Mediterranea.  Zig-Zag Territoires (zigzag-territoires@wanadoo.fr) : ZZT 09 04 02 .  Distr. Harmonia Mundi (mbenoit@harmoniamundi.com). TT : 63’05.

L’Ensemble Alla Francesca, fondé en 1990, qui a gagné rapidement sa réputation internationale, s’est spécialisé dans le répertoire musical médiéval. Son quatorzième enregistrement est réalisé par Brigitte Lesne (chant, harpes, percussion), Pierre Hamon (flûtes diverses, tambour, cornemuse) et Carlo Rizzo (chant et percussion).  En 18 pièces brèves, ils offrent une synthèse « méditerranéenne » et un éventail des formes en usage du XII^e au XIV^e siècle : canso, ballata (ballade), laude ; danses : istanppita (estampies), saltarello (saltarelle).  Leur message est à la fois religieux et populaire. Certaines pièces sont signées : comtesse de Die (XII^e-XIII^e s.), Guiraut Riquier (XIII^e s.), Ghirardello da Firenze (XIV^e s.), d’autres anonymes. Il s’agit de chansons d’amour évoquant la belle jeune fille, de dévotion mariale, d’une invocation à saint Michel… Un apport assez neuf révèle la tradition sépharade avec un chant d’errance, une page instrumentale, un chant sur la naissance de Moïse et deux berceuses. Ce CD bénéficie d’une remarquable présentation et d’excellentes adaptations françaises de Geneviève Brunel-Lobrichon. Une fois de plus, l’ensemble Alla Francesca a signé un CD tour à tour lyrique, animé, rythmé, mis en valeur par des voix et des coloris instrumentaux appropriés.

 

Laudario di Cortona. Mystère médiéval du XIII^e siècle.  Jade (43, rue de Rennes, 75006 Paris. promotion@milanmusic.fr) : 699 681-1. TT : 50’48.

Ce mystère médiéval du XIII^e siècle figure dans un manuscrit anonyme conservé à Cortone, d’où le titre : Laudario di Cortona. Ces 24 pièces ne sont pas sans rappeler les Laudes bien connues de saint François d’Assise. Tout en prenant quelques distances par rapport au grégorien, elles préfigurent déjà la musique italienne à l’époque de l’Ars Nova. Le mystère comprend de nombreuses pièces brèves évoquant l’Annonciation, la Nativité, l’Adoration (des bergers, des mères, des mages), la louange de Marie-Madeleine ; il se poursuit avec des allusions à la Passion : le baiser de Judas, la flagellation, la crucifixion, la louange de la Croix, la Résurrection et l’Ascension. L’élaboration musicologique est due à Marcel Pérès.  Jean Gouzes dirige l’excellent Ensemble Vocal de Montpellier qu’il a créé en 1973. Les chanteurs se distinguent par la pureté des lignes mélodiques sans artifice. L’ensemble confère à ce manuscrit tout son mystère, sa poésie, son caractère dramatique, sa simplicité et les atmosphères aussi variées que la douleur, la joie et l’émotion contenue. Ce disque est complété par le Salve Regina des moines d’Estaing (Rouergue) et le chant de l’An mille, ou Prose de Montpellier. Hors des sentiers battus, il commémore dignement le 800^e anniversaire de la fondation de l’Ordre franciscain.

 

Musa Latina. L’invention de l’Antique.  Alpha (Outher S.A. Rue du Chêne 27, B 1000 Bruxelles. stephanie.flament@alpha-prod.com) : 144. TT : 52’.

