mélodique, dont les origines remonteraient à l’art des trouvères et dont l’âge d’or se situerait entre 1795 et 1815.  Au-delà d’un genre musical, la romance est un phénomène de société, prospérant à travers plusieurs régimes, depuis la monarchie (la reine Marie-Antoinette en aurait chanté et écrit, tout comme Hortense de Beauharnais, sous l’Empire) jusqu’au Directoire.  À mi-chemin entre rue et salon, la romance propose une sorte de consensus sentimental et social. Malgré le caractère un peu répétitif de ces chansons, le  beau timbre et la diction parfaite de Sylvie Nicephor, l’accompagnement discret mais efficace d’Etsuko Shoji se prêtent magnifiquement à ce genre d’exercice.  À découvrir.

 

 

Antonio VIVALDI : Concerti per piccolo.  Jean-Louis  Beaumadier & Philippe Pierlot (piccolo). Orchestre national de France, dir. Jean-Pierre Rampal. Ensemble instrumental La Follia, dir. Philippe Pierlot. Saphir (www.saphirproductions.net) :LVC 1171.  TT : 58’18.

Trois concertos pour piccolo & trois transcriptions pour cet instrument permettent d’en apprécier toutes les possibilités techniques et expressives. Des œuvres attachantes, remarquablement interprétées.

 

 

 

Robert SCHUMANN : Concerto for cello & orchestra.  Concerto for piano & orchestra.  Orchestre de Bretagne, dir. Grzegorz Nowak.  Matt Haimovitz (violoncelle), Laure Favre-Kahn (piano).  Transart : TR158. TT : 53’15.

Deux œuvres emblématiques du romantisme schumannien, oscillant entre le nostalgique Eusebius et le fougueux Florestan.  Deux compositions quasiment contemporaines (1846  et 1850) où s’expriment tour à tour la fougue, le bouillonnement intérieur, l’extase, le lyrisme, le drame, la tendresse, la virtuosité et l’amour pour Clara.  Deux monuments du répertoire romantique, deux admirables musiciens, une association rare au disque.  Interprétation live dans le cadre des Flâneries musicales d’été de Reims.

 

 

BEETHOVEN, LISZT, WAGNER : Odyssey.  Frédéric D’Oria-Nicolas, piano. Fondamenta  (www.fondamenta.fr) : FON-1101007.  TT : 58’13.

Un disque qui nous donne à entendre la Sonate « Waldstein » de Beethoven, la Vallée d’Obermann tirée des Années de Pèlerinage de Liszt, la transcription de l’ouverture de Tannhäuser de Wagner et Adagio de Bach BWV 564, transcrit par Busoni. Un enregistrement empli d’une présence éblouissante où Frédéric D’Oria-Nicolas se hisse au niveau des plus grands. Des tempi, des sonorités et un jeu entretenant des climats envoûtants qui perdurent bien au delà de l’écoute. Une prise de son d’une remarquable qualité, effectuée dans la magnifique salle de l’Arsenal de Metz.  En bonus, le « CD Mobility » version adaptée aux écoutes sur baladeur, voiture et ordinateur !  Du grand art !

 

 

CAVALLI, ROSSI, SCARLATTI, FALCONIERI, STROZZI, MARINI, MONTEVERDI : Ferveur & Extase.  Stéphanie d’Oustrac, mezzo-soprano.  Ensemble Amarillis.  Ambronay : AMY 027. TT : 64’18.

Un disque dont le programme est centré sur l’amour baroque et ses deux visages, sacré et profane, représentés par les figures de la Vierge Marie et de Didon, reine de Carthage.  Deux visions qui s’expriment au XVII^e siècle par le biais d’une nouvelle esthétique, celle du recitar cantando, où l’accent est mis sur une plus grande lisibilité des textes et une plus grande simplicité dans l’élocution et la déclamation. Stéphanie d’Oustrac (qui vient de triompher dans le rôle de Sesto, de la Clémence de Titus de Mozart, à l’Opéra Garnier) et ses complices de l’Ensemble Amarillis excellent dans cet exercice, dans une symbiose parfaite, vocale et instrumentale. Indispensable, à tous les  amateurs de musique baroque. Une chanteuse, pleine de talent, à suivre…

 

 

Johann Georg ALBRECHTSBERGER (1736-1809) : Entre ciel et terre.  Quatuor Mosaïques. Ensemble Baroque de Limoges, dir. Christophe Coin. Albin Paulus, guimbarde.  Labories Records : LC08.  TT : 65’40.

Un disque original qui permet de découvrir un visage peu connu du compositeur Albrechtsberger, considéré comme le représentant du plus pur classicisme viennois.  Professeur de Beethoven, titulaire de l’orgue de la cathédrale Saint-Étienne de Vienne, ami de Haydn, compositeur de musique sacrée, mais également, de musique profane, aimant à mêler timbres et instruments rares.  Cet enregistrement en est un des exemples les plus convaincants, avec notamment, l’utilisation de la guimbarde.  Les quatre Concertos pour guimbarde, écrits entre 1769 et 1771, étaient probablement destinés au révérend-père Bruno Glatzl, virtuose de cet instrument, moine bénédictin de l’abbaye de Melk, ville où la cour impériale avait l’habitude de séjourner lors de ses déplacements.  Une surprise à écouter absolument.

 

 

J. S. BACH : Das Wohltemperierte Klavier-Teil II.  Sébastien Guillot (clavecin).  2CDs Saphir (www.saphirproductions.net) : LVC 1136.  TT : 73’43 + 79’54.

Ce disque présente, en premier enregistrement mondial, le second livre de la première version du Clavier bien tempéré de Johann Sebastian Bach, recueil de 24 Préludes & Fugues, interprétés par Sébastien Guillot, d’après le manuscrit autographe de Londres, acquis par la British Library en 1896.  La composition de cette version, dite A, daterait des années 1739-1742.  Par rapport à la version de référence de 1744, elle comprend nombre de variantes mélodiques, rythmiques et ornementales que les mélomanes éclairés auront à cœur de découvrir !  Parfaitement interprétée par Sébastien Guillot sur un clavecin O. Fadini de 1993 (d’après F. Blanchet, Paris 1733).

 

 

W. A. MOZART : Sonate n°11.  Marche turque K. 331.  Sonate n°2 K. 280.  Sonate n°13 K. 333.  Aldo Ciccolini (piano Bechstein).  La dolce volta (www.ladolcevolta.com) : LDV 03.  TT : 52’54.

À 85 ans, Aldo Ciccolini réenregistre ces sonates de Mozart, des sonates qu’il côtoie depuis l’adolescence.  Il en résulte, évidemment, un très beau Mozart, mûri, réfléchi, enrichi d’une expérience de plus de soixante-dix ans, épuré et chargé d’émotion, qui laisse chanter les notes et s’égrener la mélancolie dans un climat de romantisme naissant.  Un très bel enregistrement qui laisse espérer une intégrale.

 

 

Roula SAFAR : Vergers d’exil, échos méditerranéens.  Roula Safar (mezzo-soprano, guitare & percussions).  Hortus : 089.  TT : 52’47.

Force est de reconnaître que l’on ne retrouve pas, dans cet enregistrement, les accents chargés de transcendance qui nous avaient émus dans le précédent disque (Racines sacrées, Voix des Origines, Hortus 067).  On se sent ici, en effet, bien éloigné des complaintes de l’exil, comme du soleil de la Méditerranée, tant les textes paraissent plats pour la plupart, les arrangements incertains, la vocalité hasardeuse.

 

 

René MAILLARD : « Surviving after Hiroshima ». Concerto Grosso. Concerto da Camera n°2.  Royal Philharmonic Orchestra, dir. Dionysios Dervis-Bournias.  Sarah Jouffroy (mezzo-soprano).   Naxos (www.naxos.com) : 8.572623.  TT : 71’.

Un disque qui présente trois superbes compositions de René Maillard (°1931), compositeur français, lauréat du Prix de Rome en 1955, symbolisant  parfaitement la fructueuse symbiose entre tradition et modernité, revenu, au début des années 2000, à la composition sur les conseils éclairés de Nicolas Bacri, après une interruption de plus de quarante ans.  Surviving after Hiroshima est une cantate pour mezzo-soprano, chœur & orchestre, inspirée de l’histoire vraie  de Kyoko Hama, véritable hymne à l’espoir mettant en avant toutes les qualités du compositeur,  écriture intemporelle, clarté et richesse des couleurs orchestrales. En reprenant les formes classiques et traditionnelles, revisitées, le Concerto grosso pour quintette à vents & orchestre à cordes, composé en 1961, révisé en 2003 et le Concerto da Camera n°2 pour orchestre à cordes, composé en 1959,  complètent ce magnifique enregistrement.  Absolument indispensable !

 

 

Charles GOUNOD : Biondina, souvenir d’Italie.  David Lefort (ténor), Simon Zaoui (piano).  Hortus : 084.  TT : 61’02.

Un très beau disque qui vaut  par l’originalité de l’œuvre présentée, Biondina, composée à Londres  en 1872, chargée des influences italiennes recueillies par Gounod (1818-1893) lors de son séjour en Italie (Grand Prix de Rome, 1839) mais, également, par la qualité de l’interprétation vocale et pianistique.  Biondina, roman musical sur des poèmes de Giuseppe Zaffira, en douze chapitres, nous conte l’histoire d’un poète épris de sa voisine blonde et orpheline, qu’il épouse, avant que la mort ne la lui arrache bientôt.  Des mélodies  de Tosti, contemporain de Gounod, et des pages pour piano solo, dont À la lune, encore inédite au disque, complètent agréablement cet enregistrement.  Toutes occasions, pour Gounod, de faire montre de son amour pour la voix, la mélodie, l’Italie.  David Lefort et Simon Zaoui sont ici exemplaires, tout à fait convaincants dans ce domaine - associant diction claire, vocalité facile, timbre rond, ample et accompagnement efficace.  Un vrai régal !

 

 

Franz LISZT : Fever.  Claire Chevallier (piano Érard, 1876).  La dolce volta (www.ladolcevolta.com) : LDV 02.  TT : 72’08.

Une sonorité exceptionnelle, mais plus encore, un climat, une présence en filigrane, celle de Liszt jouant sur ce piano Érard qu’il aimait tant.  Un programme éclectique, aux multiples facettes ressemblant à Liszt lui-même.  L’Andante lagrimoso et Funérailles, tirés des Harmonies poétiques et religieuses, la Mephisto-Walzer n°1, la Lugubre gondola n°2, Saint François d’Assise, la Prédication aux oiseaux, Saint François de Paule marchant sur les flots et Wiegenlied.  Une rencontre passionnante entre un compositeur, une artiste talentueuse et un piano d’exception. Voilà un disque qui fera assurément date, en cette année du bicentenaire  de la naissance de Liszt (1811-1886).

 

Patrice Imbaud.

 

Richard WAGNER : Der fliegende Holländer.  Albert Dohmen (le Hollandais), Matti Salminen (Daland),  Ricarda Merbeth (Senta), Robert Dean Smith (Erik), Steve Davislim (le timonier), Silvia Hablowetz (Mary). Chœur & Orchestre symphonique de la Radio de Berlin, dir. Marek Janowski.  2 SACDs Pentatone : PTC 5186 400 (distr. Codaex).

Ce coffret, élégamment présenté en livre-disque, constitue le « Tome 1 » d’une entreprise nationale allemande menant au bicentenaire Wagner de 2013.  D’ici cette date sortiront, à un rythme périodique, les dix opéras principaux du compositeur, enregistrés en « live » sous la baguette de Marek Janowski dont on n’a pas oublié la Tétralogie d’il y a trente ans avec la Staaskapelle de Dresde.  Cette fois, ce sont les forces de la Radio de Berlin qui se prêtent à ces concerts exceptionnels, captés dans la salle de la Philharmonie.  Quelques phrases écrites par le président du Bundestag dans sa préface en disent long sur son plaisir d’écouter la musique sans qu’elle soit polluée par les mises en scène que nous-mêmes dénonçons dans ces colonnes !  Admirons tout d’abord avec quelle perfection (on peut même parler de virtuosité) les choristes (hommes et femmes) de la radio berlinoise donnent véritablement vie à leurs rôles collectifs : ils ont été préparés par Eberhard Friedrich, le chef des chœurs de Bayreuth, et ils étincellent tout du long.  Marek Janowski, confronté à l’orchestre wagnérien, se meut dans son élément, avec un respect souvent scrupuleux de la partition (il a choisi évidemment la version durchkomponiert), à l’exception surprenante d’un moment important, la Ballade de Senta qu’il dirige lourdement, sans remédier à l’absence de nuances de la soprano.  En effet, Ricarda Merbeth néglige complètement les fp sur lesquels repose l’effet du thème de la Ballade.  Rien ne la fait émerger d’une interprétation prosaïque du rôle.  Nous sommes loin de la vibrante émotion et de l’éloquente attention aux nuances que nous apportaient Catherine Naglestad et Hartmut Haenchen dans un récent DVD chroniqué ici même (Opus Arte).  La partie féminine s’avère d’ailleurs le maillon faible de la distribution puisque le mezzo-soprano jouant Mary n’a guère la voix bien placée.  Le risque du "live" nous fait craindre pour le Hollandais et Daland qui, tous deux, commencent la soirée en trébuchant sur la justesse, mais ce n’était que le temps de se chauffer. L’expression d’Albert Dohmen dégage toujours une noblesse qui lui gagne les cœurs ; l’aigu est radieux, mais certains graves, quoique résonnant richement, sont attrapés de manière... incertaine. L’expérience wagnérienne de Matti Salminen n’est plus à vanter, il met beaucoup d’esprit à faire vivre les phrasés wébériens du rôle de Daland (par moments, il ne passe pas loin de la basse bouffe mozartienne).  Deux bons ténors (Erik et le timonier) complètent la distribution.  La course du Vaisseau fantôme devant suivre un vent dominant parmi les deux options possibles (la survivance de racines passéistes, ou la révolution wagnérienne en marche), la lecture de Marek Janowski tire l’œuvre vers ses sources (Weber, Mozart, Rossini). Emporté par un dynamisme général, le temps passe vite, mais c’est au détriment d’un approfondissement émotionnel qui exhausserait le souffle futuriste, déjà bien affirmé, autant que la dimension mythique de l’amour des deux protagonistes. Est-ce volonté d’accuser le contraste avec le deuxième volet de ce parcours, à l’autre extrême du grand œuvre wagnérien, puisque Parsifal nous est annoncé sous peu ? Nous recevrons bientôt la réponse.

 

 

RACHMANINOV : Préludes op. 3 n°2, op. 32 n°5 et 12, op. 23 n°4, 5, 7.  Études-Tableaux op. 39 n°1, 3, 5.  CHOPIN : Sonate n°2 op. 35.  Maciej Pikulski, piano. Stermaria (http://mascarel.eu/label-stermaria).

Le courant, dicté par les mutations économiques, est au rapprochement entre activités de concert et diffusion discographique autour d’un même artiste.  Ainsi Laurence Hitzel prolonge-t-elle désormais la promotion des musiciens dont s’occupe son agence Mascarel par la création d’un label discographique, joliment baptisé Stermaria.  Le premier disque ouvre ses sillons au pianiste polonais Maciej Pikulski, dont le pianisme élégant et l’intelligente musicalité ne sont plus à vanter.  Il s’agit de prises effectuées en 2 jours (d’une belle qualité microphonique), et remontant à octobre 2008.  Alors se pose la question, au sein d’un marché discographique très concurrentiel, de la nécessité d’une gravure de plus : il semblerait plus judicieux qu’un artiste jeune, et guère parvenu au statut de vedette, se positionne sur le créneau d’œuvres non rebattues, ce qui rendrait nécessaire d’aller vers son disque, tandis que la nième version de Chopin, Beethoven ou autre, se heurtera toujours à d’immortelles références autrement plus marquantes – et attractives pour le public ! –, et ne conquerra sa place que si elle s’affirme comme le fruit d’une expérience longuement mûrie.  On voit bien ici que Maciej Pikulski sollicite excessivement les morceaux les plus célèbres (le Prélude en ut# mineur !), comme s’il se demandait comment faire pour s’y distinguer !  Tandis que d’autres plages coulent plus naturellement, ou que des idées pertinentes se font jour ici et là.  D’où un manque de cohérence dans la réalisation globale.  Prenons l’exemple de la Sonate n°2 de Chopin : le premier mouvement semble en proie à des contorsions, les motifs chantants ne trouvent pas leur agogique naturelle ; il manque au Scherzo une pulsation venue de l’estomac, et le trio se déroule superficiellement ; en revanche, le détachement presque lumineusement timbré de la Marche funèbre ouvre une perspective d’ordre métaphysique à l’immuabilité dénuée de pathos de son cheminement ; c’est une vision personnelle de la mort que nous propose l’interprète et nous l’accueillons ainsi ; mais, pris dans cette logique, le Presto émerge d’un brouillard et perd du coup sa dimension de houle hallucinée sans laquelle son extrême brièveté (son déséquilibre formel, à l’échelle de la Sonate) ne peut plus se justifier.  Parmi les pièces de Rachmaninov, relevons le splendide lyrisme de l’Étude-Tableau op. 39 n°5, les suggestives cascades du Prélude op. 23 n°7, la fraîcheur poétique du Prélude op. 32 n°5, le climat d’intériorité du Prélude op. 23 n°4.  Mais il manque une dimension imposante au Prélude op. 32 n°12 et à la cambrure de l’op. 23 n°5 que de grands pianistes russes ont marqué de leur empreinte.  Quant à l’Étude-Tableau op. 39 n°3, elle reste du beau piano trop extérieur, mais y manque le violent appel de la nostalgie russe, si présente au cœur de Rachmaninov.  Alors on se réjouirait d’entendre Maciej Pikulski, mais peut-être pas dans des œuvres où les géants de plusieurs générations pianistiques l’écrasent de leurs ombres prestigieuses.

 

 

Harmonious breath.  Concertos pour saxophone & orchestre d’instruments chinois de Yiu-Kwong Chung (°1956) et Leilei Tian (°1971) + deux arrangements de chants traditionnels chinois.  Claude Delangle (saxophones alto & soprano).  Orchestre chinois de Taipei, dir. En Shao.  Bis : CD-1790.

Oubliez toutes vos certitudes sonores et laissez-vous séduire par cette rencontre entre Orient et Occident qui s’inscrit dans un projet associant le label suédois Bis et des institutions de Taiwan : quatre solistes vedettes du label développent un partenariat avec l’orchestre d’instruments traditionnels ; la flûtiste Sharon Bezaly avait ouvert le bal, suivie du saxophoniste Claude Delangle ; viendront le tromboniste Christian Lindberg et la percussionniste Evelyn Glennie.  Claude Delangle situe son travail dans le droit fil de ses précédentes expériences au Japon et de sa riche pratique de la musique contemporaine, mais y voit aussi un reflet de l’histoire universelle des instruments à anche (anche double et anche simple).  Sous la direction d’En Shao, chef formé à l’orchestre symphonique en Angleterre, le jeu des instrumentistes traditionnels présente les mêmes vertus que celui d’un ensemble occidental, tandis que Claude Delangle sait évoquer avec virtuosité le guanzi chinois.  Le métissage sonore peut produire des moments magiques, tel le mouvement central (En écoutant la cascade) du Deuxième Concerto de Yiu-Kwong Chung, écrit pour une formation réduite mais féerique de quintette : saxophone soprano, vibraphone, erhu, guzheng, sanxian (trois instruments à cordes nettement différenciés).  En revanche, quand l’orchestre chinois se rapproche des repères occidentaux, l’expérience perd de son originalité et fait un peu « world music ». L’apport le plus novateur de ce disque est à mettre au crédit de Leilei Tian, compositrice formée en Suède et à Paris, dont Open secret (commande du ministère français de la Culture, 2009) représente une authentique création d’aujourd’hui, procédant par glissements mystérieux entre deux mondes finalement convergents.

 

 

« Soul Mates » : Paule MAURICE : Tableaux de Provence.  Piotr GRELLA-MOZEJKO : Moon down, Numen.  Caroline CHARRIÈRE : Miniature, Tranquillo-Agitato.  Victor CORDERO : Soul Mates.  Darius MILHAUD : Scaramouche.  Laurent Estoppey  (saxophone), Virginie Falquet (piano).  Claves (www.claves.ch) : 50-1111.

Sous le rébarbatif matricule « ST15 » (quelle idée de baptiser ainsi un ensemble !) se cachent deux artistes suisses pleins de fraîcheur.  Dans les « classiques » du répertoire saxophonistique (Paule Maurice et Darius Milhaud ; les Français rectifieront les graves approximations relatives à l’enseignement au Conservatoire de Paris dans les notices biographiques), on peut juger de l’esprit piquant que nos duettistes apportent à leurs interprétations ; la pianiste est délicieuse, on aimerait seulement que le saxophoniste travaillât encore la qualité de ses timbres.  Les écoles françaises, que l’on penche vers celle si féconde de Jean-Marie Londeix ou vers Claude Delangle, nous ont habitués à un modelé incomparable des sonorités de l’instrument ; l’on pense encore, dans cet ordre d’idées, au prodigieux Hollandais Arno Bornkamp, d’ailleurs élève de Londeix.  Le cœur du disque de Laurent Estoppey et Virginie Falquet repose sur des  pièces d’auteurs actuels écrites à leur intention : Piotr Grella-Mozejko (Canadien comme son nom ne l’indique pas) procède par délicates touches atmosphériques ; « presque imperceptible », indique-t-il sur un des morceaux, or on touche vite aux limites du non-renouvellement de cette imperceptibilité.  Mais, au moins, on traverse ces brumes en se laissant doucement envelopper, tandis que les pièces de Caroline Charrière sont inconsistantes et qu’il n’y a rien, dans Soul Mates de Victor Cordero que l’on ne trouve, autrement plus élaboré, dans le formidable cycle d’études pour saxophone de Christian Lauba.

 

 

Gabriel DUPONT (1878- 1914) : Les heures dolentes.  La maison dans les dunes.  Stéphane Lemelin.  2 CDs Atma Classique : ACD2 2544 (distr. Intégral).

Le pianiste canadien Stéphane Lemelin s’est fait une spécialité d’exhumer des pages françaises oubliées de la fin du XIX^e siècle ou du début du XX^e.  On lui devait ainsi (toujours chez Atma) un beau disque Ropartz, mais aussi des gravures consacrées à des auteurs plus mineurs tels que Samazeuilh, Migot, Théodore Dubois. Aujourd’hui paraît enfin un enregistrement de décembre 2007 nous révélant deux recueils de Gabriel Dupont, destin fauché à 36 ans par la tuberculose, qui connut une relative gloire pour ses opéras (La Glu, Antar).  Le cahier de 14 pièces aux titres suggestifs, Les heures dolentes, constitue un émouvant journal intime de sa convalescence après le premier assaut de la maladie : on y ressent les angoisses d’un jeune homme de 25 ans mais aussi le candide regard porté sur la moindre petite joie ou une fraîche visite.  N’étant pas nourries de cette expression autobiographique, les 10 vignettes de La maison dans les dunes nous laissent indifférents.

À parler franchement, l’oubli dans lequel tomba cette musique s’explique par un manque de « signature » personnelle tandis que l’influence de son contemporain Debussy éclate par bouffées tellement « non digérées » qu’elle prête à sourire.  Peut-être manque-t-il à Stéphane Lemelin une étincelle d’imagination pour transcender ces pages de second tiroir ?  Et la prise de son n’est pas non plus la plus riche captation de piano que l’on puisse trouver sur le marché.

 

 

TCHAÏKOVSKY : Quatuor à cordes n°3 (a).  CHOSTAKOVITCH : Trio pour piano, violon et violoncelle n°2 (b).  Christian Tetzlaff (violon, a et b), Antje Weithaas (violon 2, a), Tatjana Masurenko (alto, a), Gustav Rivinius (violoncelle, a), Tanja Tetzlaff (violoncelle, b), Lars Vogt (piano, b).  Avi Music : 8553224  (distr. Codaex).

