Musique en Sorbonne.

Dans le cadre du Grand Amphithéâtre de la Sorbonne, le concert du 27 mai 2010 a été dominé par le Psaume XIII (1855) de Franz Liszt.  À ce nom se rattache surtout le rayonnement d’une œuvre pianistique et orchestrale ; on connaît moins les pages magnifiques dont il a enrichi le domaine religieux.  Ce psaume révèle, dans un lyrisme éloquent, l’expression du mysticisme qui imprègne le style et le langage, tant dans ses partitions profanes instrumentales que dans ses poèmes symphoniques.  On sait gré à Johan Farjot d’avoir transmis le sens profond de cette grandiose partition et d’avoir dirigé, et insufflé avec la même prodigieuse énergie, le Psalmus Hungaricus (1923) de Zoltan Kodáky.

Johann Farjot ©DR

Dans ces deux œuvres, la voix fort belle et expressive du ténor coréen Ook Chung et le Chœur de Paris-Sorbonne, perfectionné par la méticuleuse maîtrise et la musicalité de Denis Rouger, ont hautement contribué à la réussite d’un concert qui avait débuté avec deux courtes pièces de Mozart, interprétées à la flûte par Hélène Boulègue, lauréate du concours « Jeunes Solistes de la Sorbonne », en 2009.

Ook Chung ©DR

Pierrette Mari.

Au Théâtre des Champs-Élysées.

Francesco CAVALLI (1602-1676) : La Calisto, drama per musica en trois actes (1651).  Livret de Giovanni Faustini, d’après Les Métamorphoses d’Ovide.  Les Talens Lyriques, dir. Christophe Rousset.  Mise en scène : Macha Makeïeff.  Sophie Karthäuser (Calisto), Lawrence Zazzo (Endimione), Giovanni Battista Parodi (Jupiter), Véronique Gens (Junon), Marie-Claude Chappuis (Diane), Milena Storti (Lymphée), Cyril Auvity (Pan), Mario Cassi (Mercure), Sabina Puertolas (Satyre), Graeme Broadbent (Sylvano).

Sophie Karthäuser ©DR

Il convient de rendre hommage à la direction du Théâtre des Champs-Élysées d’avoir programmé cet opéra - peu connu et surtout peu joué - de Francesco Cavalli, puisqu’il s’agit de sa création à Paris.  Ouvrage historiquement important, La Calisto marque le début de la révolution opératique vénitienne où l’art lyrique évolue vers le théâtre public, avec des moyens désormais limités, comme en témoigne l’effectif réduit de l’orchestre.  La Calisto est particulièrement emblématique de cette mutation.  Comme de règle dans la production vénitienne, le livret mêle les dieux et les hommes, avec un équilibre certain entre récitatifs et airs chantés.  Inspiré des Métamorphoses d’Ovide, le livret fournit la possibilité d’une parfaite comédie lyrico-sexuelle offrant une foule de possibilités comiques au metteur en scène imaginatif.  Cela ne fut, hélas, pas le cas, tant la mise en scène de Macha Makeïeff nous a paru ennuyeuse, sans originalité, rendant mal, à la fois, la violence du désir et la subtilité de l’évitement dans l’amour éthéré avec, de plus, une scénographie assez laide, voire indigente, malgré les éclairages réussis de Dominique Bruguière.  Musicalement, la cohésion et l’équilibre entre l’orchestre et les chanteurs furent de mise, avec un chef très à l’écoute.  Vocalement, la distribution est de qualité relativement homogène.  Notons la remarquable interprétation, tant scénique que vocale, de Sophie Karthäuser qui confirme son succès de l’an dernier à Bruxelles, dans ce rôle.

Aux côtés du non moins remarquable Lawrence Zazzo, Véronique Gens campe une Junon passionnée et jalouse parfaitement crédible, Giovanni Battista Parodi, en imitant Diane, fait des prouesses « vocales » assez comiques, lors des passages en voix de tête, Milena Storti, Sabina Puertolas et Marie-Claude Chappuis sont également convaincantes.  Bref, une qualité vocale et musicale qui nous fait amèrement regretter l’indigence de la mise en scène.

Salle Pleyel.

Pittsburg Symphony Orchestra, dir. Manfred Honeck.  Anne-Sophie Mutter, violon.

L’Orchestre de Pittsburg et son chef titulaire, Manfred Honeck, étaient de passage à Paris, Salle Pleyel, à l’occasion de leur tournée européenne, en compagnie de la célébrissime Anne-Sophie Mutter, dans un programme associant le Concerto pour violon de Brahms et la 5^e Symphonie de Chostakovitch.  Anne Sophie Mutter nous gratifia d’une interprétation musicalement impeccable du Concerto de Brahms (composé en 1878 et créé à Leipzig, en janvier 1879, par le violoniste Joseph Joachim, sous la direction du compositeur).  Une interprétation à la hauteur du dédicataire concernant la virtuosité, la sonorité, mais une lecture un peu maniérée, frisant parfois le mauvais goût.  Une ovation de la salle et, en bis, la Chaconne de Bach qui réussit, enfin ! à faire passer l’émotion.

Mais l’essentiel restait à venir : une magnifique et intelligente interprétation de la 5^e Symphonie de Chostakovitch, composée en 1937, créée la même année à Saint-Pétersbourg sous la direction du grand Mvravinski.  Symphonie ambiguë, entre repentance et provocation, humour et angoisse, rire grotesque et langue de bois, résonnant comme une énigme, aux accents mahlériens, parfaitement menée de bout en bout par Manfred Honeck [notre photo], qui sut - par sa direction précise, le choix judicieux des tempi, la netteté des articulations et la beauté du phrasé - rendre toutes les couleurs d’une œuvre, en même temps que la magnifique sonorité de sa phalange, tant au niveau des cordes, d’une sublime beauté, qu’au niveau des vents et percussions particulièrement sollicités, pour notre plus grand bonheur.  Trois bis généreux confirmèrent tout le plaisir de jouer de cette formation et d’un chef plein d’allant.  Public ravi, grand succès.

©Jason Cohn

Patrice Imbaud.

Événement à La Scala : Quand le ténor Placido Domingo se fait baryton.

Giuseppe VERDI : Simone Boccanegra.  Mélodrame en un prologue & trois actes.  Livret de Francesco Maria Piave.  Placido Domingo, Ferruccio Furlanetto, Anja Harteros, Fabio Sartori, Massimo Cavalletti.  Orchestra del Teatro Alla Scala, dir. Daniel.Barenboim.  Mise en scène : Federico Tiezzi.

Le célébrissime ténor Placido Domingo qu'aucun challenge n'arrête, a décidé d'ajouter à son immense répertoire Simon Boccanegra, rôle écrit pour une voix de baryton.  Mais Verdi n'a-t-il pas porté l'accent sur la partie héroïque de cette tessiture, ce que le timbre mordoré de l'interprète en son glorieux automne permet de couvrir avec emphase.  Et puis est-il personnage plus passionnant que cet ex-corsaire devenu doge, aux prises avec les factions rivales dans une Gênes vouée aux luttes fratricides, et caractérisé par une déclamation lyrique somptueuse !  Sous les ors de La Scala, Placido Domingo, dans une forme insolente, lui prête des accents majestueux et un formidable relief.  On ira jusqu'à percevoir des intonations dignes de la stature d'Otello dans le vaste ensemble qui clôt le tableau du conseil, d'appel à la paix puis de malédiction lancée à l'endroit du traître Paolo.  Au point que l'interprète semble driver une mise en scène pseudo-historiciste qui ne brille pas par son inventivité.  Mais peut-être la star de la soirée a-t-elle préféré une régie sage à quelque réinterprétation moderne du substrat politique irriguant l'intrigue.