La musique « mesurée à l’Antique » est surtout connue par ses manifestations en France (A. de Baïf, Cl. Le Jeune...), mais elle est déjà pratiquée ailleurs. En 1480, la Grammatica brevis de Fr. Niger (Venise, 1480) est un traité avec citations (d’Ovide…) et scansions marquant le début de ce mouvement.  En Allemagne - à l’initiative de l’humaniste C. Celtes - P. Tritonius l’expérimente dès 1507 pour les écoles et universités.  Soucieux de retourner aux sources, poètes et musiciens ont ainsi forgé un important corpus à 4 voix, note contre note, comprenant des Odes, Épigrammes...  Cet excellent moyen pédagogique permet d’inculquer la scansion et la métrique, et de cultiver la mémoire par le biais du chant.  L’ode d’Horace : Iam satis terris servira de prototype pour la strophe sapphique. Elle est extraite des Melopoiae… de P. Tritonius traitant les 22 genres métriques cultivés par Horace.  Elle est d’abord chantée à l’unisson, puis à 4 voix ; l’ensemble est progressivement enjolivé par des cordes, flûtes et percussions permettant d’éviter la monotonie répétitive de la scansion, dans le respect de la longueur des syllabes et des pieds.  Le mouvement français est représenté, entre autres, par la chanson si expressive de Claude Le Jeune : Qu’est devenu ce bel œil, avec son chromatisme de tension.  Au total : 13 pièces mises en valeur prosodiquement et musicalement par l’Ensemble Daedalus qui, sous la direction de Roberto Festa, maîtrise parfaitement l’esthétique homophonique, homorythmique et homosyllabique, tout en évitant la monotonie.  Excellent retour ad fontes.

 

Georg Philipp TELEMANN : Brockes-Passion.  2CDs Harmonia Mundi (33, rue Vandrezanne, 75013 Paris. mbenoit@harmoniamundi.com) : HMC 902013.14.  TT : 139’51.

L’infatigable René Jacobs, à la tête du RIAS Kammerchor et de l’Akademie für alte Musik Berlin, a signé cette version très expressive dont l’excellence n’est pas à démontrer. Le texte incombe à Barthold Brockes : d’où le titre de Brockes-Passion.  En 1718, dans son Autobiographie, G. P. Telemann (1681-1767) rappelle que ce texte, qu’il découvre en 1716, était « considéré par les connaisseurs comme insurpassable ».  Il en élabore très rapidement un Oratorio de la Passion (« Jésus souffrant et mourant pour les péchés du monde »), pour soli, chœur et orchestre (TVWV 5 : 1), créé la même année à Francfort/Main.  Elle comprend deux grandes parties (totalisant 117 numéros), au cours desquelles sont évoqués : la Sainte Cène ; le discours de Jésus à ses disciples ; les reniement et repentir de Pierre ; la comparution de Jésus, le désespoir de Judas, et sa mort ; la condamnation et crucifixion de Jésus, dans lesquels alternent récitatifs de l’Évangéliste, Airs et Ariosi, récitatifs accompagnés, chœurs et chorals.  Cette version aérée de la Passion selon Brockes s’impose par l’excellente diction et la volubilité de l’Évangéliste, l’investissement de chaque soliste, la précision de la direction, l’homogénéité du chœur, l’expressivité des chorals, l’orchestre rompu à toutes les exigences baroques, le caractère dramatique sans exagération : une Passion autrement.

 

Works for Panflute and Orchestra.  Swiss Symphonic Composers, vol. 3.  VDE Gallo (rue de l’Ale 31, CH-1003 Lausanne. info@vdegallo.ch) : 1258.  TT : 49’38.