Issus de concerts se tenant sur le site de l’usine hydroélectrique de Heimbach (un bâtiment Art Nouveau de 1904 qui abrite chaque été un festival de musique de chambre dirigé par Lars Vogt), ces enregistrements réalisés par la radio Deutschlandfunk réunissent deux œuvres écrites comme des hommages funèbres à des amis musiciens disparus.  L’émotion nous étreint dès le lamento initial du 3^e Quatuor de Tchaïkovsky.  Toutes les incursions de Christian Tetzlaff dans la musique de chambre produisent des fruits aussi magistraux que ses interprétations de soliste ; il fédère autour de lui de talentueux partenaires auxquels il communique un esprit fusionnel.  L’élan lyrique insufflé à l’œuvre de Tchaïkovsky met merveilleusement en lumière la richesse de l’écriture, animée de surcroît par une vie mouvante dans la gradation des dynamiques et les échanges de répliques.  L’Andante funebre et doloroso s’élève du lugubre désincarné à la compassion la plus tendrement vibrante.  Pourrait-on rêver interprétation plus accomplie, plus sentie ?  Je ne crois pas.  Dans le Trio n°2 de Chostakovitch, l’âpreté du 1^er mouvement monte de très loin depuis les redoutables harmoniques de la phrase initiale du violoncelle (si bien réussis par Tanja Tetzlaff), le Scherzo endiablé grince un peu trop (je parle ici des cordes, non des intentions satiriques... effectivement grinçantes !).  Les pleurs rentrés du Largo s’exhalent par le son lointain des cordes sur l’imperturbabilité des accords de piano.  Leur interprétation du finale sur un motif juif privilégie les effets de lointain du premier élément en pizzicato, puis les sommets exacerbés sonnent avec la brutalité d’une catharsis (les micros engrangent même désagréablement les chocs qu’inflige Lars Vogt à son piano), non avec l’ampleur qui donne à ce mouvement son inexorable gravité dictée par la ferme pulsation : c’est une vision d’outre-monde qu’ont voulue les artistes, là où d’autres mettent l’accent sur la puissance visionnaire d’une opiniâtreté qui résiste à tout, y compris à la mort.  La comparaison des diverses versions de ce sublime Trio ouvrirait presque la voie à une discussion ontologique de type heideggerien sur la finitude...

 

Sylviane Falcinelli.

 

« La Belle Danse ».  Ballets anciens & modernes.  Capriccio Stravagante / Les 24 Violons, dir. Skip Sempé.  Digipak Paradizo (www.paradizo.org) : PA0010.  Distr. Harmonia Mundi.  TT : 60’47.

Sous la direction de l’Américain Skip Sempé, le tout nouvel ensemble « Capriccio Stravagante / Les 24 Violons »  (violons provenant de la collection du Centre de musique baroque de Versailles) nous plonge au cœur de concerts à la cour de Louis XIII ou de Louis XIV : Ouvertures & suites de Jean-Baptiste Lully (Atys, Les plaisirs de l’Île enchantée, Armide, Roland, Triomphe de l’Amour, Pastorale comique, Roland…), de Marin Marais (Alcyone) - ensemble assorti de pièces plus rares signées William Brade, Michael Praetorius, Luigi Rossi, Georg Muffat.

 

 

Ludwig van BEETHOVEN : Quatuors à cordes op. 127 et op. 131.  Quatuor Brentano (°1992).  Æon (www.aeon.fr) : AECD 1110. TT : 78’21.  

Par la célèbre phalange étasunienne (ayant pour titre distinctif  le patronyme de celle qui fut sans doute la « Bien-aimée lointaine », Antonie Brentano), voici les 12^e et 14^e Quatuors, chefs-d’œuvre de la maturité.  À la lumière du répertoire contemporain dont ils sont tout aussi familiers (Elliott Carter, György Kurtág, Milton Babbitt, Sofia Gubaïdulina…), les Brentano nous offrent, de ce corpus testamentaire, une lecture renouvelée.

 

 

Johannes BRAHMS : Rhapsodies, Intermezzi, Klavierstücke. Jonas Vitaud, piano.  Orchid Classics (www.orchidclassics.com) : ORC 100020.  Distr. Codaex. TT : 76’53.

D’une admirable sobriété sont ces interprétations d’un pianiste qui n’avait jamais encore enregistré en soliste.  Treize années séparent, chez Brahms, les deux Rhapsodies, op. 79 (1879) - d’esprit orchestral - des Fantasie, op. 116 et Intermezzi, op. 117 (1892), puis des Klavierstücke op. 118 et 119 (1893) – d’esprit plus intimiste - qui composent ce remarquable album.

 

 

Gabriel FAURÉ : Œuvres pour violoncelle & piano, Trio op. 120.  Éric Le Sage (piano), François Salque (violoncelle), Paul Meyer (clarinette).  Alpha (www.alpha-prod.com) : 600.  TT : 74’02.

Bonheur de voir s’enrichir la discographie du célèbre Appaméen – dans l’interprétation, surtout, de tels artistes ! Au sommaire : Romance op. 69, Première Sonate op. 109, Élégie op. 24, Deuxième Sonate op. 117, Sérénade op. 98, Papillon op.77, Berceuse op. 16 et Trio avec clarinette op. 120.

 

 

Maurice RAVEL : Œuvres pour piano.  Jean-Yves Thibaudet, Hélène Grimaud, piano.  Royal Philharmonic Orchestra, dir. Jesús López-Cobos. Regis Records (www.regisrecords.co.uk) : RRC 1339. TT : 68’25.

Un précieux enregistrement réunissant Jean-Yves Thibaudet - musicien sensible et raffiné, qui fait ici merveille dans Jeux d’eau, la Sonatine, Le Tombeau de Couperin – et, sans excessif maniérisme, la belle Hélène Grimaud dans le Concerto en sol, merveilleusement sertie par le grand chef espagnol Jesús López-Cobos.

 

 

Georg Friederich HAENDEL : Ombra cara.  Arias par Bejun Mehta, contre-ténor.  Freiburger Barockorchester, dir. René Jacobs. 1 CD + 1 DVD (« making of » the recording)  Harmonia Mundi (www.harmoniamundi.com) : HMC 902077.  TT : 71’46. 

Originellement dédiées à des voix de castrats (celle notamment de Senesino…), les arias ici interprétées sont extraites des opéras Amadigi di Gaula, Agrippina, Riccardo prime, Tolomeo, Orlando, Radamisto, Rodelinda et Sosarme.  Évidente passion pour l’art baroque & démesure pyrotechnique caractérisent l’art de Bejun Mehta.  Outre le « making of » de l’enregistrement, le DVD comporte, de passionnantes interviews du chanteur et du chef d’orchestre.  Qui mieux  que René Jacobs, était qualifié pour ce partenariat ?...

 

 

Down by the salley gardens.  20^th Century english songs.  Bejun Mehta (contre-ténor), Julius Drake (piano). Harmonia Mundi (www.harmoniamundi.com) : HMC 902093.  TT : 66’33. 

Outre ses interprétations d’arias haendéliennes, le contre-ténor Bejun Mehta a enregistré tout un florilège de chants anglais du XX^e siècle – depuis l’esthétique édouardienne de Roger Quilter (1877-1953) ou du premier Vaughan Williams (1872-1958) jusqu’à l’intense expressivité d’un Herbert Howells (1892-1983) ou d’un Gerald Finzi (1901-1956).  Sans oublier les superbes pages d’Ivor Gurney (1890-1937), Lennox Berkeley (1903-1989), Charles Villiers-Stanford (1852-1924), Peter Warlock (1894-1930), non moins que les réalisations purcelliennes signées Benjamin Britten (1913-1976) ou Michael Tippett (1905-1998).

 

 

« Méditerranée sacrée ».  Chœur de chambre Les Éléments, dir. Joël Suhubiette.  L’Empreinte digitale (www.empreintedigitale-label.fr) : ED13235. Distr. Abeille Musique.  TT : 60’52.

Florilège de 14 monodies et polyphonies anciennes & modernes (en arabe, grec ancien, hébreu, latin, syriaque), dirigées par le grand chef béarnais Joël Suhubiette.  Comprenant notamment : Jerusalem surge,  O vos omnes, Aestimatus sum (Gesualdo), O vos omnes (Victoria), Crucifixus (Lotti), Kaddish, Barechu (Rossi), Bacchantes (Markeas), Lama Sabaqtani, Mèn éntè (Moultaka), Ave Maria (Scelsi)…  Soit huit siècles de musique sacrée - du Llivre Vermell de Montserrat (anonyme, XIV^e siècle) aux pièces de Giacinto Scelsi (1905-1988), Alexandros Markeas (°1965) et Zad Moultaka (°1967). 

 

 

Javier TORRES MALDONADO (°1968) : Un posible día (quasi un radiodramma),  pour voix, récitant, ensemble & électronique (2011).  Maja Pavlovska (soprano), David Jisse (récitant), Ensemble 2e2m, dir. Pierre Roullier.  La Muse en circuit (www.alamuse.com) : ALM 002.  Distr. Distrart Musique (www.clicmusique.com).

Compositeur mexicain, Javier Torres Maldonado s’inspire ici de Quel profundo oceano (incursion dans l’âme féminine),  pièce radiophonique d’Ana Candida de Carvalho.  Au sein de formes relativement orthodoxes, il utilise - outre un instrumentarium classique - des sonorités électroniques, non moins que… jouets, crayons, verre en cristal & percussions.

 

 

Michel LYSIGHT (°1958) : Cosmographies,  pour instruments à vent & piano.  Quartz Ensemble.  Quartziade (www.ensemblequartz.be) : QTZ 014.  TT : 65’04.

Fort diverses mais infiniment séduisantes sont les musiques qui composent ce florilège : Chronographie IX pour basson & piano (2005), Deux Esquisses pour quatuor à vent (2004-2010), Thrène pour flûte alto & piano (1995), Sextuor pour quintette à vent & piano (1990), Soleil bleu pour cor anglais & piano (1989), Pentagramme pour quintette à vent (2009), Cosmographic Mystery pour cor (2002).

 

 

Thierry PEAL (voix), Bruno ANGELINI (piano), Francesco BEARZATTI (saxophone, clarinette) : Move is.  Re:think-art Records (www.rethinkartrecords.com) : re0111 / 2362004.  Distribution : Musea.

Une petite merveille que cet enregistrement, qui nous réconcilie avec le jazz transalpin.  Où l’on découvre qu’animés par une passion commune pour le cinéma, nos trois amis ont enregistré 12 titres inspirés de films chocs (Bearzatti & Angelini, compositeurs)  : See Berg / Il fanfarone / No spring for Marnie / Mulholland / Umberto / Gena / Face à l’inconnu / Guardie e Ladri / A special day / Done it right ! / Was it you ? / L’orage.  Justes hommages à Jean Seberg, Vittorio Gassman, Gena Rowlands, Romy Schneider…

 

©Niko Rodamel

 

The Songs of England.   John Potter, Lucie Skeaping, Jo Frey & The Broadside Band.  Regis (www.regisrecords.co.uk) : RRC 1337.  TT : 76’30.

En un temps où la scène britannique folk est dominée par les musiques celtes, il n’est pas indifférent de redécouvrir celles de la vieille Angleterre.  La plupart des mélodies écossaises, irlandaises, galloises, de même que nombre de chants américains (tels ceux des Appalaches) ne plongent-ils pas leurs racines dans un répertoire proprement anglais ?  Sont ici regroupées 11 mélodies traditionnelles, interprétées par John Potter & Lucie Skeaping (Greensleeves, The Roast Beef of Old England, Rule Britannia, God save the King, The British Grenadiers, Home, sweet home…) ainsi que 12 chants interprétés par la remarquable Jo Freya (All things are quite silent, A blacksmith courted me, Geordie, Sweet England…).   Anthologique !

 

 

Les Chœurs de l’Armée rouge,  dir. Boris Alexandrov. Volume 1.  Frémeaux & Associés (www.fremeaux.com) : FA 5356.

Il s’agit là d’enregistrements historiques, sous la direction du fils d’Alexandre Alexandrov, fondateur du célèbre ensemble.  Accompagnés à l’orchestre, nous retrouvons, bien sûr, les « incontournables » : Troïka, Nastasia, Kalinka, Plaine ma plaine, et bien d’autres.  D’un monde ancien…

 

 

« La Mal Coiffée » : Òu ! Los òmes !  Label Sirventés (www.sirventes.com) : 21188013.  Distr. Autre Distribution.

« La Mal Coiffée », groupe polyphonique languedocien, c’est : Marie Coumes, Laëtitia Dutech, Hélène Arnaud, Myriam Boisserie & Karine Berny.  Dans ce 3^e album (Oh ! les hommes !), elles nous proposent 12 titres incandescents.  Livret comportant textes originaux en langue d’oc & traductions en langue d’oïl : Berceuse / Prenez du bon temps, fillettes ! / Moissons / Il faut décoiffer la mal coiffée / Le chat / Berceuse pour la petite fille / La ronde des morts / Le soir de la noce / Les tailleurs de vigne / Dis-moi Catinèl / Marion, ton pucelage / Catarina.  Furieusement roboratif !

 

Francis Gérimont.

 

Johann Georg ALBRECHTSBERGER : « Entre ciel et terre ».  Concerto pour guimbarde, viole de gambe, deux violons & basse.  Divertimento a tre pour  violon piccolo, violon & alto.  Sonate pour violon, alto & violoncelle op. 11 n°1.  Divertimento a tre pour alto, violoncelle & violone.  Sonate pour deux violons, deux violes & deux violoncelles.  Partita pour viole d'amour, flûte & violone.  Sonate II a due cori.  Christophe Coin (violoncelle & viole de gambe),  Albin Paulus (guimbarde).  Ensemble baroque de Limoges.  Quatuor Mosaïques.  Laborie : LL08.  TT : 65'40.

Voilà une rareté comme il est réconfortant d'en rencontrer !  La remise en selle d'un répertoire inédit et d'un musicien oublié, comme ce label aime à le pratiquer.  Compositeur viennois (1796-1809), Albrechtsberger, qui compta Beethoven parmi ses élèves, fut titulaire de l'orgue de l'abbaye bénédictine de Melk en Basse-Autriche, avant d'entreprendre à Vienne une prestigieuse carrière d'organiste à la cour de Joseph II puis à la cathédrale Saint-Étienne.  S'il a beaucoup écrit de musique sacrée, il ne négligea pas le domaine de la musique de chambre.  En particulier les pièces dites de tribune destinées à être jouées du haut de la tribune d'une église. La sélection de pièces que propose ce CD montre combien ses compositions appartiennent au classicisme viennois.  Alors surtout qu’Albrechtsberger aime écrire pour des formations peu ordinaires et pour des instruments rares.  Le Concerto pour guimbarde (ou « Jew's harp ») de 1791 lui adjoint la viole de gambe, deux violons, l'alto et la basse. La sonorité fort particulière du soliste s'accompagne d'un luxe d'ornementations, notamment dans les cadences.  Écrit pour un moine de Melk, virtuose dudit instrument, il offre au fil des pages des combinaisons instrumentales inédites (tel le duo de la guimbarde et de la viole de gambe).  Le finale en forme de menuet est extrêmement varié dans l'écriture quasi affolante pour le soliste, en particulier à la cadence, succession de  borborygmes les plus invraisemblables.  La Sonate « a due cori » ou « Divertimento a tre » (1759) se déploie en quatre mouvements bien différenciés dont un pimpant scherzo et un joyeux finale.  Il en va de même du Divertimento a tre de 1767 dont la particularité est de faire intervenir le violone, proche de la contrebasse.  Le dire est ample et coulant.  Albrechtsberger a beaucoup donné aussi dans le genre de la sonate d'église.  Ainsi de la Sonate pour violon, alto & cello (1794) en deux parties : un andante majestueux et une fugue allègre. Ou encore de la Sonate pour deux violons, deux altos & deux violoncelles. La Partita pour viole d'amour, flûte & violon de 1773, combinaison là encore peu usitée, apporte une note ancienne. La disposition de ses trois mouvements est, là encore, inhabituelle, plaçant un adagio au début. Enfin la Sonate II a due cori » de 1799 est la plus instrumentée du programme s'agissant d'un octuor (4 violons, 2 altos, 2 cellos) énonçant un andante grazioso (!) et une fugue.  Les forces réunies à partir de la matrice qu'est l'Ensemble baroque de Limoges dirigé par Christophe Coin qui joue aussi viole de gambe et violoncelle, et du Quatuor Mosaïques offrent des lectures aussi accomplies que pénétrantes.  Mérite le détour !

 

 

Wolfgang Amadeus MOZART : Sonate pour piano n°11 en la majeur, « Marche turque » K. 331.  Sonate n°2 en fa majeur K. 280.  Sonate n°13 en sib majeur, K. 333. Aldo Ciccolini, piano.  La dolce volta : LDV03. TT : 52'54.

Ce disque est inattendu. À 85 ans, le grand pianiste français s'en revient à Mozart.  « Mozart me fait du bien. Il m'aide à vivre » souligne-t-il.  Son analyse ne s'arrête pas là car dans une interview figurant dans la plaquette du CD, il livre son sentiment sur la manière d'interpréter cette musique pour piano : trouver le rythme juste, ce qui est différent du tempo métronomique et a à voir avec le ressenti de la musique, loin d'une approche empreinte de froide objectivité.  C'est à Elisabeth Schwarzkopf qu'il doit  d'avoir compris l'importance de ce paramètre. Pour bien servir Mozart il faut « posséder le sens de la vocalité et de la couleur » dit-il encore, et pour bien jouer ses sonates de clavier « connaître ses opéras est une nécessité ».  Le cantabile est au cœur des trois opus abordés dans ce récital.  La Sonate K. 331, écrite à Paris, est d'une coupe quelque peu inusitée : un andante à variations sur un chant populaire allemand, tour à tour tendre et énergique, comme improvisé sous les doigts de Ciccolini, un menuet et son trio d'une belle envolée, un presto « alla Turca », humoristique dans l'alternance rapide majeur-mineur.  L'atmosphère de la Sonate K. 333 est différente. La tension rythmique y est moins prononcée, notamment à l'allegro initial, très allant.  L'andante cantabile est un manifeste de l'abyssale profondeur mozartienne tandis que l'allegro grazioso nous emmène au théâtre comme deux personnes conversant.  Logée entre ces deux pièces conséquentes, la courte Sonate K. 280, composée à Salzbourg par un musicien de 18 ans, affirme déjà toute sa géniale manière.  Un allegro plein d'élan, d'une joie de vivre incroyable, suivi d'un adagio empli de gravité pour finir sur un presto éclatant d'esprit, ce que l'interprète marque d'un jeu très volontariste.  Aldo Ciccolini séduit par la clarté du phrasé, le chant maîtrisé, le refus de l'affect, la franchise des traits rapides.  Il dit avoir choisi un instrument Bechstein de préférence au Steinway, trop confortable à ses yeux et ainsi opté pour un son clair, pas enveloppé comme chez les pianos du facteur de Hambourg.  Une prise de son aérée complète le bonheur de ces exécutions.

 

 

Wolfgang Amadeus MOZART : Concertos pour piano et orchestre n°20 K. 466 en ré mineur & n°27 K. 595 en sib majeur.  Mitsuko Uchida (piano & direction).  The Cleveland Orchestra.  Universal/Decca : 478 2596.  TT : 65'51.

Pour la deuxième étape (après le couplage des n^os 23 et 24) de ce qui apparaît une seconde intégrale au disque (elle était naguère accompagnée par Jeffrey Tate), Mitsuko Uchida dirige du clavier le cultivé Orchestre de Cleveland.  Elle rapproche sur ce CD les Concertos n^os 20 et 27.  Le Concerto KV 466, un des deux seuls à utiliser le mode mineur, était admiré par Beethoven qui en écrira les cadences.  L'allegro introductif est pris ici de manière très retenue dans son introduction orchestrale mystérieuse, presque troublante.  La cadence est fière, jusqu'à un soudain changement d'une grande douceur lorsqu'elle reprend la syncope ronflante des premières pages orchestrales.  La belle Romance distille une délicate broderie jusqu'à ce que le mineur s'impose à la partie médiane, telle une éruption d'une certaine violence.  Uchida joue les traits du piano très détachés sur l'accompagnement plaintif des bois. L'agitation du finale, introduit par l'embardée de l'arpège du piano  se poursuit dans un développement volontariste, assez maîtrisé dans la présente interprétation.  Il s'équilibre peu à peu, alors que le mode repasse en majeur lors de la cadence très scandée, pour une péroraison emplie de félicité retrouvée. Le Concerto KV 595, le dernier écrit par Mozart, est empreint de mélancolie. S'y épanche un sentiment de résignation dans une orchestration raffinée. Son larghetto calme et radieux est paré par Uchida de belles ornementations.  Le rondo final est aussi d'une émouvante simplicité dans son balancement.  Quelques turbulences troublent la partie centrale jusqu'à la cadence récapitulative où la joie finit par l'emporter.  Là encore, l'interprétation de la pianiste est d'un ton mesuré. De manière plus générale, le geste pianistique est nerveux, toujours délicat, presque sans surprise et sans prise de risque.  La direction d'un effectif instrumental peu nombreux est bien rythmée, sans hâte, un brin calamistrée.   

 

 

Gioachino ROSSINI : Guillaume Tell.  Opéra en quatre actes. Livret d’Étienne de Jouy & Hippolyte Bis, assistés d’Armand Marnat & Adolphe Crémieux, d'après la pièce Wilhelm Tell de Friedrich von Schiller.  Gerald Finley, John Osborn, Malin Byström, Marie-Nicole Lemieux, Elena Xanthoudakis, Frédric Caton, Matthew Rose, Carlo Cigni, Carlo Bosi, Celso Albelo, Dawid Kimberg, Dawide Malvestro.  Orchestra e Coro dell'Accademia di Santa Cecilia Roma, dir. Antonio Pappano.  3 CDs EMI Classics : 0 28826 2.  TT : 74'16 + 79'26 + 54'33.

Chant du Cygne de Pesaro, du moins à la scène avant le long été indien que l'on sait, Guillaume Tell occupe une place à part parmi ses nombreux chefs-d'œuvre. Car il a bénéficié de diverses influences, ce qui explique le mélange de ses ingrédients : populaire, pictural et mélodramatique.  On a décrié son livret, qualifié de « réduction ab absurdum » de la pièce épique de Schiller, avec son « héros de carton sauvé de la banalité uniquement par l'énergique musique de Rossini » (Lord Darvent).  On le monte peu souvent eu égard à ses proportions et ses exigences vocales.  La récente production de l'Opernhaus Zürich fait exception (cf. notre NL de janvier 2011).  Au disque, les intégrales ne se bousculent pas non plus : l'une dirigée par Lamberto Gardelli avec Montserrat Caballé, Gabriel Bacquier et Nicolaï Gedda, un cast difficile à surpasser (Decca), l'autre conduite par Riccardo Muti à la tête de ses forces de La Scala (Philips).  Antonio Pappano fait sien maintenant ce grand œuvre.  Et de quelle manière ! À faire croire qu'il s'agit d'un opéra de chef et pas seulement de gosiers.  Indispensable, cette version l'est pour sa direction qui n'hésite pas à jouer le jeu à fond, transcendant la grandiloquence de bien des pages n'ayant de pompier que ce qu'on veut bien leur faire dire.  Dès les premières mesures de la fameuse ouverture on le comprend : une énergie farouche comme un lyrisme échevelé.  Pappano souligne à juste titre ce qui est « un immense défi architectural pour le chef ».  La maîtrise des volumes est formidable comme la place accordée aux diverses voix orchestrales.  Ainsi dans les vastes ensembles (finales du II^e acte avec ses trois chœurs ou du IV^e quasi mystique comme le sera celui de Faust de Gounod) ou lors des duos héroïques ou passionnés.  Il se régale des traits d'orchestration intéressants aussi bien martiaux que poétiques.  Une rythmique rigoureuse souligne le martèlement de la basse sous-jacente.  La couleur raffinée de maints passages est une révélation, dont les divertissements piquants et enlevés.  Son Orchestre de l'Accademia di Santa Cecilia a la sonorité idoine.  Le cast n'est hélas pas du même niveau. Le rôle-titre, loin d'être le plus spectaculaire de la pièce, est défendu avec brio par Gerald Finley qui, encore une fois, montre sa capacité d'énonciation et d'articulation.  Ce rôle de père protecteur comme le sera le Rigoletto de Verdi, n'a qu'un grand air « Sois immobile », lors de la scène de la pomme, magnifiquement chanté sur le solo du violoncelle.  Le vrai timbre de ténor rossinien se fait rare surtout lorsqu'il requiert du poids.  Pavarotti refusa de s'y risquer à La Scala.  John Osborne tient le challenge. Le mezza voce est ménagé avec goût, en particulier dans l'aria « Asile héréditaire » débordante de mélancolie. La prosodie complexe, le débit difficultueux et les riches accents en voix de tête avec une note finale filée en falsetto, tout cela est de qualité.  Si Marie-Nicole Lemieux, Hedwige, a fière allure et offre à son beau timbre grave matière à s'épanouir, le soprano sombre de Malin Byström est à la peine dans le rôle de Mathilde, il est vrai quasi impossible à distribuer.  La ductilité des vocalises devient au fil des actes plus problématique.  Reste que les curieux mélismes dont est paré le chant de cette femme héroïque offrent quelques compensations.  Du reste de la distribution le réconfort - devant le dommage infligé à la langue de Molière par quelques basses italiennes peu scrupuleuses - vient de Frédéric Caton, voix française pur jus.

 

 

Louis Ferdinand HÉROLD : Concertos pour piano & orchestre n^os 2, 3 et 4.  Jean-Frédéric Neuburger, piano.  Sinfonia Varsovia, dir. Hervé Niquet. Mirare (en collaboration avec le Palazzetto Bru Zane) : MIR 127.  TT : 59'19.

Une des faces cachées de Louis Ferdinand Hérold est bien celle du compositeur de musique d'orchestre.  Alors que le répertoire du concerto de clavier était peu apprécié en France au début du XIX^e siècle, le jeune musicien en livre, coup sur coup, quatre.  Il s'en dégage une certaine modernité. Si le premier est parvenu de manière fragmentée, ce qui explique son omission dans la présente interprétation, les trois autres méritent l'écoute.  Le Troisième (1813), écrit à la Villa Médicis, préfigure l'élan romantique.  L'allegro maestoso a grande allure, non loin de la manière de Mendelssohn.  Mais la rareté reste l'andante « con violino obligato », sans l'intervention de l'orchestre, en forme de sonate en trois parties.  Les deux instruments dialoguent de manière amusée jusqu'à une virtuose cadence du violon.  Cette intrusion d'une page chambriste est des plus étonnantes.  Le rondo final est spirituel dans son énergique énoncé et la partie soliste y déploie une manière démonstrative, ce que confirme une cadence emportée.  Le Concerto n° 4 ( Rome, 1813) est concis, quelque 13 minutes et deux mouvements.  Écrit en mineur, il est lui aussi fort attrayant dans l'allegro d'une belle envolée, là encore quasi romantique avec une fière entrée du piano et une véhémente progression.  Le rondo offre un climat schubertien dans son thème élégant et souple.  Le développement fait contraste avec ses modulations inattendues et quelque peu hardies.  Le Concerto n°2 (Paris, 1811), de vastes proportions, est d'une envergure enviable pour l'époque.  L'héroïque et le lyrique se partagent l'allegro maestoso.  Une entrée en forme de cadence du soliste préfigure un discours musclé. L'attrait reste le développement, séquence libre avec force figures acrobatiques ou plus mesurées dans le ton d'une mélodie opératique, comme du Bellini.  Le musicien d'opéra que sera Hérold n'est pas loin.  Une romance très classique distingue l'andante, une suite de variations aussi diverses qu'inventives chez le soliste et dans l'accompagnement orchestral toujours renouvelé.  La ritournelle du rondo conclusif est plaisante.  De tout cela Jean-Frédéric Neuburger, le plus jeune des professeurs actuels du Conservatoire de Paris, fait son miel : un talent sûr, élégant et transparent, une maîtrise souveraine mais aussi un flair peu commun.  Hervé Niquet partage cet intérêt pour ces musiques inédites.  On le sent, comme le pianiste, proche de la passion.

 

 

Édouard LALO : Fiesque.  Opéra en trois actes.  Livret de Charles Beauquier d'après la pièce de Friedrich von Schiller Der Verschwörung des Fiesco zu Genua (« La conspiration de Fiesque de Gênes »).  Roberto Alagna, Michelle Canniccioni, Béatrice Uria-Monzon, Franck Ferrari, Jean-Sébastien Bou, Armando Gabba, Vladimir Stojanovic, Roman Nedelec, Alexandre Swan.  Chœur de la Radio lettone. Orchestre national de Montpellier Languedoc-Roussillon, dir. Alain Altinoglu.  2 CDs Universal/DG : 476 4547.  TT : 37'45 + 75'09.

Édouard Lalo n'a pas, pour la scène, conçu que le Roi d'Ys.  Son premier opus, Fiesque, connut un sort bien curieux.  Écrit de 1866 à 1868 d'après une pièce de Schiller, dont le sujet fut également choisi par Gounod en 1864, mais sans lendemain, l'opéra fut présenté à un triple concours de musique dont les lauréats devaient voir le fruit de leur travail représenté à l'Opéra, à l'Opéra-Comique et au Théâtre-Lyrique.  Celui de Lalo ne vint qu'en troisième position.  Il dut même le faire imprimer à ses frais. Pis !  Il ne devait pas trouver preneur pour être monté : l'Opéra de Paris n'en voulut pas et La Monnaie, prête à l'accueillir en 1872, fit faillite peu avant la mise en répétition.  Il sombrera dans l'oubli jusqu'en 2006 pour être redécouvert par René Koering et être enfin créé au Festival de Montpellier.  Certes, le livret manque d'envergure - mis à part quelques belles figures pour illustrer une intrigue de conjuration menée par Fiesque contre la famille régnante de Gênes, les Doria.  On rencontrera ce même personnage dans le Simon Boccanegra de Verdi.  Pour l'heure, cette sombre histoire de conflits politico-familiaux laisse aussi à voir un fanatique républicain, déterminé à empêcher Fiesque d'accéder au pouvoir et une histoire de jalousie de l'épouse de Fiesque, laquelle n'apprécie guère les sentiments de celui-ci pour Julie Doria.  Mais la musique ne manque pas d'intérêt, ce que la direction d'Alain Altinoglu, habitué des découvertes estivales de Montpellier, démontre à l'envi.  Lalo a puisé dans certaines de ses compositions passées.  Il en recyclera d'ailleurs le matériel dans ses œuvres ultérieures dont Le Roi d'Ys précisément, Néron, pantomime chorale, et des pièces instrumentales.  L'inspiration est souvent proche de Meyerbeer, dans les ensembles en particulier.  Le langage a recours aux harmonies chromatiques.  Il a de la flamme à revendre et de quoi traiter des scènes de genre comme le bal masqué où Fiesque marivaude avec Julie.  Cet échange est précédé d'un chœur dansé fort bien troussé durant lequel Fiesque accueille ses invités.  La vigueur du discours le dispute à la fraîcheur de l'expression, presque naïve.  L'exécution en concert dont est issu le disque fait la part belle aux chanteurs, Roberto Alagna en tête.  Le monologue du II^e acte, titré « le rêve de Fiesque » a grande allure, évoquant les aspirations de celui-ci à la richesse et au pouvoir.  La pureté de la diction du ténor et son refus de l'emphase font merveille, tout comme une brillante quinte aiguë.  La distribution est équilibrée, plus encore chez les messieurs que chez les dames : Frank Ferrari campe de sa solide voix de basse le personnage de Verrina sombre et négatif et Jean-Sébastien Bou celui de l'histrion Hussan avec esprit et un timbre de baryton bien typé.  On eût aimé meilleure intégration des diverses prises pour unifier la mise en scène sonore.

 

 

« Live in Zaragoza ».  Enrique GRANADOS : Goyescas.  Heitor VILLA-LOBOS : Bachiana brasileira n°4 pour piano.  Carlos FARINAS : Alta Gracia. Ignacio CERVANTES :  Danzas cubanas (extraits).  Ernesto LECUONA : Malagueňa.  Jorge Luis Prats, piano.  Universal/Decca : 478 2732.  TT : 81'51.

Le pianiste cubain Jorge Luis Prats, un colosse aux doigts d'argile, fut finaliste du concours Long-Thibaud en 1977 aux côtés d’Ivo Pogorelich.  Formé par les plus grands, Witold Malcużyński, Magda Tagliaferro et Paul Badura-Skoda, il possède une technique impressionnante.  S'il s'inscrit dans la lignée de son compatriote Jorge Bolet, c'est bien sûr à Alicia de Larrocha qu'on pense devant le programme ibérique de ce récital enregistré live à Saragosse.  Les Goyescas de Granados composent une musique luxuriante et complexe dans quelque évocation idéalisée de Goya.  Ce sont successivement le volubile morceau « Les compliments », l'échange fort contrasté de « Dialogue à la fenêtre », la rythmique obstinée et ses notes piquées de « Fandango à la chandelle », les arabesques enjolivées de « Complainte » dotées de trilles immatériels, la tempête de « Il Pelele », le pantin qu'on lance en l'air, avec ses scansions animées et un jeu de plus en plus jouissif.  Un accord massif introduit la dernière pièce, « L'amour et la mort » : le contraste est saisissant et Granados exige de l'interprète d'évoquer « comme un bonheur dans la douleur ».  Prats libère l'impact de l'extrême grave du piano et des effets massifs puis soudain la poésie la plus éthérée au ton espagnol si attachant.  Chantre de son Brésil natal, Heitor Villa-Lobos le célèbre dans ses Bachianas brasileiras.  La série n°4 est d'un grand classicisme cependant.  Le « Prélude » est sérieux et ample, « Cotel » chante le folklore à la main droite sur une large pédale de basse, « Aria » débute solennel avant de se muer en une danse animée de plus en plus rythmée.  Enfin « Dança » termine le cycle dans une belle animation.  Trois longs bis complètent le récital : « Alta Gracia » de Carlos Farińas (1934-2002) cultive le rythme particulier des grands écarts tout comme le grave de l'instrument.  Cette musique moderniste est grisante.  De Ignacio Cervantes (1847-1905), les Danses cubaines au charme naïf sont fort attractives avec quelques relents de samba et claquettes obligées sur le bois du piano !  Enfin Malagueña d’Ernesto Lecuona (1895-1963) est brillant dans ses gammes dévastatrices et son thème déclamatoire.  Les interprétations de Jorge Luis Prats sonnent aussi vivantes que colorées.  

 

 

Gabriel FAURÉ : Messe de Requiem op. 48 en ré mineur, pour soprano, baryton,  chœur mixte, orgue & orchestre.  Cantique de Jean Racine, op. 11 pour chœur mixte & orchestre.  Élégie op. 24 pour violoncelle & orchestre.  Pavane op. 50 pour chœur mixte & orchestre. Super flumina Babylonis pour chœur mixte & orchestre.  Philippe Jaroussky, contre-ténor, Matthias Goerne, baryton, Éric Picard, violoncelle.  Chœur de l'Orchestre de Paris, Orchestre de Paris, dir. Paavo Jarvi.  Virgin Classics : 50999 088470 2.  TT : 67'46.

L'agnostique Fauré a sans doute composé l'un des plus beaux Requiem de l'histoire. Un des plus originaux aussi.  Ainsi ne comporte-t-il pas de Dies irae à part entière, cette séquence étant incorporée au Libera me.  La gestation en fut longue. La première version de 1888 ne comportait que 5 mouvements.  Celle pour grand orchestre, créée par Paul Taffanel lors de l'Exposition universelle de Paris en 1900.  Abondant en modes antiques, son atmosphère est plus compatissante que religieuse.  Fauré dira de ce requiem qu'il est « doux comme moi-même ».  On n'y compte pas les bonheurs : l'ampleur de l'Introït, la douceur consolatrice de l'Offertoire, la transparence du Sanctus, marqué par le doux balancement des arpèges de la harpe, la fabuleuse ligne éthérée du Pie Jesu ou encore la vision séraphique de l'In Paradisium qui transporte bien au-delà des mots et des notes.  La présente exécution se signale par sa rigueur : Paavo Jarvi adopte des tempos retenus.  On mesure le travail de cohérence déjà accompli avec l'Orchestre de Paris en quelques mois (l'enregistrement en concert date de février 2011) : cordes graves soyeuses, pupitres de bois soignés, violons au son plus plein, quoique pas encore assez lisse.  Surtout, il sait habiter son interprétation.  Le chœur est éloquent dans son approche faite de discrétion et les solistes d'une fervente pureté. L'idée de confier le Pie Jesu non à une soprano mais à un contre-ténor n'est pas neuve.  Elle prend cependant ici une dimension nouvelle car la voix de Philippe Jaroussky est proche du sopraniste, ce qui confère à son intervention quelque candeur.  Matthias Goerne apporte pareille ferveur élégiaque à l'Hostias, murmuré telle une prière, comme au Libera me, aspiration à la délivrance.  Le CD est complété par diverses pièces passionnantes. Le Cantique de Jean Racine (1865), qui valut à Fauré un premier prix de composition, introduit cette modulation et ce rythme répétitif qui caractériseront sa musique et une belle mélodie dépourvue de grandiloquence.  Élégie pour violoncelle (1880), au geste tantôt discret tantôt ample, ne se départit pas de quelque mélancolie (magistrale exécution d’Éric Picard).  Pavane, contemporaine du Requiem, avec son solo de flûte dans le grave, offre des modes archaïsants, là encore nimbés de mélancolie.  Moins connu (c'est une 1^re au disque), est la pièce titrée « Super flumina Balylonis » de 1863, tirée des Psaumes, vaste lamento du peuple hébreu exilé.  Le chœur mixte fait place à un quatuor de solistes pour énoncer la plainte, la colère, la révolte puis la résignation en des pages saisissantes.  L'orchestre est curieusement composé (bois par deux, quatre cors, trois trombones, timbales & cordes).  Là encore l'interprétation de Jarvi et de ses forces parisiennes est de fort belle facture.