©Marco Brescia/La Scala

Une décoration plus clinquante qu'évocatrice des embruns marins qui baignent la pièce ne rachète pas une direction d'acteurs convenue.  On est loin de la puissante vision imaginée par Giorgio Strehler naguère sur ce même plateau.  Qu'importe ! le spectacle vaut avant tout par son volet musical. Et là la réussite est quasi totale.  Car, outre le grandiose ténorissime Doge, on y apprécie la basse moelleuse de Ferruccio Furlanetto, noble Fiesco, la sûre vocalité verdienne de l'Amélia de Anja Harteros ou la vilénie assumée d'un Paolo remarquable, Iago avant la lettre, Massimo Cavaletti.  L'Orchestre de La Scala qui connaît mieux que tout autre son Verdi, livre une interprétation incandescente sous la baguette fièvreuse de Daniel Barenboim, aussi à l'aise que dans l'idiome wagnérien.  Sonorités envoûtantes, lyrisme éperdu ponctué d'accents dramatiques d'une rare intensité, voilà bien une lecture engagée qui prend au cœur et au corps.

©Marco Brescia/La Scala

Lulu à La Scala.

Alban BERG : Lulu.  Opéra en trois actes (III^e acte dans la version de Friedrich Cehra).  Laura Aikin, Franz Mazura, Stephen West, Robert Wörle, Thomas Piffka, Natascha Petrinsky, Roman Sadnik.  Orchestra del Teatro alla Scala, dir. Daniele Gatti.  Mise en scène : Peter Stein.

Curieusement, Lulu n'en est, à La Scala, qu'à la troisième production de son histoire.  Avec flair, le « sovrintendente » Stéphane Lissner a choisi de présenter la production conçue par Peter Stein pour l'Opéra de Lyon.  Point de spectaculaire, mais une approche presque intimiste, car Stein travaille sur les volumes aussi bien que sur les caractères.  Au lumineux studio Art Déco du peintre qui croque Lulu, fait écho l'attique grisâtre et rapetissé où elle sombrera sous la lame de Jack l’Éventreur.  Épurée, la mise en scène focalise sur les effets de symétrie et les raccourcis troublants que recèle une pièce parfaitement construite en arche et dont le film - qui retrace l'arrestation, le procès et le temps de la prison - forme la clé de voûte.  Les divers amants de Lulu réapparaissent au III^e acte comme autant de clients de celle qui désormais est conduite à faire commerce de ses charmes.  Stein les saisit chacun férocement, gravitant autour de cette femme qui, tel un aimant, attire tout mâle alentour.  De ses multiples métamorphoses vestimentaires émane, de la femme en pleine gloire à l'ange déchu, une irrésistible et folle séduction.  Une perversité sournoise aussi dans le détachement qu'elle affiche envers tout événement morbide.  C'est que la dépravation reste plus suggérée que soulignée, comme le chemin de déchéance qui est le sien.  Avec son profil de danseuse, Laura Aikin lui prête des accents d'une rare sincérité ; et d'une grande sûreté vocale, même si conduite à se ménager en raison d'une légère indisposition.  Parmi la galerie des soupirants, on citera un solide Dr Schön, Stephen West, un Alwa impressionnant, Thomas Piffka, une saisissante comtesse Geschwitz, Natascha Petrinsky.  Daniele Gatti galvanise un orchestre d'élite, quoique un brin hyper présent vis à vis des chanteurs.  Mais comment résister à pareil luxe sonore !

©Marco Brescia/La Scala

Mignon triomphe à l'Opéra Comique.

Ambroise THOMAS : Mignon.  Opéra-comique en trois actes.  Livret de Jules Barbier & Albert Carré d'après Les Années d'apprentissage de Wilhelm Meister de Goethe.  Marie Lenormand, Ismail Jordi, Malia Bendi-Merad, Nicolas Cavallier, Charles Mortagne, Blandine Staskiewicz.  Chœur Accentus.  Orchestre philharmonique de Radio France, dir. François-Xavier Roth.  Mise en scène : Jean-Louis Benoît.

Avec Mignon, Ambroise Thomas aura laissé à l'opéra-comique l'un de ses plus beaux fleurons : un sujet bien ficellé par le tandem Barbier & Carré, une musique où triomphe la belle mélodie.  L'air de l'héroïne « Connais-tu le pays » n'a pas de mal à rester gravé dans la mémoire de par sa souple tournure, et on saisit vite pourquoi les colorature de la piquante Philine ont tant fait pour populariser son auteur auprès d'un public captivé par la prouesse vocale.  Rien d'étonnant à ce que la pièce ait connu le plus durable des succès salle Favart, avant de sombrer dans l'oubli dans les années 1960, « modernité » oblige ; à moins que ce ne soit le déclin de la salle à partir de cette époque.  Il eût été dommage que cette tendre histoire ne vît plus le jour et que nous soyions privés de la finesse du trait dramatique qui touche par sa simplicité.  C'est ce que la nouvelle production de l'Opéra Comique démontre d'évidence, grâce à des gens qui y croient.  François-Xavier Roth, qui dirige face au public, ressuscitant ce rôle de facilitateur entre plateau et fosse qu'avait le chef d'orchestre au XIX^e, fignole à l'envi le discours, à la tête d'une formation rompue au lyrique.  On savoure la richesse de l'orchestration, dont se détachent les volutes de la harpe, la vivacité des ensembles habilement agencés, l'ingéniosité des airs où la voix est toujours traitée de manière flatteuse.

©E. Carecchio

La régie mise sur le ressort éprouvé du théâtre sur le théâtre et le vif des échanges, refusant tout sentimentalisme.  Cela ressortit souvent au premier degré, mais avec adresse et bon goût.  Dans le rôle éponyme, qui vocalement est cousine de la Charlotte de Massenet, Marie Lenormand séduit par un chant accompli, et Ismail Jordi a cette jolie voix de tête qui donne tout son panache à la partie exigeante de Wilhelm Meister, cet anti héros, « amoureux de l'amour ».  Parangon de vocalises pyrotechniques à la française, la Philine de Malia Bendit-Merad possède un ton vif-argent dans le style de Mady Mesplé.  Le chœur Accentus, habitué à l'estrade de concert, n'a pas de mal à se couler dans le moule opératique et sa fraîcheur de jeu comme d'accents comble de bonheur.

©E. Carecchio

Mazeppa ou Tchaïkovski l'épique à l'Opéra de Lyon.

Piotr Illitch TCHAÏKOVSKI : Mazeppa.  Opéra en trois actes.  Livret du compositeur & de Victor Bourenine d'après Poltava de Pouchkine.  Nikolai Putilin, Anatoli Kotscherga, Olga Guryakova, Marianna Tarasova, Misha Dydik.  Orchestre de l'Opéra de Lyon, dir. Kirill Petrenko.  Mise en scène : Peter Stein.