Olivier Buttex, directeur de la maison VDE-Gallo, a été sollicité par Michel Tirabosco qui, après ses enregistrements de musique de chambre, souhaitait associer la flûte de Pan (nai, instrument des bergers roumains) à des œuvres avec orchestre, et c’est ainsi que le Genevois David Chappuis (°1966) a « relevé le défi d’écrire un Concerto de près d’une demi-heure en quelques mois ».  L’aventure s’est transformée en réussite, et le projet a été réalisé par le chef suisse Emmanuel Siffert, à la tête du Volgograd Philharmonic Orchestra.  Le Concerto pour flûte de Pan : « Une enfance exceptionnelle » de D. Chappuis a été créé et enregistré en 2007 lors d’un concert avec l’Orchestre philharmonique de Volgograd. Il s’agit d’un vaste poème symphonique à la fois lyrique, douloureux et joyeux, avec une consonance folklorique, mettant particulièrement en valeur les sonorités de l’instrument et la volubilité de l’interprète soutenu par un orchestre très étoffé.  Il est précédé par la célèbre Vocalise de S. Rachmaninov (1873-1943), et suivi par l’Alba Song d’Allardyce Mallon (°1965), d’origine écossaise, très actif en Suisse et en Allemagne.  Cette œuvre, proche de la romance, comporte de nombreuses répliques de la flûte de Pan. Cette excellente réalisation discographique se termine par Solo de Michel Tirabosco (°1968) révélant toutes les possibiltés techniques (souffle et phrasé) et expressives de la flûte de Pan, avec des sonorités inouïes, des inflexions souples servies par une technique extraordinaire qui se joue de toutes les difficultés.  Belle défense et illustration de la flûte de Pan.

 

Hymnes du Mont Athos.  Jade (43, rue de Rennes, 75006 Paris <promotion@milanmusic.fr>) : 699 686-2. TT : 71’08.

Le Mont Athos, situé dans la péninsule montagneuse de Macédoine centrale, regroupe une vingtaine de monastères. Il est rattaché au patriarche de Constantinople. Depuis le Haut Moyen Âge, ce lieu saint a attiré un grand nombre d’ermites de tous horizons. Au monastère de Simonos Petra, fondé au XIII^e siècle par l’ermite saint Simon le Myroblite, le chant liturgique byzantin occupe une large place. Le chœur des moines de ce monastère propose 11 chants, dont la Grande Doxologie (en second mode plagal et rythme ternaire) bien connue, très développée, de facture mélodique orientale. À la fois triomphale et impressionnante, elle est interprétée par des voix masculines assez rudes. L’hymne mariale : Vierge pure (Agnie parthene)… - composée par saint Nectaire d’Égine (1846-1920), prêtre, évêque, moine et l’une des plus grandes figures de l’Église orthodoxe de Grèce - retiendra également l’attention : tout en respectant les règles du chant byzantin, le rythme et la versification de la poésie profane, il incorpore quelques éléments de musique populaire traditionnelle. Parmi d’autres pièces, figurent les Psaumes 33 : Je bénirai le Seigneur en tout temps… et 95 : Chantez au Seigneur un cantique nouveau… illustrant les divers modes plagaux. Cette réalisation intéressera les hymnologues et les historiens des sensibilités religieuses.

 

Ludovico BALBI : Psalmi ad vesperas canendi per annum (vol. II). Tactus (CD Diffusion, 28, route d'Eguisheim, BP 4, F-68920 Wettolsheim. info@cddiffusion.fr) : TC 540202. TT : 75’52.

Ludovico Balbi semble être né vers 1545, d’après une lettre de C. Porta datant de 1579, dans laquelle il le définit comme une homme de 34 ans environ. Il a occupé plusieurs postes de maître de chapelle, et est mort en 1604. Il a composé des œuvres de musique sacrée et des Madrigaux et, dans la mouvance du Concile de Trente (1545-1563), a édité le Graduale romanum… À Feltre, en 1594, il a édité les Psaumes pour les Vêpres à chanter pendant l’année. Ce disque illustre l’art de ce maître italien dans le style vénitien. Les versets des Psaumes et du Magnificat en chant figuré sont chantés « alternatim » : en alternance avec les versets de plain-chant, mais aussi avec les versets d’orgue. Le mérite de la restitution en revient d’abord à Piervito Malusa, puis à la Schola Cantorum de Santa Giustina, au Daphne Ensemble, à l’organiste Stefano Lorenzetti, tous dirigés, en respectant la tradition, par Fabricio da Ros. À plus d’un titre, ce disque retiendra l’attention des liturgistes, des chanteurs et des mélomanes.

 

Élisabeth JACQUET DE LA GUERRE : