Claude DEBUSSY : En blanc et noir ; Lindaraja ; Prélude à l'après-midi d'un faune (transcr. Debussy) ; Ibéria (transcr. André Caplet) ; Nocturnes (transcr. Maurice Ravel).  Duo Benzakoun (à deux pianos).  Intégral : INT 221 162.  TT : 70’42.

Le Duo Benzakoun s’impose depuis des années comme l’un des meilleurs du monde; son disque Poulenc, exceptionnel de dynamisme et de relief expressif, demeure un sommet de la discographie.  Aujourd'hui les mêmes qualités savent se draper sur les galbes d'une esthétique bien différente ; il serait d’ailleurs erroné de croire que la fougue soit étrangère au monde debussyste : « avec emportement », précise le premier mouvement de En blanc et noir, joué ici de manière saisissante.  L’élégance et le sens du timbre de nos duettistes parcourent toutes les époques du compositeur; leur sonorité allie une richesse charnue à la clarté nécessaire pour dessiner les plans orchestraux des transcriptions.  Grâce notamment à leur sens du rebond rythmique, tout frémit d'une vie sensuelle : il s'agit bien « d’en rythmer l’intense palpitation », pour reprendre une expression de Debussy à propos de l’atmosphère de ses Nocturnes.

 

 

Franz SCHUBERT : Sonate en sol majeur D.894 ; Sonate en la mineur D.537.  Helmut LACHENMANN : Fünf Variationen über ein Thema von Franz Schubert ; Guero.  Herbert Schuch (piano).  Oehms : OC 593 (distrib. Codaex).  TT : 74’49.

Aux premières secondes du disque, on entend bien du Schubert (la Danse allemande en ut# mineur), mais très vite la virtuosité cravachante dispensée par un Lachenmann de 21 ans y introduit quelques aspérités ; le compositeur allemand à ses débuts, non encore radicalisé dans le courant bruitiste (Guero n’est plus que bruitisme, hélas !), ne s'interdisait pas quelques attendrissements sur son modèle !  Quant à l’étude d’accents et de pianissimi que constitue la dernière variation, elle est admirablement dosée par Herbert Schuch (°1979) que ce disque désigne à notre attention.  Dans son Schubert, travaillé avec Brendel, on sent quelque peu l’influence du maître, mais Herbert Schuch imprime sa personnalité, faite d’élan juvénile, par un son diaphane, translucide.  Il en résulte des couleurs plus matinales que vespérales (écoutez la D.894).  Le fier caractère du premier mouvement de la D.537 n'empêche pas les ombres de venir cerner telle modulation, ni la fraîcheur d'apporter quelque insouciance.  En deux mots, un interprète attachant.

 

 

Fr. CHOPIN : Ballade en fa mineur ; Nocturnes op.48 n°1 et 2.  A. BERG : Sonate op.1.  A. WEBERN : Variations op.27.  M. TROJAHN : Préludes n°5 et 6.  A. GINASTERA : Sonate n°2.  Clemens Berg (piano).  Oehms : OC 721 (distrib. Codaex).  TT : 71’09.

Le label bavarois met un point d'honneur à révéler de talentueux jeunes pianistes.  Le récital de « début » de Clemens Berg (°1987) s’ouvre par l’incontournable Chopin, mais pour vite obliquer vers le répertoire moderne. Y a-t-il d'ailleurs un si grand fossé dans le programme ? Certes non, si l’on écoute avec quelle justesse analytique le jeune artiste de Rostock met en lumière la fluidité des enchaînements modulants si modernes de la Ballade en fa mineur.  On est séduit par ce beau son lumineux qui, en revanche, se retourne contre l’interprète dans la Sonate de son homonyme autrichien, où l’on attendrait un climat plus sombre nous plongeant dans les tourments inquiétants de la Vienne décadente de 1908.  Sa lecture manque ici de densité, alors qu'il apporte toute la délicatesse et la palette de contrastes requises aux Variations de Webern qu’il dit affectionner.  Les Préludes de Manfred Trojahn (°1949) se revendiquent ouvertement de l’héritage debussyste, montrant ainsi une autre facette du toucher raffiné de Clemens Berg, attentif à la contemplation des résonances avant de débrider son dynamisme juvénile dans le martellato des mouvements extrêmes de la Sonate de Ginastera.  Un pianiste à suivre.

 

 

Songs by Great Conductors : Lieder de Hans von Bülow, Bruno Walter, Clemens Krauss.  Petra Lang (soprano), Michael Volle (baryton), Adrian Baianu (piano).  Oehms : OC 808 (distrib. Codaex).  TT : 58’29.

Les plus illustres chefs d’orchestre cachaient souvent des vocations plus ou moins réprimées de compositeurs (Furtwängler, Klemperer, De Sabata souffrirent même d’être plus considérés comme interprètes que comme créateurs).  Trois talentueux artistes nous proposent ici un programme fort attrayant.  Les Lieder de Hans von Bülow se distinguent par leur commentaire pianistique au cheminement harmonique parfois inattendu.  Plus épigonaux, ceux de Bruno Walter trahissent dans leur écriture vocale l’influence de son maître à penser Gustav Mahler, mais ils réussissent à créer des atmosphères émouvantes.  Le langage le plus original surgit de la plume de Clemens Krauss : l’élégance viennoise le dispute aux mirages d’harmonies capiteuses empruntant de mystérieux détours loin des enchaînements conventionnels ; ces huit Lieder sur des poèmes de Rilke témoignent d’une pensée bien plus avancée que les Lieder de son ami Richard Strauss, pourtant fécond dans le genre.  Une vraie découverte.

 

 

Richard WAGNER : Tristan und Isolde, The Duets Scenes.  Deborah Polaski (Isolde), Johan Botha (Tristan).  Wiener Singverein, RSO Wien, dir. Bertrand de Billy.  Oehms : OC 626 (SACD.  Distrib. Codaex).  TT : 76’27.

Le drame de Wagner, à notre époque, est que l’âge d'or du chant wagnérien semble révolu alors que ne manquent pas les valeureux chefs capables de cerner la complexité des architectures du Maître de Bayreuth et de leur donner une lisibilité sans pareille.  Que l’on puisse considérer Deborah Polaski comme une grande wagnérienne montre bien vers quelle décadence nous avons plongés !  Quant à la couleur et au « format » vocal de Johan Botha, ils sont plus idoines au répertoire italien qu'à Wagner, également pratiqués.  Pour tout arranger, il se met même à chanter faux dans un moment essentiel de l’Acte II (« O sink hernieder, Nacht der Liebe ») ; et pour mieux l’épauler (!), sa partenaire se met aussi à détonner dans ses aigus. Résignons-nous à ce couple en nous disant que, de nos jours, on entend souvent pire, mais que, à l'époque des Kirsten Flagstad, Astrid Varnay, Birgit Nilsson, Lauritz Melchior, Max Lorenz, Hans Beirer (et la liste n'est pas close !), on entendait toujours mieux.  En revanche, la direction de Bertrand de Billy est tout simplement admirable.  Ses phrasés galbent l’entrelacs des leitmotive, créent l’attente de la portée expressive d’une intention en devenir (écoutez l’introduction à la Scène 5 de l’Acte I), dessinent la clarté polyphonique sans rien sacrifier de la densité du message.  L’orchestre de la Radio viennoise, sous son directorat, retrouve ses plus glorieuses heures ; les cuivres se fondent idéalement avec les cordes, et les bois jouent un rôle de premier plan dans le tracé des contours thématiques, en un dosage parfait.  C'est là le deuxième disque d'extraits d'un enregistrement de l'ORF (après le « Highlights » OC 602).  Si le label Oehms nous donnait la totalité de l’ouvrage, on tiendrait une grande intégrale, du point de vue orchestral.