Moins prisé qu’Eugène Onéguine ou La Dame de Pique - entre lesquels il se situe (1884) - l'opéra Mazeppa partage avec eux de s'inspirer d'une œuvre de Pouchkine.  En l'occurrence, du poème épique Poltava, mettant en scène un personnage historique.  Le vaillant héros romantique Mazeppa, évoqué par Victor Hugo dans ses Orientales, y est représenté comme un chef de guerre vieillissant, en rebellion contre le tsar Pierre le Grand, pour la libération de son Ukraine natale, et animé d'une passion démesurée pour la fille d'un grand propriétaire terrien, Kotchoubeï.  Le tableau de mœurs qui fait le charme d'Onéguine, laisse place à une vaste fresque historique où le thème du fatum est omniprésent.  Tchaïkovski la façonne par une musique au ton plutôt sombre, émaillée d'éléments empruntés au folklore russe.  L'Opéra de Lyon reprend la mise en scène créée en 2006 par Peter Stein.  Ne cherchant pas à éluder la composante conventionnelle, elle la magnifie au contraire et fait du réalisme un atout avec une étonnante économie de moyens : lande cosaque aride baignée de soleil ou enneigée, que deux ou trois tapis d'Orient suffisent à habiter de couleur locale vraie.  Tels des tableaux vivants, les scènes d'ensemble ont un réel impact dans leur simplicité évocatrice.  Stein surtout inculque à ses caractères une force singulière, tel le vieux Kotchoubeï, chef de clan soucieux de ses prérogatives, auquel un solide briscard comme Anatoli Kotscherga apporte une imposante conviction et une voix de stentor.  Mazeppa, personnage ambigu, tourmenté et calculateur, mais aussi capable d'humanité, est, sous les traits de Nikolai Putilin, souvent bouleversant.  D'autant que le registre héroïque du timbre de baryton renforce une présence grandiose.  Olga Guryakova prête à l'infortunée Maria des accents sincères et une ample vocalité dans un rôle exigeant.  L'Orchestre de l'Opéra de Lyon sonne fièrement sous la direction impulsive de Kirill Petrenko qui ne laisse dans l'ombre aucune des aspérités de ces pages colorées où les vents apportent une tonalité tragique, tel l'interlude symphonique animé entre les deuxième et troisième actes évoquant la bataille de Poltava, et galvanise des chœurs qui sont loin d'avoir une fonction secondaire.

©Michel Cavalca

À La Monnaie : Don Quichotte pour un adieu.

Jules MASSENET : Don Quichotte.  Comédie héroïque en cinq actes.  Livret de Henri Cain d'après Jacques Le Lorrain & Miguel de Cervantès.  José van Dam, Silvia Tro Santafé, Werner Van Mechelen, Julie Mossay, Camille Merckx, Gijs Van der Linden, Vincent Delhoume.  Orchestre symphonique et Chœurs de La Monnaie, dir. Marc Minkowski.  Mise en scène : Laurent Pelly.

Massenet a sous-titré son Don Quichotte : comédie héroïque.  Sans doute la veine héroïque trouve-t-elle son origine dans l'épopée de Cervantès, dont l'opéra s'inspire, de loin d'ailleurs.  L'appelation de comédie est plus paradoxale, car le truculent qui se mélange à l'épique vire plutôt à l'humour, et sombre dans le tragique.  En tout cas, c'est ainsi que le conçoit Laurent Pelly dans sa mise en scène à La Monnaie.  Nul doute aussi que cette production, montée pour marquer les adieux à la scène de sa ville natale de José van Dam, en est influencée dans sa couleur générale.  Une certaine mélancolie s'en dégage, installée dès la première scène où Don Quichotte assiste rêveur à l'animation alentour, plongé dans ses lectures.  Même les moments de franche gaieté paraissent écrêtés au profit du trait distancé.  Y est pour beaucoup l'étonnant décor (Barbara de Limburg) en amoncellement de papier mâché, comme si étaient réunies là toutes les lettres et billets doux empilés au cours d'une vie de fantasmes rimeurs et de doux rèves éveillés.

©J. Jacobs

L'émotion affleure souvent.  Ainsi lors de la scène des moulins, alors que notre héros charge l'illusion d'une énorme aile tournoyant au premier plan ; plus encore au cours de la traque des bandits où, figé sur sa propre lance, Don Quichotte acquiert à sa juste cause ses poursuivants.  Il y a là quelque vision christique.  Si José van Dam n'a bien sûr plus la vigueur vocale d'antan, le magnétisme dont il habite ce « fou sublime » reste phénoménal et, à l'heure de l'ultime adieu, déchirant.  Alors qu'il faut finir en « héros admirable », une page se tourne.  Et l'on se prend à penser que cette Île des Rêves léguée à l'ami Sancho, c'est celle que le chanteur nous a livrée soir après soir.  À ses côtés, Sancho qui, comme Leporello vis à vis de Don Giovanni, en vient presque à s'identifier à son grand héros, a belle stature.  Marc Minkowski joue à fond les contrastes d'une musique séduisante dans sa verve presque trop énergique et ses climats poétiques on ne peut plus galbés.

©J. Jacobs

Reprise brillante de Billy Budd à l'Opéra Bastille.

Benjamin BRITTEN : Billy Budd.  Opéra en deux actes.  Livret d'Edward Morgan Forster & Éric Crozier, d'après la nouvelle d'Herman Melville.  Kim Begley, Lucas Maechem, Gidon Saks, Michael Druiett, Paul Gay, Scott Wilde, Andreas Jäggi, Yuri Kissin, François Piolino, Frank Leguérinel.  Orchestre et choeurs de l'Opéra national de Paris, dir. Jeffrey Tate.  Mise en scène : Francesca Zambello.

Si la vitalité d'une maison d'opéra se mesure à la qualité de ses reprises, assurément celle de l'Opéra de Paris est actuellement exemplaire à en juger par Billy Budd donné à Bastille.  Non seulement la mise en scène de Francesca Zambello (1996) n'a pas pris une ride, mais l'excellence de l'interpétation musicale semble la ragaillardir.  À peu près unique en son genre, pour ne comporter aucun personnage féminin, l'opéra de Britten traite l'histoire d'un jeune marin accusé faussement par Claggart, le maître d'armes d'un navire de Sa Majesté, de vouloir fomenter une mutinerie, et qu'il en vient à tuer dans sa gauche défense.  Il sera jugé et condamné à être pendu devant l'équipage réuni, crucifié sous l'œil du Capitaine Vere qui, pourtant convaincu de sa droiture, ne fera rien pour le sauver.  L'œuvre n'échappe pas à l'ambiguité de ses sous-entendus, notammment de ses implications homosexuelles.  Car si le maître d'armes s'est juré de perdre Billy, c'est que, fasciné par la beauté de celui-ci, il ne peut assumer cette partie inavouée de lui-même.  Mais l'esthète Capitaine Vere n'est-il pas tout autant troublé.  La confrontation manichéenne entre Bien et Mal est transcendée par le drame moral que vit ce troisième personnage, tel qu'exposé dans le prologue et l'épilogue qui encadrent la pièce, elle-même fonctionnant comme un flash-back.  Dans le décor grandiose (Alison Chitty) d'un vaste pont de navire barré d'un mât en forme de croix de Lorraine, où la lumière trace d'envoûtants climats, ou des entrailles de celui-ci, Francesca Zambello sculpte aussi bien l'épique de la fresque (l'attaque d'une frégate française troublée par la brusque tombée de la brume) que la prégnance de l'inexorable tragédie broyant un destin.

©Opéra national de Paris/C. Leiber

Qu'il s'agisse des chœurs, personnification d'un monde qui se vit clos, ou des figures solistes, chacune magistralement burinée, tout est ici d'une singulière force.  De cet ensemble se dégagent : Lucas Maechem, Billy d'une désarmante et radieuse jeunesse, Gidon Saks, Claggart ou l'homme pervers criant son venin, et Kim Begley, Vere, qui insuffle une touche d'humanité à ce drame de l'extrême.  Jeffrey Tate offre une lecture particulièment accomplie de la partition de Britten : diversité des paysages sonores et de ses résonances, mélange d'agitation et de méditation, de sonorités lugubres ou frénétiques, tout est, sous sa direction, frappé au coin du vrai.