 

 

Gabriel FAURÉ : « Intégrale de la musique de chambre pour cordes & piano ».   Sonates pour violon & piano n°1 op. 13 et n°2 op. 108.  Pièces pour violon & piano : Berceuse op.16, Romance op.28, Andante op.75, Morceau de lecture.  Sonates pour violoncelle & piano n°1 op. 108 et n°2 op. 117.  Pièces pour violoncelle & piano : Élégie op. 24, Papillon op. 77, Romance op. 68, Sérénade op. 98, Sicilienne op. 78. Trio pour piano op. 120.  Quatuor à cordes op. 121. Quatuors pour piano n°1 op. 15 et n°2 op. 45.  Quintettes pour piano n°1 op. 89 et n°2 op. 115.  Morceau de lecture pour deux violoncelles.  Renaud Capuçon (violon), Gautier Capuçon, Raphaël Merlin (violoncelles), Gérard Caussé (alto), Michel Dalberto, Nicholas Angelich (piano). Quatuor Ebène. 5 CDs Virgin Classics : 070825 2 3. TT :  67'05 +  62'52 + 44'45+69'02 + 68'3.

On peut être réticent devant les coffrets encyclopédiques. Mais non pas lorsqu'il s'agit de Fauré et de sa musique de chambre.  Encore moins devant pareilles interprétations !  Les fins musiciens réunis sous la houlette de Renaud Capuçon mettent en avant la transmission de quelque secret, d'une manière de sentir et de jouer si typiquement française.  Le mélange des générations y est aussi pour beaucoup : les aînés (Dalberto, Caussé) côtoient les jeunes loups (les frères Capuçon, Angelich, le Quatuor Ébène).  Fauré c'est une émotion esthétique rare, ce que Vladimir Jankélévitch appelle « le je-ne-sais-quoi » ( in : Fauré et l'inexprimable, Plon, 1974).  Les compositions de musique de chambre s'articulent en trois périodes : la première est séduisante et lumineuse, aux harmonies chatoyantes quasi irrésistibles dès la première écoute ; la deuxième est plus concise car elle est celle de la maturité ; la dernière, la plus prolixe, abstraite, tournée vers l'intérieur, ne se laisse pas aisément apprivoiser.  C'est que le chemin vers l'ascèse est exigeant.  Les présentes exécutions sont ordonnées par genre.  Les deux sonates pour violon ouvrent le bal. La Sonate op. 13 (1877) est d'un lyrisme lumineux et y « plane un charme qui enveloppe l'œuvre entière et fait accepter à la foule des auditeurs ordinaires, comme choses toutes naturelles, les hardiesses les plus imprévues » dira Saint-Saëns.  Les deux derniers mouvements, allegro vivo puis quasi presto sont pris par Renaud Capuçon et Michel Dalberto à une allure modérée.  La Seconde Sonate pour violon (1917, dédiée à Caplet & Cortot) est plus dense, offrant déjà cette quintessence qui sera le maître mot de toute la production chambriste fauréenne. Tout y est d'une concision redoutable, comme ramassé autour de quelques thèmes choisis.  La progression est presque obsédante, l'archet modulant à satiété sur une ondulation du piano interrompue par des conclusions abruptes. L'interprétation de Renaud Capuçon, quoique n'évitant une légère dureté dans l'extrême aigu, est d'une immense musicalité.  Et c'est plaisir d'entendre Michel Dalberto, si rare dans les studios.  Les petites pièces pour cette même formation sont purs joyaux telle la Berceuse (1879) dont la suave harmonie ne peut laisser indifférent.

Les morceaux pour violoncelle et piano ne sont pas moins désirables.  La Première Sonate op. 109 (1927) signale la pureté formelle, l'élan et le chemin d'ascèse : un long soliloque intérieur enlumine l'andante dont les modulations sont fondées sur l'enharmonie.  La progression en forme de ballade se prolonge au finale dans la plus parfaite abstraction.  La Seconde Sonate op. 117 (1921) est d'une séduction plus immédiate quoique, là encore, le message demeure plus ou moins caché.  Les morceaux isolés pour le violoncelle sont bien connus dont Élégie op.24, brûlant épanchement se développant par paliers successifs, Papillon op. 77, pièce brillante et tendre, Romance op. 69, triomphe de la modulation fauréenne telle une mélodie vocale, Sicilienne op. 78, à l'origine incluse dans une musique de scène du Bourgeois Gentilhomme puis intégrée, dans sa version orchestrale, à la suite d'orchestre Pelléas et Mélisande.  Le Trio pour piano & cordes op. 120 (1922/1923) fut presque « dicté » à Fauré par son éditeur Durand : malade, le musicien parviendra malgré tout à élire ce genre nouveau.  Le geste y est ample comme les chutes, en fin de parcours, abruptes.  Les trois instruments sont traités avec tendresse même si les deux cordes dans leur effusion créent cette ardeur polyphonique typique de la dernière manière.  Le Quatuor à cordes op. 121 marque aussi l'unique incursion de Fauré dans ce genre si délicat.  Il lui aura fallu attendre le grand âge pour le coucher sur le papier.  Mais quelle beauté : une adieu non pas déchirant, mais apaisé.  On a déjà dit tout le bien de l'interprétation du jeune Quatuor Ébène, inscrite dans un CD rapprochant cette pièce des quatuors de Debussy et de Ravel.  Il est dommage que la plaquette du nouveau coffret omette de donner des indications sur cette œuvre particulière. 

Les quatuors avec piano sont au cœur de la production chambriste. Le Quatuor n°1 op. 15 (1880) marque le premier essai de Fauré dans le genre piano et cordes. Et un coup de maître !  Il lui aura pourtant fallu deux ans pour en mener à bien l'écriture, mélange subtil du majeur et du mineur.  Admirables y sont les unissons délicieux, les traits solistes délicats dont un piano « liquide », un lyrisme souverain sans parler de la rythmique sautillante du finale au lyrisme débridé. Le Second Quatuor op. 45 (1887), contemporain du Requiem, est plus développé encore et généreux. C'est pour Jankélévitch « l'œuvre rayonnante de la maturité ».  La coupe en quatre mouvements distille, entre autres, le jaillissement de l'allegro initial aux élégantes harmonies des cordes, comme le tourbillon de l'allegro suivant, scherzo vertigineux dont le piano brode le dessin (merveilleux Angelich).  Que dire encore du chant nocturne de l'adagio marqué par la cantilène de l'alto et dont les ultimes pages transportent vers quelque au-delà ! La lecture des Capuçon's, Caussé, Dalberto (n°1) et Angelich (n°2) est une merveille d'équilibre.  Les quintettes offrent autant de félicités.  Le Premier Quintette offre dans son flux continu une sorte de mouvement perpétuel seulement interrompu par quelques soubresauts.  Le geste est ample sans rien perdre de sa transparence. Fauré aura peaufiné cette pièce durant de longues années, de 1891 à 1906.  Le Second Quintette op. 115 (1921) est plus introverti. Se signalent un moderato initial aux vastes crescendos conduisant à une sorte d'apothéose, un andante au chant soutenu des cordes sous les arabesques du clavier.  Le dire fauréen y est de l'ordre de l'impalpable, de l'indéfinissable, de l'ineffable.  Mais toujours fidèle à un style unique, un langage fondé sur l'ambiguïté tonale-modale-chromatique selon Jean-Michel Nectoux.  Une somme indispensable !

 

 

Roberto ALAGNA : « Mes plus grands rôles à l'Opéra ».  Extraits de Roméo et Juliette (Gounod), Werther, Manon (Massenet), Carmen (Bizet), Lucie de Lammermoor (Donizetti), Don Carlos, Le Trouvère (Verdi), La Bohème, Tosca, La Rondine, Gianni Schicchi, Le Villi (Puccini).  Roberto Alagna (ténor).  Avec Angela Gheorgiu, Natalie Dessay, Inva Mula, Leontina Vaduva, Karita Mattila (sopranos), Waltraud Meier, Larissa Diadkova (mezzo-sopranos), Thomas Hampson (baryton), José van Dam (basse).  Orchestre du Capitole de Toulouse, dir. Michel Plasson. Orchestre de l'Opéra national de Lyon, dir. Evelino Pidò. LSO, Orchestre symphonique de La Monnaie, Orchestre de Paris, Philharmonia Orchestra, dir. & piano : Antonio Pappano.  3 CDs EMI Classics : 6789782 7.  TT : 75'39 + 79'50 + 66’58 & bonus.

À l'occasion de la rentrée de Roberto Alagna à l'Opéra Bastille dans Faust, sa maison de disques met sur le marché un album généreux regroupant ses « plus grands rôles ».  En fait, dix de ses rôles de prédilection auxquels il ne manque que ledit Faust...  Pour ce faire, on a puisé dans les enregistrements maison effectués entre 1996 et 2003.  Des trésors assurément.  Telle cette version française de Don Carlos, donnée naguère au Châtelet, où le ténor émeut par sa juvénilité comme dans le rôle de Mario de Tosca.  Le choix est judicieux. Et si on préfère pour La Bohème sa prestation captée ultérieurement pour Decca avec Gheorgiu, et si on rechigne à apprécier un Trouvère jusqu'au-boutiste, le ténor outrepassant les limites de sa tessiture favorite, voilà bien des interprétations de référence.  On y admire un engagement légendaire.  Car Alagna ne se ménage pas, il se donne à fond que ce soit à la scène ou en studio.  La tension qu'il apporte à cet exercice sans public rejoint celle de ses apparitions au théâtre.  Le refus du  faux-semblant, même lorsqu'il s'en tient à un parti pris de vedettariat.  La leçon de style encore dans une ligne de chant soignée jusqu'au détail.  Une diction idéalement articulée, en français notamment. On peut en juger non seulement par les « grands » airs émaillant ces divers rôles mais aussi lors de scènes entières.  Ses partenaires appartiennent à la crème des solistes vocaux, celle fort riche de l'écurie EMI-Virgin : Angela Gheorgiu bien sûr, avec laquelle il forma ce fameux couple qui orna tant d'intégrales et monuments du répertoire au tournant du siècle.  On ne lésinait pas alors à enregistrer une nouvelle interprétation.  Il y a aussi Dessay dans la production, donnée à Lyon, de Lucie de Lammermoor, version française si attachante du chef-d'œuvre de Donizetti.  Ou encore le fabuleux tandem Mattila-Meier enflammant Don Carlos.  Ces dix rôles et faire-valoir du ténor ne suffiront pas à cerner le phénomène Alagna.  Parmi tant d'autres, célèbres et moins connus, il y a désormais le Fiesque de Lalo (voir ci-dessus).  Et cela devient même peu pour l'infatigable ténor qui, après un long passage à travers d'autres contrées, recentre, ces temps, ses activités sur le cœur de métier.  Ne se promet-il pas d'aborder sous peu Maurizio d'Adrienne Lecouvreur, Calaf de Turandot, voire même d'aborder Gluck à Garnier.  Pour l'heure ce coffret est un must pour tous ses admirateurs et sans doute plus encore pour ceux qui ne connaissent pas encore ses interprétations.  Ils peuvent être assurés d'entendre un florilège de pages parmi les plus inspirées du répertoire interprétées par un de ses plus ardents avocats.

 

Jean-Pierre Robert.

 

DVDs

Gustav MAHLER : Symphonie n° 9.  Lucerne Festival Orchestra, dir. Claudio Abbado.  Accentus Music & Arte Edition : ACC20214.  TT : 95'.

Ce DVD est la captation du fabuleux concert donné lors du Festival de Lucerne 2010. Sommet de l'œuvre orchestrale de Mahler, sa Symphonie n° 9 se compose de trois parties : l'andante comodo initial marqué par le pressentiment de la mort, les deux mouvements centraux, un Ländler en forme de valse presque moqueuse suivi d'un rondo burlesque que distingue un frénétique fugato, enfin le vaste adagio  métaphysique final où, peu à peu, se désagrège la matière sonore. L'exécution de Claudio Abbado est lumineuse et pénétrante, la simplicité triomphant des textures les plus tourmentées.  D'une totale lisibilité aussi, allégeant la coulée mystérieuse de Mahler. Elle étire le temps dans une maîtrise peu commune du silence. Son orchestre - constitué de solistes renommés qu'on a plaisir à retrouver au fil de l'image, les Gutman, Meyer, Zoon ou autres membres des Berliner Philharmoniker et du Mahler Chamber Orchestra - ménage un son d'une rare limpidité. L'intérêt du DVD est de montrer le détail de la gestuelle du grand chef, l'empathie évidente avec cet idiome musical magnifiant l'orchestration si différenciée de Mahler et les combinaisons originales, parfois bizarres d'instruments.  Comment aussi il amène ses musiciens au bout d'eux-même à l'écoute de la moindre inflexion. L'immense andante comodo livre des oppositions de dynamiques inouïes et des transitions magistralement amenées. Ainsi de la péroraison douce d'où émergent la clarinette puis la flûte, bientôt relayée par le solo de violon. La valse du Ländler au rythme arraché mais non cassant laisse affleurer le grotesque et le rondo burlesque apporte son lot d'assemblages de timbres curieux.  Abbado allège soudain le débit et la résolution finale laisse pépier les bois sur les grands arpèges de la harpe puis l'envoûtant solo nocturne de l'alto.  L'adagio est abordé ample avec ses phrases qui s'agrègent les unes aux autres dans un crescendo fervent, longue montée vers une sorte d'au-delà.  L'ultime séquence progresse de plus en plus lente et ppp sur d'imperceptibles impulsions du chef et une accentuation des silences.  La prise de vues restitue l'atmosphère d'un moment d'exception : visages concentrés des musiciens, expression tendue du chef pétrissant avec tendresse une pâte qu'il épure doucement.  Un beau sourire furtif s'en échappe parfois, comme timide.  Le dernier mouvement verra une nouvelle manière de saisir le travail d'Abbado, filmé de plus près, offrant le seul visage transfiguré par un bonheur interne et le bras puis la main gauche modelant la vague sonore tandis que l'éclairage se fait plus tamisé sur le plateau.  À voir et à méditer !