 

 

Paul DUKAS : Ariane et Barbe-Bleue.  Deborah Polaski (Ariane), Jane Henschel (la Nourrice), Ruxandra Donose (Sélysette), Chœur philharmonique slovaque, RSO Wien, dir. Bertrand de Billy.  Oehms : OC 915 (2CDs, distrib. Codaex).  TT : 116’15.

On peut s’étonner que le chef-d’œuvre de Paul Dukas soit aussi négligé des scènes lyriques ; le compositeur y réussit pourtant l’harmonieuse synthèse entre Wagner et Debussy, sans se laisser étouffer ni par l’un ni par l’autre, ce qui, en 1907, s’avérait un exploit digne d’être souligné.  La wagnérienne équipe Polaski/de Billy s’attaque à cet ouvrage symboliste (le texte est de Maurice Maeterlinck) de la féminité à la conquête de sa liberté, où le redoutable mâle n’émet que huit répliques, en une scène de moins de deux minutes.  On devra encore supporter les carences du chant actuel, Deborah Polaski et Ruxandra Donose faisant assaut de vibrato et de justesse mal assurés (on aura noté que l’auteur emploie ici une élégante périphrase pour dire que ces dames chantent faux à faire pleuvoir pendant un an !), mais on endurera ce mal pour jouir de la somptueuse interprétation orchestrale de Bertrand de Billy et de son orchestre viennois.  Leur rondeur wagnérienne se marie au raffinement des cataractes de couleurs déversées par Dukas, le flux de la « mélodie continue » serpente des ténébreuses opacités à la lumière aveuglante, et l’on admirera particulièrement la conduite dramatique qui mène des scènes d’action de l’Acte III à la compassion sur laquelle s’éteint l’opéra.  Cette version de concert donnée à la Wiener Konzerthaus restitue aux Français un pan de leur histoire lyrique.

 

Sylviane Falcinelli

 

Alexandre P.F. BOËLY : Pange Lingua.  Intégrale des œuvres pour orgue.  Première mondiale.  Marie-Ange Leurent & Éric Lebrun.  Maîtrise de garçons de Colmar, dir. Arlette Steyer.  Coffrets de 8 CDs : « Élévation », Bayard Musique.  TT : 66’33, 70’05, 70’05, 60’58, 73’03, 60’49, 66’36, 69’38.

Après l’intégrale des œuvres d’orgue de Buxtehude (Grand Prix de l’Académie Charles-Cros en 2006), dont nous avons rendu compte dans les n^os 539/540 de L’E.M., Marie-Ange Leurent et Éric Lebrun nous proposent une autre intégrale d’importance, celle de l’organiste français Alexandre Pierre-François Boëly (1785-1858).  Exécutée sur 9 instruments différents situés au quatre coins de la France, et dont les caractéristiques sont recensées dans l’excellent livret qui accompagne le coffret, cette intégrale comporte 205 pièces d’orgue ; la maîtrise de garçons de Colmar, dirigée par Arlette Steyer, et Sébastien Mercet à l’ophicléide se joignent parfois à l’orgue et dialoguent avec lui.  Héritier d’une famille de musiciens et de chantres de la Chapelle royale de Versailles, Alexandre Boëly, né juste avant la chute de la royauté, réalise le trait d’union entre l’Ancien Régime et le Romantisme naissant, tout en révélant aux Français par ses nombreuses interprétations à l’orgue de Saint-Gervais, puis de Saint-Germain l’Auxerrois, l’art de Jean-Sébastien Bach.  L’anthologie ici présentée s’ouvre sur des pièces dialoguant avec la maîtrisen suivant le déroulement de l’année liturgique. Viennent ensuite des pièces pour l’Office divin (Offertoires, Kyrie…) comportant de nombreuses fugues, fantaisies ou préludes où l’influence de Bach est manifeste.  À la force et la grandeur de certaines pages s’opposent parfois des œuvres moins pompeuses, plus méditatives ou légères, reflétant la mode du temps.  Ce monumental panorama qui s’achève, en ultime hommage à J.-S. Bach, par le dernier contrepoint de l’Art de la Fugue, à quatre mains, terminé par Boëly, comporte encore des versets de Magnificat et 3 messes où alternent l’orgue et la maîtrise en faux-bourdon parisien, soutenu par l’ophicléide, comme autrefois.  C’est dans ce même esprit de tradition que Boëly écrivit la charmante messe « Extraite de plusieurs auteurs anciens », en hommage à J.-S. Bach, au Padre Martini, à Haendel, à Louis et François Couperin.  Nous ne pouvons que souligner ici la qualité des interprétations de la Maîtrise de Colmar et de leur chef Arlette Steyer, ainsi que de Sébastien Mercet à l’ophicléide, dont l’usage était alors répandu à l’église.  Mais nous saluerons surtout le talent sans faille et la virtuosité de Marie-Ange Leurent et d’Éric Lebrun, tout en restant confondus devant la somme de travail fourni pour mener à bien une aussi magistrale réalisation qui, grâce à eux, en ces dix heures de musique, nous permet de découvrir ou de mieux connaître l’œuvre et la personnalité du premier grand organiste français.  Mention spéciale à la qualité du livret explicatif clair, dense et parfaitement documenté.

 

Francine Maillard

 

Missa Tournai.  Ricercar (stephanie.flament@alpha-prod.com) : RIC 265.