©Opéra national de Paris/I. Patrick

Jean-Pierre Robert.

In memoriam Jean Maillard (1926-1985).

Messe en si mineur de Jean-Sébastien Bach (BWV 232).

Le dimanche 16 mai, il fut donné à une assistance nombreuse, emplissant toute la nef de l'église Saint-Louis de Fontainebleau, d’entendre une interprétation magistrale de la Messe en si mineur de Bach ; l'exécution de ce monumental chef-d’œuvre par l'Ensemble Laudate Dominum de Fontainebleau-Avon, les solistes et l'orchestre sous la direction de leur chef Jean-Jacques Prévost, était, ce jour-là, particulièrement dédiée à la mémoire de Jean Maillard, pour célébrer le 25^e anniversaire de sa mort.

Beaucoup de collègues, d’amis, d’anciens élèves se souviennent de cet éminent professeur d’Éducation musicale qui, pendant plus de trente ans, enseigna et fit aimer la musique à des générations d'élèves et d’étudiants, aussi bien dans les deux lycées de la ville, qu'à la Schola Cantorum de Paris, à Paris-IV Censier et Paris-IV Sorbonne.

Beaucoup de musicologues n'ont pas oublié ses travaux d'érudition, axés non seulement sur la lyrique médiévale, objet de sa thèse sur le Lai lyrique en 1963, mais aussi sur bien d'autres sujets, privilégiant le plus souvent la musique et les musiciens français, sans oublier ses recherches sur les traditions populaires, l’hagiographie et l’organologie.

Beaucoup de lecteurs de l’Éducation musicale, enfin, ont encore en mémoire sa fidèle et efficace action en faveur de la revue depuis... 1950 !  Ses pertinentes et nombreuses analyses, le courrier des lecteurs qu'il animait, cherchant toujours à aider ses correspondants, ses critiques de disques et de livres faisaient de lui un collaborateur efficace et apprécié.

Aucun hommage ne pouvait mieux lui être rendu que ce concert d'exception.

Précédé par le choral d'orgue BWV 645 de Bach, exécuté avec clarté et sensibilité par Éric Lebrun, ancien élève de Jean Maillard et organiste de l'église Saint-Antoine des Quinze-Vingts de Paris, le concert se poursuivit avec les vingt-quatre morceaux composant l'intégralité de la Messe en si mineur dont le Cantor de Leipzig avait entrepris la composition dès 1733, mais qu'il paracheva en 1748.

Les quatre-vingt choristes, l’orchestre de vingt instrumentistes auquel s’adjoignait l'orgue d'accompagnement, tenu à la perfection par Pascale Giardina, les cinq chanteurs solistes, sous la baguette nette, claire et sensible de Jean-Jacques Prévost - successeur de Jean Maillard au lycée François I^er - réalisaient une imposante formation, digne du chef-d’œuvre qu’ils recréaient.

L'éloge de l'Ensemble Laudate Dominum n'est plus à faire.  Fondée en 1974, par Jean-Jacques Prévost, au sein de l'Église reformée de Fontainebleau dont il était lui-même l'organiste, cette chorale - dont Jean Maillard avait salué et encouragé les débuts - s'est ensuite ouverte à tous, y accueillant de nombreux élèves et anciens élèves (« Les musiciens de François I^er ») et, s’orientant vers un répertoire de cantates, messes et oratorios.  Depuis plus de trente ans, son répertoire s’enrichit chaque année, allant de Bach à Widor, passant par Vivaldi, Haendel, M.-A. Charpentier, Haydn, Mozart, Dvořák, Fauré, Gounod...

Comme par le passé, nous avons apprécié, ce jour-là, l’exécution d’une partition où les difficultés étaient vaillamment surmontées : netteté des départs, justesse impeccable, en particulier dans les chromatismes du 2^nd Kyrie, agilité et précision des vocalises, souvent périlleuses, comme celles du Gratias agimus tibi, expression paisible et sereine de l'Et incarnatus est ou douloureuse du Crucifixus, explosion triomphale enfin du Resurrexit.  Et, de surcroît, malgré l'imposante participation des voix féminines, et en particulier des soprani, l'homogénéité de la masse chorale était presque toujours présente.

Des félicitations sans partage doivent être aussi décernées aux chanteurs solistes, aux voix fraîches et juvéniles des deux soprani, Émilie Rose Bry (ancienne de François I^er) et Dominique McCormick, au timbre chaud et riche de l’alto, Sophia Castiello, au ténor Gil Chazallet, expressif et sensible, à la solide voix de basse d'Olivier Ayault.

Mentionnons aussi les solistes instrumentistes dialoguant, faisant corps avec le chanteur soliste ; citons, par exemple, l’intervention du flûtiste Lisheng Wang, dont la ligne mélodique, grâce à un phrasé délicat, s’intégrait si bien aux deux solistes du Domine Deus, et plus loin, toujours aussi musicalement, au Benedictus du ténor.  Citons encore le merveilleux hautbois d’amour de Pierre Hartzfeld, donnant la réplique à Olivier Ayault dans le Et in spiritus sancto, et surtout, accompagnant la voix chaude et prenante de l’alto Sophia Castiello dans le Qui sedes, un des sommets, à notre sens, de l'ensemble de cette magnifique prestation.  N'oublions pas non plus les trompettes, intervenant avec les chœurs dans le Gloria et dans le Dona nobis pacem, dont les éclats étaient soulignés par la prestigieuse timbale du jeune Florian Bellecourt. Mentionnons encore l'intervention du cor et des bassons, se partageant avec la basse l’air majestueux Quoniam tu solus sanctus.  Mais enfin et surtout, saluons la magnifique intervention du violon solo, Marie-France Varnerot (ancienne élève de Jean et Francine Maillard), faisant assaut de virtuosité avec la soprane, dans l’air Laudamus te.

Comment, enfin, ne pas saluer, en la personne du chef de cet imposant ensemble, Jean-Jacques Prévost, le « maître d’œuvre » qui permit de mener à bien une telle réalisation, résultat de nombreuses heures de travail, de mises au point d’une partition émaillée de difficultés techniques redoutables, même pour des professionnels.  Netteté et précision des départs, tant du chœur que de l'orchestre ; tempos toujours régulièrement respectés, conduisant sans heurt le discours musical, sans en exclure l'expression sensible ; appui sur une impeccable « basse continue » (bravo à la contrebasse et à l'orgue de Pascale Giardina !)… Voilà les qualités qu'il nous fallait souligner.

Le public de ce dimanche 16 mai goûta pleinement ces heures privilégiées et salua par des applaudissements enthousiastes l'accord final de la Messe en si mineur, réclamant un bis qui lui fut donné avec un triomphant et flamboyant Resurrexit.

Signalons que le programme de ce concert avait déjà été donné à l’église Saint-Pierre d'Avon, à l'Oratoire du Louvre, au Temple de l’Étoile et devait l'être ensuite à la collégiale Notre-Dame et Saint-Loup de Montereau.  Souhaitons que l'ensemble Laudate Dominum nous comble à nouveau de concerts comme celui-ci !

Francine Maillard.