 

Jean-Pierre Robert.

 

Mark-Anthony TURNAGE : Anna Nicole.  Eva-Maria Westbroek (Anna Nicole), Gerald Finley (l’avocat Stern), Alan Oke (J. Howard Marshall II), Susan Bickley (la mère), Peter Hoare (Larry King). Chœur & Orchestre du Royal Opera Covent Garden, dir. Antonio Pappano.  Mise en scène : Richard Jones.  Décors : Miriam Buether.  Costumes : Nicky Gillibrand.  Réalisation pour la BBC : Francesca Kemp.  Opus Arte : OA 1054 D.

Si vous n’avez pas peur des couleurs flashy ni du mauvais goût volontairement poussé jusqu’à un étalage criard, vous ne vous ennuierez pas ! C’est qu’il s’agit, en nous jetant à la figure les dépravations de la société médiatique, d’en dénoncer vigoureusement les criminelles déviations à travers une histoire lamentablement vraie.  Souvenez-vous : au cours des années 90, on avait beaucoup parlé de cette playmate qui avait réussi à se faire épouser par un (plus qu’) octogénaire libidineux, milliardaire du pétrole.  Le livret de Richard Thomas, excellemment troussé (or un découpage théâtral efficace n’allait pas de soi, à partir de ces éléments d’actualité), nous raconte toute l’histoire de cette bimbo issue d’une minable bourgade du Texas, devenue strip-teaseuse dans un bar : pour attirer plus de regards masculins, donc plus d’argent, elle passe sous le bistouri d’un chirurgien esthétique peu scrupuleux qui l’orne d’énormes implants mammaires en silicone (au prix d’un invincible mal de dos, donc d’une fatale dépendance médicamenteuse), avec pour résultat le riche mariage sus-mentionné.  Sans surprise, le vieillard (joyeusement campé par Alan Oke, qui simule des gestes parkinsoniens mais déploie une santé vocale sans faille) décède vite, et des années de conflit judiciaire ne résoudront pas la question de l’héritage, tandis qu’Anna Nicole sombre dans la drogue, l’obésité, et dans les bras de l’avocat véreux pourvoyeur de substances toxiques (magnifique Gerald Finley, plus connu pour ses incarnations mozartiennes si réussies), entraînant dans sa déchéance son fils qui meurt d’une overdose avant qu’elle ne connaisse le même sort.  Mais le sel de l’histoire est que cette déchéance se déroula sous les objectifs vampiriques des cameramen et photographes (une scène, dans l’opéra, reconstitue même le talkshow du célèbre Larry King), et que l’on assista – peut-être pour la première fois, mais pas la dernière, hélas ! – à  l’engrenage de la trash-TV fabriquant de toutes pièces l’hyper-célébrité d’une personne qu’aucun mérite n’aurait dû destiner à cela (bien au contraire !), jusqu’à l’enfoncer dans sa spirale infernale.

Pour répondre à la commande que lui avait passé Covent Garden (nous voyons ici la représentation du 26 février 2011), le musicien anglais Mark-Anthony Turnage, qui ne s’encombre pas de préjugés esthétiques, réagit en fait à l’américaine, s’insérant dans un concept de "show" où le librettiste et le metteur en scène font jeu égal avec lui pour "composer" le spectacle.  Très américaine aussi, sa musique intégrant des éléments venus de la comédie musicale, et des sonorités jazzy ou pop.  Mais quelle postérité attend cette partition ? Nous ne cessons de réécouter au disque des opéras du passé aux livrets impossibles, sans le secours visuel du spectacle scénique, pour la seule beauté de leur musique qui vit de sa génialité propre.  Ici, nulle trace d’originalité créatrice chez Turnage : son style fonctionnel de "musical" s’intègre efficacement à ce que l’on voit sur scène, et sa part est indissociable de l’ensemble. Écoutée séparément, elle ne se distinguerait par rien de personnel.  La mise en scène drolatique s’appesantit sur le kitschissime "made in USA" pour mieux le caricaturer.  Le librettiste n’a pas fait dans l’économie, puisque l’ouvrage aligne un grand nombre de personnages, et l’on doit féliciter la troupe britannique qui évolue avec tant d’aisance dans la parodie. Naturellement, la palme revient à la soprano Eva-Maria Westbroek, qui ose une incarnation débridée, de l’aguicheuse "putain" (le mot "whore" figure bien dans le livret) à la naïveté d’une fille immature propulsée dans une histoire qui la dépasse.  Il n’est pas inutile de voir la cantatrice au naturel dans l’interview proposée en bonus, belle femme aux formes "normales" et à l’élégance sobre, pour mesurer l’inénarrable composition d’actrice qu’elle accomplit dans ce rôle.  Il faut aussi mentionner Susan Bickley, qui réussit une incarnation pleine de nuances de la mère réprobatrice. Le spectacle de notre temps renvoyé aux spectateurs de notre temps...

 

 

Giacomo PUCCINI : Turandot.  Maria Guleghina (Turandot), Marcello Giordani (Calaf), Marina Poplavskaya (Liù), Samuel Ramey (Timur), Charles Anthony (Altoum), Joshua Hopkins (Ping), Tony Stevenson (Pang), Eduardo Valdes (Pong). Chœur & Orchestre du Metropolitan Opera de New York, dir. Andris Nelsons.  Mise en scène et décors : Franco Zeffirelli.  Costumes : Anna Anni et Dada Saligeri.  Réalisation : Gary Halvorson.  Decca (HD Live) : 074 3426.

La célèbre production de Zeffirelli au Met peut concourir pour le titre de mise en scène la plus chère du monde. Un fastueux picturalisme y occupe chaque centimètre carré de la vaste scène new-yorkaise, les costumes étalent une beauté à couper le souffle.  Mais pourquoi, à l’intérieur de la même société (Universal), nous resservir sous étiquette Decca cette mise en scène dans une reprise du 7 novembre 2009, alors que nous l’avions déjà chez DGG dans une version de 1988 autrement plus gratifiante.  Car, quitte à en avoir plein les mirettes, autant en avoir aussi plein les oreilles !  Le spectacle de 1988 alignait, sous la baguette de James Levine, les souffleries d’orgue de Plácido Domingo et Eva Marton, la bouleversante et pure Leona Mitchell (Liù), Paul Plishka (Timur), le trio enjoué Brian Schexnayder, Allan Glassman, Anthony Laciura (Ping, Pang, Pong), et le vénérable déjà âgé de 86 ans !) en Altoum.  On a donc l’impression de revoir aujourd’hui le spectacle en petites pointures.

Marcello Giordani s’en tire comme il peut (ah, la prononciation de Nessu- -orma !), mais n’est pas Domingo qui veut ; Maria Guleghina ne semble absolument pas concernée par ce qu’elle raconte, que ce soit dans son jeu inexistant voire carrément maladroit, ou dans son chant monotone à force de traits épais.  Les trois chambellans manquent de vivacité, dans leur jeu comme dans leur diction, Marina Poplavskaya s’écoute chanter, donc livre une interprétation fort extérieure, Samuel Ramey n’est plus en état d’assurer la tenue de sa voix, Charles Anthony (dont on fêtait les 55 ans de carrière au Met) nous la joue sénile, faisant passer Hugues Cuénod pour un jeune homme. La direction d’Andris Nelson manque de majesté et d’épanouissement dans le lyrisme ; de surcroît, la mise en place entre orchestre et plateau accuse des flottements (surtout au I^er Acte).  Et que dire de la grossière interruption qu’il inflige au flux musical pour laisser le public acclamer Marcello Giordani après un Nessun dorma qui n’en mérite pas tant !  Même les maquilleuses ne sont plus ce qu’elles étaient, et l’on s’amuse des faux plis gondolant les crânes en latex des chambellans.  Alors, si vous voulez vraiment vous extasier devant une Chine de rêve, reprenez le DVD de chez DGG.

 

 

Giuseppe VERDI : Aida.  Violeta Urmana (Aida), Johan Botha (Radamès), Dolora Zajick (Amneris), Carlo Guelfi (Amonasro), Roberto Scandiuzzi (Ramfis), Stefan Kocán (le Roi).  Chœur & Orchestre du Metropolitan Opera de New York, dir. Daniele Gatti. Mise en scène : Sonja Frisell. Décors : Gianni Quaranta. Costumes : Dada Saligeri. Réalisation : Gary Halvorson.  2DVDs Decca (HD Live) : 074 3428.

Autre « recyclage », la production de Sonja Frisell, très inspirée des monuments égyptiens, que DGG (toujours en 1988) avait publiée avec Plácido Domingo et Sherrill Milnes sous la direction de James Levine !  Mais une confrontation supplémentaire se déroule sous la même étiquette Decca, puisque son catalogue affiche l’Aida du 7 décembre 2006 à la Scala de Milan, dans la mise en scène pharaonique (cela s’impose !) de Franco Zeffirelli et sous la baguette de Riccardo Chailly : or le DVD milanais, outre Roberto Alagna qui rencontra là les déboires que l’on sait, réunissait déjà Violeta Urmana et Carlo Guelfi.  La cantatrice lituanienne, ex-mezzo soprano grimpée à l’assaut des rôles de soprano, assume plutôt bien le passage des ans (le présent DVD nous restitue le spectacle du 24 octobre 2009), mais le baryton, déjà déplaisant à entendre en 2006 en raison de son timbre peu séduisant et d’un vibrato instable, ne s’est pas arrangé ; de toute manière, on connut d’autres Amonasro à l’interprétation moins monolithique quant à la psychologie du personnage.  Passons sur les basses (Ramfis, le Roi) à la voix mal assurée (défaut qui devient endémique), et sur une Amnéris peu inspirante, quand son jeu théâtral n’est pas franchement ridicule.

À l’opéra, le dilemme est souvent entre des interprètes (mâles ou femelles) à la silhouette de top modèle mais au réservoir d’air cachexique, ou des physiques à la Botero abritant des soufflets de forge dans leur cage thoracique, ce qui s’avère tout de même bien utile pour affronter les grands rôles dans de vastes théâtres.  Fermons donc les yeux et saluons en Johan Botha, éminent wagnérien, l’un des rares ténors à chanter l’air fameux Celeste Aida  avec les nuances et les paliers de pp, ppp, et jusqu’à pppp détimbrés, réclamés par le compositeur (la référence absolue demeurant Carlo Bergonzi dans son anthologie des airs pour ténor de Verdi parue en coffret chez Philips) ; à entendre bramer tant de ténors, peu de gens savent que l’ultime sib aigu de l’air est marqué pp morendo !  Ailleurs encore, au IV^e Acte notamment, Johan Botha chante toutes les sfumature de dynamiques soigneusement indiquées par Verdi.  Convenez que ces dégradés requièrent autrement plus de contrôle du souffle que la facilité consistant à clamer le rôle (et pas seulement Celeste Aida) toutes voiles dehors, travers auquel n’échappe pas Roberto Alagna lors du spectacle milanais où il accumule tout du long les pires conventions du ténor "héroïque", gestes compris.  Mais le Radamès sculpté par un compositeur au sommet de sa maturité en 1870, ce n’est pas cela, et sachez, chers lecteurs, qu’en écoutant le rôle interprété par Johan Botha, vous entendrez la partition de Verdi, vertu si exceptionnelle qu’elle mérite d’être soulignée.  De même, si les baguettes de James Levine et de Riccardo Chailly emmenaient les troupes avec éclat, l’on remarque chez Daniele Gatti, dès les premières notes du Prélude, une finesse de phrasé, une souplesse agogique qui font merveille dans les pages impressionnistes de l’Acte du Nil.  Certes, on eût aimé une direction d’acteurs animant les décors et costumes fidèlement "à l’antique", certes le DVD milanais marquait un net avantage en matière de chorégraphie, mais on conseille tout de même un détour par ce spectacle new-yorkais pour le chant nuancé de Johan Botha et la direction, d’une musicalité attentive, de Daniele Gatti.