La Missa Tournai (1349) est conservée à la bibliothèque de la cathédrale de cette ville (cote A 27), d’où son titre conforme à l’usage consistant à désigner des messes, notamment au XIVe siècle, par leur lieu de conservation.  Destinée à une grande solennité, elle comprend les parties habituelles : Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei, auxquelles sont ajoutées cinq autres pièces conservées ailleurs.  Elle se situe stylistiquement dans une période de transition, sans renier des éléments antérieurs, dans le sillage de l’Ars antiqua : notation franconienne, bilinguisme : motet en latin et d’inspiration religeuse ; triplum en dialecte du nord de la France et d’inspiration profane.  Toutefois, le rythme plus élaboré et des hoquets dans l’Amen se réclament de l’Ars Nova, dans la mouvance du Traité éponyme (ca 1320) de Philippe de Vitry.  Laurence Brisset, à la tête de l’ensemble De Caelis (cinq voix féminines), redonne vie à cette Messe et à quelques pièces traitant « la très grande souffrance de l’amour », jalousie, la « dame jolie »… Mais l’intérêt de cette réalisation réside surtout dans l’interprétation de la Messe de Tournai qui peut symboliser le répertoire en usage à la Chapelle papale, lorsque les papes étaient accueillis en Avignon (1309-1405).  Ce disque s’impose par ses critères d’interprétation et en tant que témoignage religieux et historique.

 

 

Lambert de SAYVE : Messe pour le Sacre de l’empereur Matthias.  Ricercar : RIC 266.

Lambert de Sayve (1549-1614), vraisemblablement originaire de cette localité (près de Liège), a peut-être été chantre à la cathédrale Saint-Lambert. Il passe sa vie à Vienne, au service des Habsbourg.  Né à Vienne (Autriche), le 24 février 1557, et mort dans cette ville, le 20 mars 1619, l’empereur Matthias Ier est le cinquième fils de Maximilien II et de Marie d’Espagne, empereur du Saint-Empire et roi de Bohême, de la maison de Habsbourg (roi de Hongrie sous le nom de Matthias II).  Selon le musicologue belge Jérôme Lejeune, cette Messe exploite « plusieurs sources musicales » : c’est ainsi que l’ordinaire provient de la Missa super Dominus regnavi (16 voix, 4 chœurs) de L. de Sayve.  Jean Tubéry, à la tête de La Fenice et du Chœur de chambre de Namur, a réussi à conférer à chaque chœur sa couleur particulière, certaines parties étant confiées à des instruments (cornets) - c’est le cas du Da pacem -, alors que le propre est chanté en plain-chant.  Cet office reconstitué est aussi un témoignage historique reflétant les fastes d’un sacre impérial.

 

 

Jean-Sébastien BACH : Œuvres de jeunesse.  Andreas Staier, clavecin.  Harmonia Mundi (33, rue Vandrezanne, 75013 Paris. mbenoit@harmoniamundi.com) : HMC901960.  TT : 65’47.

Le claveciniste attitré de l’ensemble Musica Antiqua de Cologne, Andreas Staier, révèle des œuvres de jeunesse de Jean-Sébastien Bach : trois Toccata, neuf Partita sur le choral luthérien bien connu : O Gott, du frommer Gott (Ô Dieu pieux), dans lequel le cantus firmus circule librement d’une voix à l’autre.  Cette Partita est perçue différemment au clavecin.  Le Caprice sur le départ de son frère bien aimé, BWV 992, est - fait rare dans sa production - un exemple de musique à programme avant la lettre, évoquant le lamento des amis, le cor de postillon et la fugue.  A. Staier a retenu, pour cet enregistrement, un clavecin A. Sidey (d’après H. A. Hass, Hambourg, 1734) n’ayant pas appartenu au Cantor de Leipzig.  Certes, la musique de ce dernier est perçue autrement, mais ces pages énergiques, méditatives, bien construites, non dénuées de charme, sonnent avec une autre sonorité, et ne déplairont pas aux clavecinistes et aux amis de Jean-Sébastien Bach.

 

 

Carlos SEIXAS : Sonatas.  Numérica (gdoderer@mail.telepac.pt) : Num 1176.  TT : 61’.

Antonio José Carlos Seixas (1704-1742), organiste à la cathédrale de Coimbra, puis à la Chapelle royale, est un compositeur didactique, l’un des plus grands compositeurs portugais dont l’œuvre fait preuve d’une grande originalité.  Dans les années 1930, le musicologue Macario Santiago Kastner a attiré l’attention sur lui et sur son œuvre destinée au clavecin et à l’orgue.  Le Professeur Gerhard Doderer définit la notion de sonate à l’époque en cause. Cremilde Rosado Fernandes se produit sur un pianoforte B.Cristofori/G.Ferrini datant de 1730, dont l’esthétique convient parfaitement à ce répertoire. Sa musicalité à toute épreuve, son jeu précis, sa remarquable technique et ses attaques énergiques lui permettent de mieux faire connaître la figure de proue de la musique portugaise qu’est José Carlos Seixas.  Son œuvre particulièrement attachante se devait d’être révélée au grand public, et cette excellente réalisation est tout à l’honneur de ce grand musicien portugais auquel la claveciniste hors pair réserve un sort royal.

 

 

Naissance de Lourdes.  Jade (43, rue de Rennes, 75006 Paris. jade@milanmusic.fr) : 699660-2.

L’abbé René Laurentin, exploitant de solides sources d’archives, retrace les débuts de Lourdes, et évoque « cette joyeuse complicité qui unit Bernadette Soubirous à celle qui lui apparut sous l’image d’une déconcertante jeunesse ».  En effet, c’est le 25 mars 1858 que Bernadette est poussée vers une grotte où la Dame est apparue et s’est révélée à elle.  Elle relate alors cette apparition à son curé et, depuis lors, Lourdes est devenue le célèbre lieu de pèlerinage que l’on sait.  Le récit, tour à tour narratif ou descriptif, est entrecoupé de musiques de circonstance : extraits d’Ave Maria, de Magnificat interprétés par l’Ensemble vocal Philippe Caillard (disque remastérisé), permettant de situer et de réaliser l’ampleur de l’engouement pour ce célèbre lieu de pèlerinage.

 

Édith Weber

 

Raymond Trouard (°1916). Une vie pour le piano.  11 CDs Sony Classical : 318462 (vol.1, vol.2).

Hommage peu banal à une vie honnêtement consacrée au piano et à son enseignement, ce coffret réunit - en rien moins que 11 CDs - l’essentiel des interprétations par Raymond Trouard [notre photo] d’œuvres de Chopin, Liszt, Beethoven, Schubert, Grieg, Tchaïkovski, Saint-Saëns...  La notice y incluse comporte un mémorable entretien avec Frédéric Gaussen - certes fort éclairant sur la psychologie de l’artiste, mais faisant surtout revivre tout un âge d’or, rue de Madrid.

 

 

Franz SCHUBERT : Quatuors à cordes, vol. 1 : Quatuor en mib majeur, D 87 ; Quatuor à cordes en ré mineur, D 810, « La jeune fille et la mort ».  Mandelring Quartett.  Audite : 92.507 SACD.  TT : 69’42.

Dans une interprétation d’un poignant dramatisme - admirable Mandelring Quartett ! [notre photo] -, compensé par une prise de son d’une parfaite luminosité, sont ici regroupées l’une des premières et l’une des dernières œuvres chambristes de Schubert.  Où - déjà dans celle composée à 16 ans (D 87, op. posth. 125, n°1), encore fort mozartienne, transparaît « le génie de laisser les choses suivre leur propre cours » (selon Schumann) - sans autre souci compositionnel.

 

 

Alexandre SCRIABINE (1872-1915) : Les dix sonates pour piano.  Vladimir Stoupel, piano.  3CDs Audite : 21.402.  TT : 67’12 + 57’45 + 43’45. 

Rares sont les pianistes à avoir osé programmer - au concert - l’intégralité d’un répertoire aussi singulier.  Lequel nécessite – outre des doigts d’acier – de pouvoir totalement s’immerger dans un univers d’une prodigieuse complexité intellectuelle et émotionnelle…  Naturalisé français en 1985, le pianiste & chef d’orchestre russe Vladimir Stoupel est certes à la hauteur d’une telle gageure.  Le corpus discographique désormais de référence.

 

Dans sa collection « Deutschlandradio Kultur », la firme allemande Audite (www.audite.de) nous livre  quelques trésors jusqu’à présent conservés sur bandes dans des archives de stations de radio.  Où l’on découvre aussi les merveilles que peut faire aujourd’hui la remastérisation.  Regrettons toutefois que les excellentes notices ne soient encore rédigées qu’en allemand & en anglais.

Hugo WOLF : Mörike Lieder.  Dietrich Fischer-Dieskau, baryton.  Hertha Klust, Rudolf Wille (piano).  Enregistré à Berlin (1949, 1951, 1955).  Audite : 95.599.  TT : 53’42.  Hugo WOLF : Goethe-Lieder.  Spanisches Liederbuch (extraits).  Dietrich Fischer-Dieskau, baryton.  Hertha Klust, Rudolf Wille (piano).  Enregistré à Berlin (1948, 1949, 1953).  Audite : 95.600.  TT : 53’46.  Dans sa juvénile splendeur vocale, comment ne pas saluer, une nouvelle fois, le plus grand interprète de lieder du XX^e siècle ! Avec un exceptionnel rendu du grain de la voix…

 

   

 

Giuseppe VERDI : Messa da Requiem.  H.Zadek, M.Klose, H.Rosvaenge, B.Christoff.  Wiener Philharmoniker, Singverein der Gesellschaft der Musikfreunde Wien, dir. Herbert von Karajan.  Live 1949, Salzburger Festspiele.  2CDs Audite : 23.415.  TT : 51’08 + 40’04.  S’il est une chose que savait admirablement servir Karajan, c’est bien la théâtralité !  Il est ici, d’évidence, à son affaire, d’autant plus que solistes, chœurs et orchestre qui l’entourent étaient alors probablement les meilleurs.

 

 

Piotr Ilitch TCHAÏKOVSKI : 2^e Concerto pour piano.  Franz LISZT : 1^er Concerto pour piano.  Shura Cherkassky, piano.  RIAS-Symphonie-Orchester, dir. Ferenc Fricsay.  Berlin, 1951-1952.  Audite : 95.499.  TT : 53’53.  Qualifié un peu rapidement de « dernier tsar de l’âge d’or du piano », le grand Shura Cherkassky ((1909-1995), dans un répertoire où tant de pianistes font assaut de virtuosité, prend ici, bien au contraire, des tempi modérés.  Et la musique y trouve naturellement son compte…  Idéalement attentif et discret se montre Ferenc Fricsay (1914-1963).

 

 

Frédéric CHOPIN : Dix-neuf Nocturnes.  Stéphane Blet, piano.  2CDs Saphir (www.saphirproductions.net) :LVC 1072.  TT : 55’49 + 59’13.

L’hypersensibilité du pianiste convient certes admirablement à l’interprétation de ces tendres confidences.  Quoique l’incessant rubato et un sort fait à chaque note puissent parfois indisposer.

 

 

Édith CANAT DE CHIZY (°1950) : Livre d’Heures.  Chœur Britten, ensemble Les Temps modernes, dir. Nicole Corti.  Loïc Mallié à l’orgue Saint-Pothin de Lyon.  Hortus : 051.  TT : 54’48.

Inspiré des enluminures des Très riches heures du duc de Berry, le présent Livre d’Heures, pour chœur de femmes, ensemble instrumental (10 exécutants) & solistes (2 soprani, 2 alti), créé en 1984 dans le cadre du Festival d’Art sacré de la Ville de Paris, illustre admirablement quatre offices du « temps ordinaire » : Matines (7 heures), Laudes (midi), Vêpres (17 heures) et Complies (21 heures).  Atmosphères transparentes et mystérieuses, que l’on retrouve dans Messe brève de l’Ascension pour ensemble vocal (12 voix), œuvre créée en 1996 lors de l’inauguration de la cathédrale d’Évry, aussi bien que dans Véga (2000), pièce pour orgue inspirée du poème À Henry Purcell (1981) de Philippe Jaccottet.  Dans des interprétations intensément recueillies, voilà l’enregistrement - indispensable à votre discothèque - d’œuvres de l’un des compositeurs majeurs de notre temps.  Album assorti d’improvisations par Loïc Mallié, titulaire de l’orgue Kern de Saint-Pothin à Lyon.  Remarquable notice signée Sylviane Falcinelli.

 

 

Promenade.  Vincent Lucas (flûte), Emmanuel Strosser (piano).  Indesens Records (www.indesens.fr) : INDE009.  TT : 70’55.

Voici, magistralement interprété par la 1^re flûte solo de l’Orchestre de Paris et un pianiste justement réputé pour ses qualités chambristes, un ensemble de pièces pour flûte & piano signées des plus grands compositeurs français du premier XX^e siècle, âge d’or de la flûte : Fauré (Fantaisie op.79), Debussy (Syrinx ; Prélude à l’après-midi d’un faune, transcription de G. Samazeuilh), Widor (Suite op.34), Poulenc (Sonate), Gaubert (Fantaisie), Messiaen (Le merle noir), Jolivet (Chant de Linos).  Friandise !

 

 

Francis POULENC : Aubade, Trio, Sextuor, Suite française.  Quintette à vent Moraguès.  Emmanuel Strosser, piano.  Saphir Productions (www.larchipel.net) : LVC 1068.  TT : 61’49.

Trois secondes ne suffisent-elles pas pour reconnaître, en toute œuvre, la patte du merveilleux Francis Poulenc - le plus justement célébré, désormais, compositeur des Six ?  N’en puissent mais nos égrotants de l’avant-garde...  Bonheur de retrouver ici, dans une même étincelante interprétation : Trio (1926) pour hautbois, basson et piano, Sextuor (1932) pour piano, flûte, hautbois, clarinette, cor et basson, Aubade (1929), concert chorégraphique pour piano et 18 instruments, et la Suite française (1940), hommage à Claude Gervaise – ces deux dernières œuvres dans une transcription de Ohtaki Katsuhisa.

 

Francis Gérimont

 

Wolfgang Amadeus MOZART : Symphonies n° 29, 33, 35 « Haffner », 38 « Prague », 41 « Jupiter ».  Orchestra Mozart, dir. Claudio Abbado.  2CDs Universal Archiv : 477 7598. TT : 72'54 + 74'12.

Le grand chef italien, dont on fête le 75^e anniversaire, nous offre un bien beau présent avec un bouquet de symphonies de Mozart.  L'attrait de ces interprétations nouvelles, on le doit à la présence d'une formation ad hoc de jeunes musiciens, l’Orchestra Mozart, lointaine émanation de l'Accademia filarmonica di Bologna, qui déjà au XVIII^e siècle jouissait d'une grande notoriété et comptait le compositeur de Salzbourg parmi ses élèves.  Avec ces talentueux interprètes, que leur jeunesse libère de tout préjugé, Abbado fait des merveilles.  Modèle de naturel dans le phrasé, le discours est d'une vitalité confondante avec des contrastes dynamiques saisissants en clair-obscur jusqu'à d'évanescents ppp, paré qu'il est d'une articulation énergique à la fois empreinte de souplesse.  Le son allégé d'une formation peu importante en nombre évite toute impression de lourdeur. Et quel esprit dans l'habile juxtaposition des styles dont ces pièces sont l'expression : la danse, le théâtre, l'opéra bien sûr ; des climats si divers aussi qu'elles traduisent.  Si le choix de certains tempos surprend, ce qui renvoie à l'épineuse question du juste tempo, la cohérence d'ensemble donne raison au chef qui souligne combien l'interprétation mozartienne a évolué. Du très beau travail d'orchestre.

 

 

Wolfgang Amadeus MOZART : Concertos pour violon et orchestre, Symphonie concertante pour violon et alto, KV364.  Giuliano Carmignola, violon ; Danusha Waskiewicz, alto.  Orchestra Mozart, dir. Claudio Abbado.  2CDs Universal Archiv : 477 7371. TT : 57'36 + 71'45.

Doublé gagnant avec une autre intégrale mozartienne : les concertos pour violon et orchestre - une première au disque pour Claudio Abbado - se voient pareillement dotés d'une exécution énergique toute de fraîcheur et d'infinie délicatesse.  Le jeu apollinien de Giuliano Carmignola, venu du baroque, le travail sur les accents, les tempos imaginatifs, souvent incisifs, impriment à ces pièces attachantes une réelle spontanéité.  Le soliste ne recherche pas l'effet, pas plus qu'il ne verse dans la manière trop facilement galante.  De même se refuse-t-il à tout usage excessif du vibrato et à tirer les derniers concertos vers la manière romantique.  L'admirable 3^e Concerto est un miracle d'aisance expressive et de poésie.  Le 5^e est plein d'esprit et regorge de fièvre au presto final très rythmé.  On retrouve le vrai caractère de ces pièces, proches de la sérénade, foisonnant d'idées mélodiques simples où tendresse et gravité se partagent l'inspiration.  Toute aussi réussie est la symphonie concertante pour violon et alto (jouée ici par le premier pupitre de l'orchestre) où Mozart a mis tant de lui-même dans l'expression de la douleur mais aussi de l'ardeur volontaire.

 

 

Ludwig van BEETHOVEN : Sonates pour piano n°28 op. 101 et n°29 op. 106 « Hammerklavier ».  Mitsuko Uchida, piano.  Universal Philips : 475 8662.  TT : 68'51.

La pianiste Mitsuko Uchida s'attaque à la monumentale sonate op. 106.  Issue de la crise personnelle que vécut Beethoven dans les années 1815-1817, des doutes qui l'assaillaient alors sur ses capacités de compositeur, l'architecture en est telle, sans parler de sa durée inhabituelle, qu'on a pu dire qu'elle « fait éclater tous les cadres de la sonate » (Massin).  De fait, sa richesse d'écriture la rapproche d'un parcours symphonique.  Elle exige beaucoup de l'interprète, auquel le compositeur prédisait bien du labeur.  Certes, il y faut une belle endurance et un flair certain pour démêler l'écheveau d'un discours souvent ardu, à la limite de l'abstrait, et ménager les changements incessants de climats et de tempos.  La pianiste japonaise possède ces qualités, comme la formidable vigueur dans le jeu dont elle couvre sans effort le vaste spectre.  Ainsi de l'allegro initial, depuis le début en fanfare jusqu'au cantabile doux et expressif, en passant par toute une palette de nuances et une succession de ruptures digne des épisodes d'un combat.  Le scherzo renchérit prestissime.  Le vaste adagio – placé ainsi par Beethoven curieusement en troisième position – est une immense méditation aux atmosphères contrastées, tour à tour mélancolique, tragique, d'une exceptionnelle gravité, alors que le discours s'apesantit dans le registre grave de l'instrument.  Le final fugué à trois voix est exécuté avec une extrême rigueur.  Voici une interprétation intensément pensée, captée au demeurant avec un relief saisissant.  La sonate op. 101 qui l'accompagne est une égale réussite.  Elle évolue dans le registre du rêve, comme l'affirme l'indication du premier mouvement « avec le sentiment le plus intime ». L'émotion recueillie, l'extrême concentration, les contrastes sont encore la marque d'une interprétation de haut vol.

 

 

Franz SCHUBERT : Quartettsatz D.703, Quintette pour deux violoncelles D.956.  Artemis Quartet, Truls Mørk, violoncelle.  Virgin : 502113 2 6. TT : 62'50.

Le Quintette pour deux violoncelles est un des sommets absolus de la musique de chambre. Parce que Schubert y parle à l'âme.  Le jeune Quatuor Artemis et le celliste norvégien Truls Mørk s'y frottent.  Déjà ! Car une légère déception nous envahit.  Non que la perfection instrumentale ne soit pas au rendez vous, non plus que soit en question la greffe du cinquième interprète.  La clarté du phrasé, coutumière à cette formation, est elle aussi bien présente.  Le problème est ailleurs ; comme relevé lors de leur récent concert parisien, quoique à un moindre degré ici.  C'est le travail sur les accents qui pose question, et partant, le climat d'ensemble, tendu à l'extrême.  Le choix d'une manière libre qui cherche à éviter tout lyrisme débordant, pour louable qu'il soit, montre ses limites dans l'allegro initial pris d'une manière trop allante pour laisser le discours respirer suffisamment.  La démarche s'en ressent encore plus à l'adagio qui manque d'introspection et élude la gravité abyssale que Schubert a placée au cœur de son oeuvre, comme si le temps s'élargissait.  Les deux derniers mouvements sont plus en phase, le scherzo bondissant, admirablement articulé, avec, au trio médian, un bel effet de ralentissement, apte à exprimer toute la douleur de ce qui est comme un chant funèbre.  Le final, avec ses oppositions d'intensité a de l'allure de par une maîtrise technique admirable. Le Quartettsatz, mouvement de quatuor demeuré inachevé, se voit offrir une exécution très charpentée, la tension atteignant presque la violence.