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« Un mécène, deux regards » : une expérience réussie, à l'Opéra Comique, de sensibilisation des jeunes au monde du lyrique.

L'Association des Amis et Mécènes de l'Opéra Comique (AMOC) mène depuis 2008, entre autres actions, une opération originale en direction du jeune public.  « Un mécène, deux regards » a pour dessein d'ouvrir les portes de la maison aux jeunes issus d'horizons différents ou souffrant d'exclusion, afin de les familiariser avec un lieu et un genre considérés a priori comme peu accessibles.  Le dispositif, qui met en place une médiation pédagogique et une offre de spectacles, se décline en quatre étapes :

      - une formation des enseignants, puisqu'aussi bien la sensibilisation des accompagnateurs est essentielle.  Des sessions d'information sont organisées sur la programmation et sur les thèmes à développer pédagogiquement.  L'édition de dossiers pédagogiques la complète ;

      - une médiation culturelle personnalisée, revêtant des formes variées et complémentaires : visite de l'Opéra Comique ; ateliers de présentation d'une œuvre (Carmen, par exemple) ou d'un thème (les histoires d'amour à l'opéra et dans la littérature ; le héros d'opéra) ;

      - une offre de places de spectacles durant la saison.  Il faut vaincre les barrières qui entravent l'accès à cette forme de culture, qu'elles soient économiques, sociologiques ou même symboliques.  L'assistance à la représentation est toujours précédée d'une initiation à l'œuvre donnée ;

      - une réalisation annuelle en écho aux expériences partagées au cours de la saison.  Ce peut être la réalisation d'un témoignage plastique ou audiovisuel, ou le montage d'un spectacle vivant.  Ainsi, en juin 2009, un spectacle intitulé « Carmen Jeun's », travail scénique à partir de Carmen, a permis un retour ciblé sur les actions menées durant l'année à partir du chef-d'œuvre de Bizet.

Dessin de Sabrina Mamelouk, lycée Évariste-Galois

Cette opération s'inscrit dans le tradition d'ouverture de l'Opéra Comique.  On y est ici, à travers le Conseil d'administration et les dirigeants, extrêmement sensibilisé.  Elle illustre, selon Macha Makeieff, « une volonté de travailler ensemble, ce qui est déjà beaucoup ».  Les artistes qui professent les métiers du théâtre lyrique - par nature généreux - n'hésitent pas à venir expliquer ce qu'ils font.  Quelle chance pour les jeunes de voir le chef d'orchestre, personnage un peu mythique et incaccessible, venir à eux pour dialoguer sur ce qui vient de se passer dans la salle.  Dès lors, les premières timidités vaincues, rien d'étonnant à ce que les échanges soient animés.  Et les retours enthousiastes : « l'émotion nous atteint en plein cœur, nous submerge et nous voici catapultés de force en dehors de l'Opéra Comique » (un élève de Seconde, après la représentation de Didon et Énée).

Entièrement financée par le mécénat, elle mobilise actuellement une douzaine de partenaires institutionnels ou individuels.  C'est le cas d'associations travaillant dans le domaine de l'insertion des jeunes, tels « Les Petits Riens » (faciliter l'accès à la musique classique), « Réussir aujourd'hui » (sensibilisation d'élèves de 1^re et Terminale de Stains et Épinay-sur-Seine), « Œuvres de Secours aux Enfants » (maisons d'enfants), « Cultures du Cœur » (jeunes bénéficiant d'une mesure d'accueil temporaire ou d'une mesure d'assistance judiciaire éducative).  Des établissements scolaires participent aussi activement au programme, tels le lycée Évariste-Galois à Noisy-le-Grand ou le collège Gustave-Romanet dans le XVIII^e arrondissement de Paris.  Enfin des fondations, ainsi celle de la RATP, se sont jointes devenant mécène de projets (un soutien logistique permettant à des jeunes de banlieue de se rendre au théâtre ; ou encore l'édition d'une brochure ludique gratuite présentant l'Opéra Comique).

©Amoc/Opéra comique

Le programme se veut ambitieux tout en gardant une approche qui soit en rapport avec les proportions de la maison et les caractéristiques de son répertoire.  Durable également car le public à sensibiliser est très vaste et l'expérience prouve un réel investissement des jeunes.  Aussi cherche-t-il à se diversifier et à associer de nouveaux partenaires ; de même qu'à organiser des activités nouvelles, telles des sessions de formation aux métiers du théâtre.  Comme le souligne Marie Delbé, sa responsable, « l'intérêt est que cette action ne se situe pas dans le cadre scolaire, et qu'elle permet le partage d'un moment de plaisir ».  Aussi faut-il trouver le bon médiateur, autrement dit celui qui fasse découvrir et aimer.

©Amoc/Opéra Comique

Contact : AMOC.  Marie Delbé, déléguée générale, Opéra Comique (5, rue Favart, Paris II^e.  Tél. : 33 (0)1 42 44 45 64 .  amoc@opera-comique.com).

Jean-Pierre Robert.

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Si on chantait ?  Aux yeux des autres Européens, le peuple allemand passe pour un peuple de musiciens et de chanteurs.  Et bien, figurez-vous que ce n’est plus tout à fait vrai : eux aussi otages des jeux vidéo, du Net et de la télévision, les enfants allemands ne chanteraient plus.  C’est en tous cas le constat attristé que font certains musiciens qui, comme la célèbre basse mozartienne Cornelius Hauptmann , ont un beau jour décidé de faire quelque chose.

Le raisonnement de Cornelius a été très simple : pour que les enfants aient envie de chanter, il faut qu’ils chantent dans leurs familles.  Autrement dit, il faut que leurs parents chantent avec eux.  Ayant gardé un souvenir ému des berceuses que lui chantaient ses parents et surtout ses grands-parents, il a compris que c’était de là qu’il fallait partir si on voulait renverser la tendance actuelle.

Usant de sa notoriété, Cornelius a contacté ses collègues chanteurs et a réussi à rassembler 52 artistes qui, tous, ont accepté de participer bénévolement à l’aventure ; avec des pointures comme Peter Schreier et Kurt Moll - membres, comme Cornelius, du « gang des Sarastro et des Tamino ».

Trouver une maison de disque fut plus délicat et, après bien des tergiversations, c’est la maison Carus qui a finalement dit « banco ».

Parallèlement, Cornelius et ses amis ont sélectionné 52 berceuses allemandes, une pour chaque interprète et une pour chaque semaine de l`année, de quoi graver finalement deux CDs de 26 titres chacun.  Les chansons sont exclusivement accompagnées par un piano ou une guitare, les synthétiseurs ayant été soigneusement bannis de cet enregistrement haut de gamme et hyper professionnel réalisé par les techniciens de la radio de Stuttgart, « les enfants méritant ce qui se fait de mieux », pour citer Hauptmann lui-même.  Chaque CD existe en outre dans sa version « karaoké », c'est-à-dire avec l’accompagnement seul, un violon remplaçant la voix pour soutenir et accompagner celle des enfants.

Cornelius Hauptmann ©DR

Lame de fond : Sortis simultanément il y a sept mois sous les références Carus 83 001 et Carus 83 002, les volumes 1 et 2 des Wiegenlieder [www.wiegenlieder.org] ont eu, aux quatre coins de l’Allemagne, un retentissement énorme, que leurs auteurs n’auraient pu imaginer dans leurs rêves les plus fous.  La plupart des grandes radios allemandes ont d’emblée joué le jeu, et décidé de programmer - toutes les semaines, à la même heure - la même berceuse (intitulée « Berceuse de la semaine ») jusqu’à ce que tous les petits Allemands - et surtout tous leurs parents - sachent la chanter.  Elles sont ensuite passé au titre suivant, la semaine d’après.

Les premiers acheteurs furent bien sûr les grands-parents, désireux de renouer avec leurs petits-enfants un lien peut-être distendu par la vie moderne.  Mais pas seulement : des hôpitaux pour enfants, des crèches, des écoles maternelles font désormais grand usage de ces si belles chansons, fruit du génie populaire, dont beaucoup sont d’auteur inconnu.  Jusqu’aux femmes enceintes qui les écoutent régulièrement pour le plus grand bénéfice de leurs futurs bébés.

Berceuses contestataires ? Début mai 2010, un très grand nombre de sages-femmes d’Allemagne ont manifesté dans tout le pays pour une amélioration de leurs salaires et de leurs conditions de travail : leur nombre serait insuffisant et leur profession menacée.  Celles de Stuttgart ont demandé à Cornelius, qui vit dans cette ville, de leur donner un petit coup de main : juché sur une scène, en pleine place du marché, la basse mozartienne a donc chanté, accompagné des voix de plusieurs centaines de manifestantes, 5 des berceuses figurant dans les Wiegenlieder.  Tous se sont volontairement et brutalement interrompus au milieu de la cinquième chanson : le scandale que constitua cette berceuse inachevée, tuée en plein élan, étant le symbole de celui qui guette l’Allemagne si elle est un jour privé de ses sages-femmes. Malin, non ?

L’intégration en chantant ? Mais il y a plus fort encore : avec les 150 000 euros déjà récoltés grâce à ces deux disques (et aux livrets illustrés qui vont avec) par l’« Organisation pour l’éducation musicale des enfants » qui fait partie de la fondation « Herzenssache » (affaire de cœur), une opération originale s’est mise en place dans le sud de l’Allemagne, près de Ravensburg : des séances de chant choral après la classe, pendant lesquelles des enfants de 2 à 5 ans et leurs mères étudient ces berceuses en allemand.  Le nombre de familles turques est en effet très élevé dans ce coin de l’Allemagne et les mères, très isolées et sortant peu, ne parlent que trop rarement la langue de leur pays d’accueil.  La découverte et l’accès à la langue de Goethe à travers des chansons toutes simples est une voie originale, pour ne pas dire géniale, à laquelle aucun politique n’avait encore pensé et qui est pourtant en train de se réaliser à titre expérimental.  Nul doute que l’expérience sera un succès qui se reproduira ailleurs - la chancelière Angela Merkel en personne ayant fait publiquement connaître, en les patronnant, son engouement pour ces deux disques et, surtout, pour ce qu’ils peuvent apporter à l’ensemble de ses citoyens.

Michael Nagy ©DR

Ce qui me conduit à parler de notre pays. Les petits Français ne chantent pas plus que les petits Allemands ; leurs parents, à de rares exceptions près, ne leur chantent plus de berceuses et les mères immigrées n’ont pas toutes accès à la langue que parlent désormais leurs enfants.  Et si, chez nous aussi, des artistes généreux (il y en a beaucoup) issus du Classique mais aussi, pourquoi pas, de la variété, se mettaient à enregistrer les fleurons de notre patrimoine musical national ?  Des chansons que tous les enfants, sans exception, apprendraient dès la Maternelle ? L’identité nationale française, dont il n’a été récemment que trop question, c’est aussi les vieilles chansons (« Il pleut bergère », « Sur l’pont de Nantes », « Gentil coquelicot », « Le temps des cerises ») que se sont transmises les générations qui nous ont précédées ; des chansons immortelles, qu’on n’entend pourtant plus guère.

Et si, chez nous aussi, l’intégration des « nouveaux citoyens » passait par elles ?

Michèle Lhopiteau-Dorfeuille.

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Les publics des festivals.  Étude collective sous la direction d'Emmanuel Négrier (CNRS), Aurélien Djakouane (EHESS) & Marie Jourda (CNRS).  Co-édition France Festivals/Réseau en scène Languedoc-Roussillon/Michel de Maule, mars 2010.  150 x 215 cm, 284 p.  20 €.

Une étude statistique très complète a été menée sur tous les critères pouvant définir le profil sociologique, culturel, économique des spectateurs composant l'audience des différents types de festivals (musiques dites « classique », baroque, contemporaine, musiques dites « actuelles », danse), ainsi que leur assiduité, leurs motivations, leur provenance géographique...  Certaines évidences tombent sous le sens : que les personnes dépensant 220 € pour assister aux Chorégies d'Orange soient issues des classes aisées et d'un niveau d'études supérieures, nul n'en doutait.  Pourtant, cette étude fait tomber bien des certitudes dans lesquelles s'enferment les acteurs culturels : par exemple, le public d'un genre est bien moins cloisonné, bien plus poreux que l'on serait porté à le croire ; le taux de renouvellement incite à l'optimisme et ne suit pas des courbes reproduisant rigidement des schémas passés (à ce titre, le potentiel des manifestations de musique contemporaine en direction de nouveaux auditeurs, jeunes et peu élitistes, serait à cultiver avec sagacité) ; la gratuité ne constitue guère un appel incitatif pour les classes défavorisés mais plutôt une « rente de situation » pour des habitués ayant flairé l'« aubaine ».  Et – grave dommage pour l'industrie touristique – les festivals français n'attirent qu'une minime clientèle étrangère ; pis, le public, étudié selon sa provenance locale, départementale, régionale, nationale et au-delà des frontières, s'avère majoritairement « du coin », en tout cas à jet de kilomètres permettant de rentrer à la maison après le spectacle, à moins qu'il ne s'étoffe des personnes invitées en vacances chez des amis (mais point clientes d'hôtel !).  Nous sommes loin du cliché de l'événement culturel institué en carrefour obligé d'une caste cosmopolite venue des capitales.  Et c'est tant mieux si cela permet d'ouvrir à la culture des populations trop longtemps tenues à l'écart...

Parallèlement paraissent les actes du Colloque de Montpellier (12-13 novembre 2009), « Ami public n°1 : l'audience des festivals », co-édités par France Festivals et le magazine La Scène.  À ce colloque participaient Emmanuel Négrier et ses collaborateurs, ce qui nous livre – une fois élagué le bla-bla des propos officiels et convenus – un condensé de l'étude commentée ci-dessus, discuté en direct par quelques dirigeants d'institutions (www.francefestivals.com).

Jean-Marc WARSZAWSKI et alii : Blanche Selva, naissance d'un piano moderne.  Préface de Gilles Cantagrel.  Actes du colloque de l'association Blanche Selva (18 novembre 2005).  Symétrie (www.symetrie.com).  300 p., ill. n&b.  50 €.

Réunion de contributions diverses, ce volume permet de mieux cerner la vie musicale unissant dans une ferveur mystique les musiciens de la Schola autour du « Maître », Vincent d'Indy.  En étudiant, grâce à la correspondance de l'éminente pianiste Blanche Selva – qui fut une des grandes prêtresses de ce culte – les relations nouées entre l'interprète et les compositeurs Isaac Albéniz, René de Castera, Déodat de Séverac, Albert Roussel, Guy Ropartz, et bien sûr Vincent d'Indy, les auteurs (Jean-Marc Warszawski, Stéphan Etcharry, Rémy Campos, Ludivine Isaffo, Cécile Quesney, Florence Le Doussal, Claude Gay, Damien Top) font revivre un milieu finalement assez clos sur lui-même, émouvant par l'idéalisme et la chaleur amicale qui l'imprègne, mais imperméable à ce qui faisait progresser la musique hors de ce cercle (ce que souligne a contrario l'article de Françoise Thinat).  Delphine Grivel y ajoute un aspect transdisciplinaire par l'étude de l'amitié entre le peintre symboliste Maurice Denis et la pianiste.  L'œuvre pédagogique et théorique de Blanche Selva est immense, et comporte des pages à méditer de nos jours : parmi les contributeurs s'attachant à ce versant, la pianiste Diane Andersen dégage une réflexion d'une salutaire profondeur de pensée, transposable à toute pratique interprétative.  Florence Launay esquisse quelques pistes pour nous donner une idée de l'œuvre de compositrice laissée par Blanche Selva, aujourd'hui complètement oubliée (sans parler de certaines partitions perdues).  Quelques négligences dans l'appareil documentaire seraient à corriger, mais cet ensemble a le mérite de remettre en lumière une personnalité dont l'incessante activité et l'influence rayonnèrent sur la France, la Catalogne, et jusqu'en Tchécoslovaquie.

Sylviane Falcinelli.

Yves-Michel ERGAL & Michèle FINCK.  Écriture et silence au XX^e siècle.  « Configurations littéraires ».  Presses universitaires de Strasbourg (www.pu-strasbourg.com), 2010.  363 p.  28 €.

Cet ouvrage regroupe une série d’articles centrés sur les rapports qu’entretiennent écriture et silence au XX^e siècle.  Une problématique qui permet d’envisager les rapports complexes entre le langage au sens large (parole, écriture, musique, voire danse) et les diverses modalités du silence, à travers le roman (Beckett, Quignard, Djebar, roman noir anglo-saxon), le théâtre (Maeterlinck, Rilke, Claudel, Pinter et Bernhard) & la poésie (Bonnefoy, Luzi, Celan).  De ces rapports naît le désir de comprendre l’écriture hors la domination du logos.  Une émancipation du silence à partir de laquelle se déploie une nouvelle approche de l’écriture.  Un livre fondamental et passionnant.

Patrice Imbaud.

Murielle Lucie CLÉMENT et alii : Les Bienveillantes de Jonathan Littell.  Études réunies.  Openbook Publishers ( www.openbookpublishers.com), 2010.  344 p.  £14.95

Ouvrage collectif - dirigé par notre collaboratrice M. L. Clément, écrit en français et publié par un éditeur académique de Cambridge - qui fait écho au roman de J. Littell, les Bienveillantes, paru en 2006 avec le succès que l’on sait, prix Goncourt et Grand Prix du roman de l’Académie française.  Ce livre se présente comme une sélection d’articles internationaux, pour la plupart universitaires, chacun proposant de mettre en avant une facette et une lecture particulière du roman de Littell.  Différents angles d’approches, sociologiques, culturelles, historiques, poético-rhétoriques, interdisciplinaires, intertextuelles, philosophiques et freudiennes qui viennent enrichir une réflexion menée depuis 2006, date de la parution et de la réception mouvementée du livre de Littell… Toujours pertinents, certains éclairages traduisent l’émoi, l’horreur, le dégoût mais aussi, parfois, l’empathie dangereuse que peut ressentir le lecteur face à un roman axé sur la perversion (l’un de ses leitmotive, de même que les voyages, l’homosexualité…).  Une exégèse - certes ardue, mais fascinante - qui ne manquera pas d’inciter à la lecture des Bienveillantes ceux qui ne l’auraient pas encore lu.

Pierre Mary.

Alfred GELL : L’art et ses agents, une théorie anthropologique.  Traduit de l’anglais par Sophie & Olivier Renaut.  Introduction de Maurice Bloch.  « Fabula », Les Presses du réel (www.lespressesdureel.com).  14 x 22,5 cm, 356 p., 123 ill. n&b.  26 €.

Dans son ultime livre, le grand anthropologue anglais Alfred Gell (1945-1997) proposait une approche révolutionnaire de l’art : plutôt que de penser l’art en termes de beauté, il s’agit de le penser en termes des agencies (intentionnalités) qui se rencontrent dans l’œuvre – qu’elles soient réelles ou imaginaires.  Notre approche esthétique étant, selon lui, inapplicable aux cultures non occidentales… Aussi, dans la combinatoire propre à l’œuvre d’art distingue-t-il : l’objet lui-même, l’artiste, le destinataire et le réseau (ou Art Nexus, désignant l’ensemble des relations qui font qu’un objet d’art est reconnu comme tel par les différents acteurs sociaux).  Même s’il n’est ici question que d’arts visuels, les liens avec l’art des sons s’imposent naturellement.

Alexandre MARAL : La chapelle royale de Versailles sous Louis XIV.  Cérémonial, liturgie et musique.  Préface d’Yves-Marie Bercé.  Seconde édition, revue & mise à jour.  « Études du Centre de musique baroque de Versailles », Mardaga (www.mardaga.be).  17 x 24 cm, 476 p., cahier d’ill. n&b et couleurs.  45,00 €.

Ayant presque exhaustivement étudié les annales des chapelles de Versailles, Alexandre Maral - aujourd’hui conservateur des collections de sculpture au Musée national des châteaux de Versailles & de Trianon – nous propose une vision d’ensemble de tous les aspects de la Chapelle royale, au regard de l’histoire de l’art, de la musicologie, de l’histoire des institutions ou de l’histoire culturelle.  Cette nouvelle édition coïncide avec le tricentenaire de l’achèvement de la chapelle définitive, en 1710.

Catherine DEUTSCH : Carlo Gesualdo (1566-1613).  « Horizons », Bleu Nuit éditeur (www.bne.fr).  14 x 20 cm, 176 p., ex. musicaux, riche iconographie n&b, 20 €.

Haute en couleurs et sulfureuse aura été la vie du prince Carlo Gesualdo, madrigaliste de génie, mais non moins suspect de crimes, d’amours adultérines et autres « forfaitures ».  Démêler le mythe de la réalité, tel est le but que s’est ici fixé – non sans réussite – Catherine Deutsch – s’attachant aussi à l’analyse d’un langage musical plus que tout autre, en son temps, sophistiqué, d’un lyrisme souvent poignant.  Riches annexes.

Rémi JACOBS : Heitor Villa-Lobos (1887-1959).  « Horizons », Bleu Nuit éditeur (www.bne.fr).  14 x 20 cm, 176 p., ex. musicaux, riche iconographie n&b, 20 €.

S’il est un illustre compositeur à encore découvrir - en France, tout au moins - c’est bien Villa-Lobos !  Les commémorations du cinquantenaire de sa disparition n’y auront, hélas ! pas changé grand-chose.  Hormis la sempiternelle Bachiana brasileira n°5 (pour soprano & 8 violoncelles), que connaissions-nous de cet immense compositeur brésilien, dit « l’Indien blanc » ?  Alors qu’est partout visité, hors notre pays, son pharamineux catalogue : innombrables pièces pour piano, guitare, violoncelle, concertos, symphonies, quatuors, ballets, ouvrages lyriques… Sa Magdalena, « aventure musicale, en deux actes », vient d’être toutefois donnée – avec succès… - au Théâtre des Champs-Élysées.  Merci à l’éminent musicologue Rémi Jacobs de rendre enfin justice à un grand musicien qui tant aima la France (biographie, présentation d’œuvres significatives).  En utiles annexes : tableau synoptique (mettant en regard vie du compositeur, événements culturels et politiques), bibliographie & discographie sélectives, index nominum.