 

 

Robert SCHUMANN : Manfred.  Chœur du Städtischen Muzikvereins zu Düsseldorf, Düsseldorfer Symphoniker, dir. Andrey Boreyko.  Avec cinq comédiens dont Johann von Bülow (Manfred), Dieter Prochnow (l’Abbé) et quatre solistes vocaux.  Création visuelle de Johannes Deutsch.  Réalisation pour la ZDF/Monarda Arts : Ellen Fellmann. Arthaus : 101 575.

Très original spectacle que celui-ci, monté pour le bicentenaire du musicien dans la ville et avec les forces qu’il dirigea en son temps... même si Manfred fut (secours immanquable !) créé par Liszt à Weimar.  Schumann a composé une suite de numéros qui ne constituent pas à proprement parler une musique de scène, puisque le poème Manfred de Byron n’est pas du théâtre, tout en représentant une forme sublimée de commentaire scénique, puisque Byron décrit son ouvrage comme du « théâtre mental » (vous me suivez ?).  Autant dire que l’objet musical non identifié de Schumann est rarement joué dans son entier (seule l’Ouverture figure au programme des orchestres) car il existerait difficilement de manière autonome.  Alors Düsseldorf choisit de l’honorer par une mise en scène que les moyens actuels rendent plus fidèle à l’objectif originel : la musique est insérée à sa juste place dans le texte de la traduction allemande de Karl Adolf Suckow (1839) qu’utilisa Schumann (rassurez-vous, des sous-titres vous sont proposés), et Johannes Deutsch l’accompagne d’une création vidéographique projetée sur un écran en forme d’œil, s’inscrivant judicieusement sous la coupole de la splendide Tonhalle de Düsseldorf, ex-planétarium.  Le traitement électronique des images superpose des strates rendues surréalistes (les montagnes suisses du décor rêvé de Byron, des  silhouettes fantomatiques) et nuancées de très beaux jeux de couleurs, tandis que l’acteur principal (qui s’appelle von Bülow, cela ne s’invente pas !), enfermé et filmé dans une capsule suspendue au-dessus de l’écran, n’apparaît que par son visage projeté en surimpression du flux d’images.  L’invention du microphone permet de rendre mieux justice au concept de monologue intérieur de Byron commenté en douceur par les états d’âme musicaux de Schumann : le comédien peut murmurer son texte, il sera de toute manière entendu, et dosé en fonction de l’orchestration dans les passages où il fonctionne en mélodrame.  Dimension surréaliste aussi, quand sa voix venue d’ailleurs dialogue avec des personnages présents sur le plateau. Cette création doit donc tout à la technologie moderne, mais elle restitue enfin l’imaginaire fantasmé des deux génies romantiques.

 

 

“HOLST in the bleak midwinter”, un film documentaire de Tony Palmer.  Gonzo Multimedia : TP-DVD173 (distr. Codaex).

La structure assez “fouillis” de ce documentaire n’aidera pas les non-initiés à situer Gustav Holst dans l’histoire musicale de son pays et de son époque.  Les spectateurs ayant au préalable de claires notions de sa biographie et des styles anglais pourront picorer ici et là quelques notations intéressantes. On eût souhaité un portrait clairement construit et musicalement instructif de cette figure attachante qui mériterait d’être mieux approfondie au-delà du succès planétaire des seules... Planètes.  Mais combien d’autres œuvres de valeur ignorées de ce côté-ci de la Manche !  Indiquons à ce propos à nos lecteurs toulousains que le Chœur du Capitole donnera, le 14 mars 2012, les Hymnes choraux tirés du "Rig Veda" (Holst avait appris le sanskrit), au sein d’un alléchant programme comportant également des pièces de Janáček et Ghedini.  Immanquablement, des images indissociables d’un certain "folklore" anglais feront pouffer de rire les "froggies" (nous vous en laissons la surprise !).  Une délicieuse vieille dame –  comme on n’en fait plus hors d’Angleterre –  apporte sa touche attendrissante : Imogen Holst, fille du compositeur, bien connue pour avoir été la fidèle assistante de Benjamin Britten. Étant "admis" (!!!) une fois pour toutes que la musique insulaire n’atteint pas les oreilles continentales, aucun sous-titrage n’a été prévu (en quelque langue que ce soit), ce qui en limite la portée à la clientèle anglophone.

 

Sylviane Falcinelli.

 

Marcel Proust, le musicien.  Avec Anthony Leroy (violoncelle), Sandra Moubarak (piano), Tedi Papavrami (violon), Magali Léger (soprano).  Livre-disque, 2 CDs Decca/Universal : 4764693.

Romane Bohringer, Michale Lonsdale & Didier Sandre nous lisent ici les pages les plus musicalement significatives de Du côté de chez Swann et de La Prisonnière.  Judicieusement illustrées par des œuvres de César Franck (Sonate pour violon & piano, transcription pour violoncelle), Reynaldo Hahn (Si mes vers avaient des ailes et À Chloris, transcription pour violoncelle & piano), Camille Saint-Saëns (extraits des Sonate pour violoncelle & piano op. 123 et Sonate pour violon & piano op. 75, par Jascha Heifetz et Emmanuel Bay), Ludwig van Beethoven (6^e mouvement du 14^e Quatuor, par le Quatuor Capet), Richard Wagner (Prélude du 3^e acte de Tristan und Isolde, par le Bayreuther Festspiele, dir. Karl Bohm), Claude Debussy (Sonate pour violoncelle & piano).  Un original et fort heureux parcours entre les textes de l’écrivain et les musiques qui l’auront inspiré.

 

 

Darius Milhaud et sa musique, de la Provence au monde.  Un film de Cécile Clairval-Milhaud.   Coffret de 2 DVDs Steinval Éditions : ARC 1049.

Éblouissant document sur Darius Milhaud (1892-1974), compositeur que l’immensité même  de son catalogue aura longtemps desservi (443 opus).  Puissante et originale est pourtant l’œuvre d’un musicien qui collabora avec les plus grands écrivains : Claudel, Cocteau, Cendras, Gide, Desnos, Lunel, Supervielle, Élie Wiesel… et dont les décors et costumes des opéras et ballets furent réalisés par Léger, Masson, Picasso, Braque…  Le présent film (60’) nous conduit sur les lieux où se déroulèrent les événements importants de sa vie et de sa carrière artistique, récit accompagné des commentaires de Darius lui-même, de son épouse, Madeleine (1902-2008) - alors largement centenaire -, de son fils Daniel, ainsi que d’anciens élèves ou amis : William Bolcom, David Bernstein, Katharine Warne, Manoel Corrêa do Lago…  Nombreux bonus documentaires & musicaux (2h30’) : Le logis du Bras d’Or / Darius Milhaud & le Brésil / La cheminée du roi René, op. 205 / 1^er et 18^e Quatuors à cordes…   Si m’en croyez, précipitez-vous !

 

 

Richard STRAUSS (1864-1949) : Capriccio,  « Conversation musicale » en un acte.  Livret de Clemens Krauss & Richard Strauss. Renée Fleming (la comtesse), Dietrich Henschel (le comte), Rainer Trost (Flamand, le musicien), Gerald Finley (Olivier, le poète), Franz Hawlata (La Roche, directeur de théâtre), Anne Sofie von Otter (la Clairon, actrice).  Orchestre de l’Opéra national de Paris, dir. Ulf Schirmer.  Mise en scène : Robert Carsen.  2 DVDs Arthaus Musik (www : 107 327.  TT : 148’00.

De ce chef-d’œuvre tout d’élégance et d’humour – dernière œuvre lyrique de R. Strauss, composée en 1942 au cœur de la Seconde Guerre mondiale -, l’Opéra de Paris proposait, en 2004, une éblouissante production.  Le metteur en scène, Robert Carsen, en a fort imaginativement transposé l’action - censée se passer vers 1770 dans le salon d’un château près de Paris - à l’époque de la création de l’ouvrage (28 octobre 1942, au Staatsoper de Munich).  Qualité de la régie, alliée à la splendeur des voix, la beauté des protagonistes, la rutilance des décors & costumes, tout concourt à faire de ce joyau opératique (capté live au Palais Garnier) un spectacle inoubliable.  Ne serait-ce que pour son sublime final, encore exhaussé par l’incomparable Renée Fleming…

 

Francis Gérimont.

 

Henri DUTILLEUX : Ainsi la nuit.  Film-hommage de Vincent Bataillon.  DVD « Les Films de La Lys » (www.collection-opus.fr / lesfilmsdelalys@free.fr).  18 €.

Le 10 octobre dernier avait lieu, en avant-première, à l'Auditorium Debussy-Ravel de la Sacem, la projection d'un film consacré à Henri Dutilleux et, plus précisément, à son quatuor à cordes Ainsi la Nuit.  Moments d'intense émotion à la découverte d’un court métrage à la fois sobre et fascinant, admirablement conçu et réalisé par Vincent Bataillon.  L'image d'Henri Dutilleux (sur laquelle s'ouvre et se referme le film) - vu de dos, face à l'immense étendue de la Loire - encadre des épisodes musicaux.  L'œil écoute avec enchantement, cependant que l'oreille discerne toute la subtilité des nuances.  Grâce au talent des musiciens du Quatuor Rosamonde : Agnès Sulem-Bealobroda, Thomas Tercieux, Jean Sulem, Xavier Gagnepain, l'analyse d’Ainsi la Nuit est développée en reconstituant minutieusement la genèse de l'œuvre. Leurs commentaires, intelligemment dosés, retracent rétrospectivement les étapes qui lui ont donné naissance et complètent l'interprétation exemplaire de ce chef-d'œuvre.  Comme Debussy et Ravel, Henri  Dutilleux n'a écrit qu'un quatuor à cordes, cette haute forme de l'art qui porte en elle les exigences de la perfection, qu'il rénove miraculeusement.

 

Pierrette Mari.

 

POUR LES PLUS JEUNES

Children’s Nursery Rhymes & Singing Games.  Forum (www.regisrecords.co.uk)  : FRC 6143.  TT : 63’58.

Il s’agit là d’une compilation de 33 chansons enfantines & jeux musicaux  – toutes mélodies de haute tradition britannique, dont certaines empruntées des Tommy Thumb’s Pretty Song Book (1744) ou Mother Goose’s Melody (1760)…  Enregistrements datant des années 1960, remarquablement remastérisées.

 

 

Alain SCHNEIDER : Dans ma rue.  La Boutique de Victorie (www.club-tralalere.com) : 278 231-9.  Distr. Universal.  TT : 52’06.

Entouré de musiciens polyinstrumentistes (violoncelle, guitares, clavier, percussions) & choristes, Alain Schneider nous livre ici l’enregistrement live de son spectacle donné, en 2010, lors du Festival Mino à l’Espace Cardin (prestation pour laquelle il obtint le Grand Prix Adami).

 

 

Dominique DIMEY : Des voix pour la planète.  La Boutique de Victorie (www.club-tralalere.com) : 278 200-0.  Distr. Universal.  TT : 57’55.

Jamais déçus par la merveilleuse Dominique Dimey !  Textes joyeusement poétiques et musiques fort bien venues - dues, pour la plupart, à Pierre Bluteau qui dirige également un orchestre   diversifié (clavier, cordes et percussions classiques, mais aussi banjo, koto, charango, kena, naï, violon cajun, flûte ethnique, violon chinois…).  Quatorze titres + 4 versions instrumentales (J’vais partout avec mon vélo / Des refuges pour la vie / Naturellement / Mon ami l’oiseau).

 

 

Henri DÈS (Paroles et musique) : Abracadabra.  La Boutique de Victorie (www.club-tralalere.com) : 278 207-7.  Distr. Universal.

À l’approche des Fêtes, fidèle nouveau cru du charmant Henri Dès… Album (son 17^e) comportant 12 chansons inédites, avec - comme il se doit - play-back d’orchestre et paroles incluses dans le livret. Réalisation & arrangements : Martin Chabloz.  Illustrations : Étienne Delessert.  Partitions disponibles sur : www.henrides.net

 

Francis Gérimont.

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