 

 

Cielo e Mar : arias de Amilcare Ponchielli, Francesco Cilea, Saverio Mercadante, Arrigo Boïto, Giuseppe Petri, Antonio Carlos Gomes, Gaetano Donizetti, Giuseppe Verdi. Rolando Villazón, ténor.  Orchestra sinfonica di Milano Giuseppe Verdi, dir. Daniele Callegari.  Universal DG : 477 7224. TT : 56'41.

Pour son premier récital solo sous étiquette jaune, le ténor Rolando Villazón n'a pas choisi la carte de la facilité, abordant des compositeurs peu connus, tels Mercadante, Pietri ou le brésilien Gomes, et des pièces oubliées d'autres plus reconnus, tel Donizetti avec son Poliuto, immortalisé au féminin par Maria Callas ; en tout cas des rôles qu'il n'a pas encore porté à la scène – et qu'il devrait, à cet égard, laisser de côté pour certains.  Le climat d'ensemble de ce programme peu commun, qu'il présente comme « un collier de perles oubliées », se situe dans le registre dramatique.  Le parcours stylistique ne laisse pas d'être étonnant puisqu'il embrasse aussi bien le bel canto de Donizetti, l'écriture parée d'émotion à fleur de peau chez Boïto ou Ponchielli, le langage vériste même de Cilea.  Grand communicateur, Villazón sait créer le frisson par un engagement de tous les instants.  On admire la ligne de chant toujours superbement conduite et les aigus puissants et bien timbrés.  Lui chez qui la motivation se mesure au défi, déborde allégrement son domaine d'élection, le répertoire de ténor lyrique, pour des postures plus exposées.  À cet égard, c'est peut-être dans Verdi que la voix semble trouver son élan le plus naturel : l'air de Gabriele Adorno extrait de Simone Boccanegra, très dramatisé ; la cavatine de Rodolfo, tirée de Luisa Miller, plus encore, où la voix bandée comme un arc reste toujours expressive.  Si le récital se donne peu de moments de répit, à l'aune d'un interprète qui se vit constamment chauffé à blanc, le résultat vocal a un indéniable panache.

 

Jean-Pierre Robert

 

Actualité de Jean GUILLOU : Quatre nouveaux disques

R. SCHUMANN : Six Pièces en forme de canon op.56, Quatre Esquisses op.58, Six Fugues sur B.A.C.H. op.60 (adaptation à l’orgue par Jean Guillou, éd. Schott).  J. BRAHMS : Préludes et Fugues en la mineur et en sol mineur.  Orgue du Conservatoire de Naples.  Philips : 480 0988.  TT : 72’10.

Fr. LISZT : Orpheus, Prometheus (transcriptions de Jean Guillou) ; Fantaisie et Fugue sur B.A.C.H. (version syncrétique de Jean Guillou), Fantaisie et Fugue sur "Ad Nos ad salutarem undam".  Orgue du Conservatoire de Naples. Philips : 480 0989.  TT : 66’59.

J. GUILLOU : Le voyage à Naples.  Six grandes improvisations.  Orgue du Conservatoire de Naples.  Philips : 480 0987.  TT : 67’18.

Jean GUILLOU joue GUILLOU et improvise : Scènes d’enfant (a) ; Säya (b) ; Improvisation sur O crux ave spes unica et Regina caeli (b) ; Quatre Improvisations données lors de messes à Saint-Eustache (c).  (a) Grote Kerk, Breda, 8.1979.  (b) Concert à St.Vincenz, Menden, 29.4.2007.  (c) Orgue Van den Heuvel, Saint-Eustache, Paris, 2007-2008.  CD Augure (www.augure-autourdejeanguillou.org) : 0802.  TT : 73’10.

 

Comment respecter une partition musicale, sans pour autant la momifier sous un baume musicologique ? À cette question, Jean Guillou apporte depuis longtemps une réponse, la sienne, la seule : en la créant, n’obéissant qu’au seul impératif qui vaille, la vie qui s’exprime en elle, à travers elle.  Les nouveaux disques que cet artiste a enregistrés pour Philips viennent confirmer aujourd’hui la justesse de sa position.  Ils en témoignent d’autant mieux qu’ils ont été enregistrés sur un orgue méconnu, imaginé par Jean Guillou lui-même : celui du Conservatoire S. Pietro a Majella de Naples, que l’on entend ici dans une prise de son exemplaire signée Jean-Claude Bénézech.  De la vie qui irrigue les interprétations de Guillou, le disque consacré à Liszt est l’illustration éclatante, et ce à des niveaux différents.  On y trouve d’abord deux poèmes symphoniques initialement confiés à l’orchestre, Prometheus et Orpheus, que Jean Guillou a transcrits pour l’orgue, restituant, grâce aux rehauts de couleur des belles registrations tout en contrastes, une palette qui n’a rien à envier aux formations de cordes, de bois et de cuivres romantiques.  Il y a ici une matérialité des sons que Jean Guillou travaille pour brosser ces vastes fresques mythologiques, et qui prend inévitablement l’auditeur.  Cette sensation se retrouve également dans les autres œuvres interprétées sur ce disque, ainsi des grouillements telluriques qui précèdent la péroraison de la Fantaisie et Fugue sur B.A.C.H.  Il s’agit là d’une autre pièce de ce programme monographique, composée à l’origine pour orgue, réécrite pour le même instrument, transcrite pour piano, puis pour piano à quatre mains par Liszt en personne.  C’est dire que le compositeur, infatigable transcripteur également de la musique des autres, n’imaginait pas un instant que ces pages dussent rester figées ! À chaque fois au contraire, l’instrument auquel il s’adressait lui suggérait des adaptations, parfois des réécritures, qui, sans changer le caractère de la partition, l’éclairent d’un jour nouveau.  Ce sont ces variations de lumière que Jean Guillou a cherché à capter dans sa « version syncrétique », n’hésitant pas à exiger de l’organiste qu’il maîtrise les figures les plus virtuoses du pianisme lisztien.  L’écriture en ressort plus dramatique que jamais.  Mais exacerber ainsi jusqu’aux tensions les plus cachées des œuvres qu’il joue, Jean Guillou sait aussi le faire sans toucher à la partition d’origine.  À preuve, l’immense architecture de la Fantaisie et Fugue sur le Choral « Ad nos ad salutarem undam », qui parachève le programme, et dans laquelle l’amour pour le détail qui guide le choix des registrations souvent complexes ne fait jamais oublier le vaste dessin qui préside à la structure d’ensemble.  Il faut écouter ces œuvres jouées par un Jean Guillou au sommet de son art.  Aucune précipitation du discours, et pourtant la vie palpite à chaque détour de phrase et il est des traits qui sont exécutés à une vitesse stupéfiante ; aucune démonstration gratuite de virtuosité cependant, et pourtant les moyens de l’organiste semblent illimités.  Il déploie l’infaillibilité technique surhumaine des meilleurs organistes à venir et le sens sûr de la narration, de la respiration, de l’agogique de celui qui est animé par cette musique-là depuis des siècles.  C’est bien cette intimité depuis toujours cultivée qui fait tout le prix des nouveautés Philips. 

 

 

Il n’en va en effet pas autrement pour le deuxième disque, consacré, à part deux Préludes et Fugues de Brahms, aux œuvres de Schumann, initialement pensées pour piano-pédalier et ici transposées (« traduites » écrit l’interprète) à l’orgue.  S’il est évidemment passionnant de comparer les interprétations d’aujourd’hui à celles que Jean Guillou confia autrefois aux micros de la même société Philips et qui sont malheureusement délaissées depuis (33 tours 6587 750), les premières se suffisent cependant amplement à elles-mêmes.  Car l’essentiel est ici encore dans l’appropriation dont ces œuvres font l’objet, non pas certes au sens d’une dépossession du compositeur d’origine par un monstre de narcissisme, mais bien à celui d’une volonté de les rendre propres à l’orgue, de les offrir à cet instrument pour ainsi servir au mieux la musique qui s’exprime à travers elles.  Alors, les Six Fugues sur le nom de B.A.C.H. sont implacablement construites, de même que, avec plus de simplicité cependant, les Six Pièces en forme de canon ; alors, les caractères des Quatre esquisses gagnent encore en individualité ; alors, loin de se mettre en avant, le « traducteur » se fait précisément oublier derrière ces pages qui ne trahissent plus leur provenance pianistique et qui résonnent comme pour la première fois, avec une fraîcheur proprement inouïe.

 

 

Une identique fraîcheur parcourt les improvisations du troisième disque, intitulé « Le voyage à Naples » et enregistré dans la foulée des deux premiers.  C’est sans conteste le disque d’improvisation le plus jeune, le plus personnel, le plus abouti qui se trouve actuellement sur les étals.  Organisé autour de thèmes de chansons napolitaines, il offre tantôt des variations aussi solides dans la structure qu’inconstantes dans l’humeur, qui jamais ne lâchent le thème ni ne le prennent comme prétexte à quelque divagation hermétique (« I’te vurria vasa’ ! »), tantôt une déconstruction systématique du thème, pourtant simple et bien connu, menacé de toutes parts, enserré dès le départ dans des rets harmoniques particulièrement impressionnants dont il n’aura de cesse d’essayer de triompher tout au long de la dizaine de minutes que dure l’improvisation, de façon plus ou moins timide mais néanmoins avec obstination (« Santa Lucia »), pour ne rien dire de l’élégance fragile confrontée à l’assaut de passions mal éteintes (« Fenesta che lucive ») ou du triomphalisme claironnant constamment soumis à des considérations plus subtiles (« Guaglione »).  On connaît en effet la prédilection de Jean Guillou pour les développements dramaturgiques, où il est moins question d’appliquer une forme prédéfinie à un discours musical, qui en sortirait nécessairement bridé, que de transformer celui-ci en déclamation, hypotypose généralisée qui évoque l’agôn des personnages ainsi mis en scène.  L’urgence vitale qui se dégage dès lors des gestes musicaux de Jean Guillou, on l’éprouve encore – et particulièrement – à l’écoute des deux improvisations libres qui rythment cet enregistrement, l’une dédiée au Caravage, l’autre à Gesualdo : impossible, après les avoir entendues, de douter que le démiurge de Saint-Eustache partage avec ces deux créateurs à l’audace paroxystique un identique furor.

 

 

Ces élans créateurs, on les retrouve sur un autre disque encore.  La triple livraison de Philips vient en effet interrompre, pour cette maison, un silence discographique de cinq longues années (le dernier enregistrement de Jean Guillou paru sous cette marque ayant été consacré à Mozart, en 2003) ! Mais les amateurs avaient heureusement de quoi tromper leur impatience. Non seulement l’association Argos a-t-elle édité régulièrement, au bénéfice de ses adhérents, des enregistrements de concerts de Saint-Eustache, mais surtout l’association Augure a-t-elle pris l’heureuse initiative en 2007 de graver des enregistrements inédits, réalisés exprès et disponibles pour le public le plus large.  Après un premier disque composé majoritairement d’improvisations datant du premier trimestre de 2007, on peut aujourd’hui s’en procurer un deuxième, qui mêle improvisations de 2007-2008 et interprétations de compositions de Jean Guillou, en l’occurrence Säya ou l’oiseau bleu, d’un concert donné en Allemagne, à Menden, le 27 avril 2007, et les Scènes d’enfant, jouées en 1979 sur l’orgue de Breda.  Il s’agit là d’œuvres dont le mélomane averti possède sans doute déjà des versions de référence, données à Saint-Eustache (Philips 456 513-2 / 465 512-2), mais qui reçoivent ici un éclairage nouveau.  Celui-ci est évidemment fonction des orgues utilisées mais, pour être tributaire des contraintes propres aux esthétiques classiques et néo-baroques, il n’en impose pas moins sa cohérence.  Les hallucinantes Scènes d’enfant, surtout, prouvent ainsi encore une fois – et on retrouve par là notre propos de départ – qu’à condition de bien vouloir interpréter la partition musicale, ouvrir la musique à l’instant où on la joue, le véritable artiste la vivifie, immanquablement.

 

 

Yves Mausen

 

Franz LACHNER (1803-1890) : Requiem en fa mineur, op. 146.  Kammersolisten Augsburg, dir. Hermann Meyer.  Carus n°83.178.  TT : 59’15.

Compositeur, chef de chœur et d’orchestre, mais aussi directeur de l’Opéra de Munich jusqu’en 1864, Franz Lachner est un grand oublié de l’histoire de la musique.  À la suite de la retraite anticipée - après que Richard Wagner eut imposé Hans von Bülow au poste que Lachner occupait depuis 1836 -, c’est en effet l’intégralité de son œuvre, jugée « passéiste », qui a été mise sur la touche.  Depuis mars 2006 cependant, il semble que la traversée du désert se termine pour ce compositeur né en Bavière mais formé en Autriche, où il rencontra et apprécia Beethoven et surtout Schubert dont il fut un ami fidèle : ses compatriotes commencent en effet à enregistrer ses œuvres maîtresses, dont un étonnant Requiem qui n’a pas fini de faire parler de lui.  Écrit en 1856 pour célébrer le centenaire de la naissance de Mozart, ce Requiem de Lachner est pourtant bien différent de celui à qui il est dédié – si l’on excepte deux fugues magistrales (celles du Kyrie et du Quam olim Abrahae) qui sonnent effectivement comme des hommages à celles de Mozart.  Le Dies Irae de Lachner annonce par contre, avec 15 ans d’avance, celui de Verdi.  Quant aux derniers des treize numéros (à partir de l’Hostias inclus), intimistes car le plus souvent chantés dans la nuance piano et parfois même a cappella, ils baignent dans un éclairage et un climat harmonique parfaitement fauréens  - alors que Fauré ne devait écrire sa propre Messe de Requiem que 32 ans plus tard.  Toujours respectueux de voix qu’il ne maltraite jamais, richement mélodique, se prêtant parfaitement à la réduction voix/orgue - à condition de conserver les timbales, le violon alto, le hautbois et le violoncelle indispensables à sa couleur d’ensemble - ce Requiem ne tardera sans doute pas à figurer au répertoire de nombreux chœurs amateurs de bon niveau.