Ralph P. LOCKE : Musical Exoticism.  Images and Reflections.  Cambridge University Press (www.cambridge.org).  En anglais.  Relié sous jaquette.  18 x 25,5 cm, 420 p., ex. mus., ill. n&b.  £55.00

Dans cette ambitieuse monographie, Ralph P. Locke, professeur à l’Université de Rochester, parcourt l’immense répertoire des œuvres musicales occidentales évoquant personnages ou pays « exotiques » : une geisha, une caravane moyen-orientale, un violoneux hongrois, Carmen jetant une rose à Don José, Joséphine Baker chantant La Petite Tonkinoise, les mozartiennes turqueries du Rondo alla turca & de L’Enlèvement au sérail, non moins que Les Indes galantes, Les Pêcheurs de perles, Madama Butterfly, Sheherazade, West Side Story… et jusqu’au Marco Polo du compositeur chinois Tan Dun !  Passionnant.

Sylvia KAHAN : Music’Modern Muse.  A life of Winnaretta Singer, Princesse de Polignac.  University of Rochester Press (www.urpress.com).  En anglais.  Broché, 14,5 x 22 cm, 550 p., 29 photos n&b.  £19.90

Professeur à l’Université de New York, Sylvia Kahan s’est ici penchée sur la fascinante personnalité de la princesse Edmond de Polignac - riche héritière de la firme de machines à coudre Singer - qui fut sans doute, en France, la plus grande mécène du XX^e siècle - auprès notamment d’artistes tels que Stravinsky, Proust, Ravel, Cocteau, Colette… Une magnifique biographie, quasiment exhaustive, dont les éditeurs français devraient (!) s’arracher les droits.

Laure BENAROYA : Winnaretta Singer-Polignac, princesse et mécène.  « Les Carnets de Sonatine », biographie.  ZurfluH (www.zurfluh.com).  14,5 x 20 5 cm, ill. n&b et couleurs.  20 €.

Fille d’Isaac Singer (heureux industriel en machines à coudre), Winnaretta Singer-Polignac fut assurément le mécène le plus éclairé de son temps (1865-1943).  Ne reçut-elle pas en effet, dans son célèbre salon de l’avenue Henri-Martin, tout ce que Paris comptait de musiciens, de peintres et d’écrivains : de Proust et Cocteau à Colette et Anna de Noailles ; de Toulouse-Lautrec à Braque et Chagall ; de Fauré et Ravel à Satie, Poulenc et Stravinski…  D’un flamboyant personnage, la vie fascinante… [Plus que jamais vivace est aujourd’hui la Fondation Singer-Polignac (www.singer-polignac.org).]

La musique contemporaine d’hier à demain.  Revue Circuit (vol. 20, n^os 1-2, 2010).  Les Presses de l’Université de Montréal (www.revuecircuit.ca).  21,5 x 23 cm, 140 p., ex. mus., ill. n&b.  28 $ CA.

Au sommaire de ce numéro double, publié à l’occasion du 20^e anniversaire de la revue Circuit : « 20 ans avant, 20 ans après » (Jonathan Goldman), « Hier » (il y a 20, 40, 100 ans, par Jean-Jacques Nattiez, Nicolas Donin & Michel Duchesneau), « Aujourd’hui » (extraits de partitions en création, 2009-2010), « Demain » (enquête sur l’avenir de la musique contemporaine, par vingt contributeurs).  Une magnifique livraison !

Les éditions Demi Lune (www.editionsdemilune.com) dédient une série de biographies aux plus grandes figures des Musiques du monde (collection « Voix du monde »).  Récentes parutions :

Jonathan GLUSMAN : Ravi Shankar, le maître du sitar.  13,5 x 18 cm, 160 p., ill. n&b, 15 €.

À ce grand « artiste de l’intime & de l’universel » [est-il meilleure définition d’un authentique musicien du monde ?], Jonathan Glusman consacre - après une utile « Introduction à la musique indienne » - une attentive et respectueuse biographie : L’éveil artistique/ L’appel du sitar/ Sur les scènes du monde/ Rencontres/ Entre Orient & Occident/ Traditions et innovations/ Les vies de Ravi Shankar.  En annexe : glossaire, discographie, bibliographie, filmographie, ressources Internet.

Florent MAZZOLENI : Salif Keita, la voix du Mandingue.  Préface de Salif Keita.  13,5 x 18 cm, 128 p., ill. n&b.  14 €.

Depuis quelque 40 ans, Salif Keita chante le Mali, mais aussi l’amour et les tribulations d’un quotidien assurément mouvementé.  Découvert en Occident avec l’album Soro (1987), son succès ne s’est plus, depuis lors, démenti.  Éléments relatés : L’enfance mandingue/ Les années Rail Band/ De Bamako à Abidjan/ Mandjou, chant de tout un peuple/ Percée sur la scène internationale/ Les années 1990/ Renouveau acoustique avec Moffou dans les années 2000.  En annexe : glossaire, discographie (vinyles & CDs), bibliographie, filmographie, ressources Internet.

Denis ROULLEAU (Présentation de) : Rock Critics.  Préface de Pierre Lescure.  Don Quichotte-Le Seuil.  Distrib. Gilles Paris (www.gillesparis.com).  14 x 22,5 cm, 500 p., 19,50 €.

Genre littéraire en soi, la critique rock a de fidèles lecteurs.  Nous est ici donnée une sélection de ses meilleures pages (signées Alessandrini, Armanet, Ardisson, Assayas, Bayon, Bigot, Blum, Chalumeau, Dister, Dordor, Eudeline, Garnier, Gorin, Kent, Loupien, Paringaux, Rotcage, Viviant, etc.), parues dans Rock&Folk, Best, Actuel, Libération, Rolling Stone, Les Inrocks… Plumes fulgurantes, métaphysiques, déjantées, littéraires… forment ici un fort joyeux patchwork.

Patrick WILLIAMS et alii : Les quatre vies posthumes de Django Reinhardt.  Trois fictions et une chronique.  « Eupalinos/ Jazz & musiques improvisées », Parenthèses (www.editionsparentheses.com).  15 x 23 cm, 280 p.  16,00 €.

2010 : centenaire de la naissance de Django (décédé à 43 ans, le 16 mai 1953, d’une congestion cérébrale).  En guise d’hommage, trois écrivains ont successivement imaginé une « vie » du musicien : Sensationnel ! Un concert de Django Reinhardt & Thelonious Monk en duo » (Guy Leclère, journaliste), « A room with a view », 43^e étage (James D. Cszernynk, critique littéraire), Sous une pluie de fleurs d’acacia (Bertrand Journens, romancier).  La quatrième « vie » est, quant à elle, la chronique des cinquante-six ans de vie posthume du grand guitariste  : Une postérité à n’en plus finir (Patrick Williams, ethnologue).

Chantal GROSLÉZIAT : Abécédaire musical.  Les bébés & la musique, 3.  « Mille et un bébés », Érès (www.editions-eres.com).  11,5 x 16 cm, 168 p.  10 €.

Déjà auteur, aux éditions Érès, de Les bébés & la musique et de Bébés, chasseurs de sons, Chantal Grosléziat récidive avec ce charmant Abécédaire musical dans lequel - sans a priori culturel, esthétique ou pédagogique - elle traite de l’éveil à la musique, circonscrivant la grammaire des premières rencontres.  Tout un kaléidoscope de pratiques et de réflexions.

Francis Cousté.

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