 

Michèle Lhopiteau

 

DVD

Emil Gilels, live in theMoscow Conservatory, 1978 (vol.4) joue SCHUMANN, BRAHMS et CHOPIN.  Video Artists International (www.vaimusic.com) : 4469.  TT : 90’.

Ce siècle avait 10 ans (1810, année certes faste pour les amoureux du piano) lorsque naquirent et Schumann et Chopin.  Compositeurs qu’Emil Gilels (1916-1985) interprète ici - encadrant Brahms - avec la puissante clarté et le refus de tout mièvre alanguissement qui le caractérisaient.  Schumann : Quatre Pièces, op.32.  Brahms : Quatre Ballades, op.10.  Chopin : Sonate en si mineur, op.58 / Étude en lab, op. posth. / Polonaises, op.40 n°2 et op.53.  Dans le plus parfait respect des textes, une admirable leçon de sobriété.

 

Francis Gérimont

 

Dmitri CHOSTAKOVITCH : Lady Macbeth of Mtsensk.  A.M. Wesbroek, Ch. Ventris, Vl. Vaneev, C. Wilson.  Royal Concertgebouw Orchestra, dir. Mariss Janssons.  Régie : Martin Kusej.  2DVDs Opus Arte : 0A 0965 D. TT : 3h56'.

La mise en scène conçue par Martin Kusej à l'Opéra néerlandais d'Amsterdam pour Lady Macbeth de Mtsensk, l'opéra phare de Chostakovitch, est un formidable manifeste de théâtre.  Loin de tout conformisme, elle projette la lumière sur la sensualité du personnage de Katerina dont les expressions sont saisies avec l'incisif du scalpel à travers une suite de magnifiques plans rapprochés.  On en arrive presque à comprendre le désespoir de cette femme à la fois meurtrière et victime d'un système.  Dans un environnement confiné, pour souligner l'isolement, où dominent grisaille et couleur bleu de chauffe, les personnages livrent leurs pulsions sans fard et se confrontent à la violence dans une promiscuité étouffante, à la limite de l'expressionisme.  On est saisi par une déferlante d'images d'un redoutable impact, succession d'éclats paroxystiques, de débordements à la forte charge érotique.  Leur pouvoir évocateur dérange, mais il mise juste.  En fait, c'est la musique elle-même qui est mise en scène, sa puissance émotionnelle, sa force primaire et brutale, sa charge caustique.  Ce qu'une exécution hors pair démontre à l'envi.  Un spectacle incandescent, dont on ne sort pas indemne - qu'on pourra voir ausssi la saison prochaine à l'Opéra Bastille.

 

Jean-Pierre Robert

 

POUR LES PLUS JEUNES

La musique me fatigue, mais comme ça je veux bien…  2CDs Sony Classical + album Folio « Luxe, calme & volupté » de Sempé. / Je n’aime pas le jazz, mais ça j’aime bien !  2CDs Columbia + album Folio « Les musiciens » de Sempé.

Rien que des « tubes » !  Ces deux publications devraient assurément faire un malheur… Ainsi, dans le premier coffret, trouvons-nous quelques-unes des pièces les plus populaires de Boccherini, Mozart, Satie, Rodrigo, Barber, Bach, Schubert, Grieg, Sibelius, Pachelbel, Haendel… mais aussi des improvisations signées T. Thielemans, S. Getz, M. Jackson, G. Mulligan, N. Hefti, I. Jacquet, B. Webster…  Quant au second coffret, il comporte de célèbres thèmes interprétés par D. Ellington, D. Brubeck, G. Miller, M. Davis, S. Rollins, S. Vaughan, C. Parker, C. Baker, S. Grappelli, T Monk, L. Hampton…  Le tout assorti de deux albums du merveilleux Sempé !

 

                

 

Nocturna, la nuit magique. Une grande aventure au pays des rêves.  Production : Philippe Garell.  Réalisation : Adrià Garcia & Victor Maldonado.  Musique : Nicolas Errèra.  Avec les voix de Roger Carel, Jean-Luc Reichmann, Hélène Bizot… France Télévisions Distribution (www.francetv.com) : 757 177.  TT : 80’ + suppléments DVD.  17 €.

Sélectionné pour le 64^e Festival du Film de Venise, ce délicieux film d’animation nous conte les aventures nocturnes du jeune Tim qui, du haut du toit de l’orphelinat qui l’accueille, a vu disparaître Adhara, sa minuscule étoile.  Avec l’aide du Berger des chats et de sa fidèle ribambelle, il affrontera - pour la retrouver - terreurs nocturnes et personnages plus ou moins bien intentionnés.  La nuit, tout n’est-il pas possible ?  Les suppléments DVD comportent notamment : « Les coulisses de l’animation » (3 modules totalisant 22’), où nous est expliqué comment dessiner des personnages, réaliser des bruitages, construire une bande-son, concevoir affiches & bandes-annonces…

 

Francis Gérimont

 

Chansons d’enfance couleur jazz, vol.2.  Enfance et Musique (www.enfancemusique.asso.fr).

L’association Enfance et Musique est devenue en 25 ans un label de référence au niveau national, en ce qui concerne l’éveil culturel et artistique du jeune enfant.  Prenez un combo jazzy, des classiques de la chanson enfantine, agrémentez tout cela d’un mélange harmonieux de voix d’adultes et d’enfants, vous obtenez la recette choisie par le groupe Triocéphale pour ce deuxième volume des Chansons d’enfance couleur jazz…  Un habile cocktail de swing et de chansons pour les petits à découvrir en famille !  Ce CD est fourni avec un livret illustré où figurent les paroles des chansons ! À noter que certaines chansons sont accompagnées de versions instrumentales.  Est aussi paru Poésique, avec des textes de Jeanne-Marie Pubellier et des musiques originales d’Alain Paulo où vous rencontrerez de drôles de bêtes, un singe, des poules, une licorne, des fées et même, au détour d’un buisson, quelques-uns de nos plus grands poètes comme Paul Verlaine, Charles Baudelaire et Alfred de Musset.  Sur www.enfancemusique.asso.fr vous trouverez toutes leurs parutions de CDs ainsi que des spectacles jeunes publics ! À découvrir sans attendre !

 

Laëtitia Girard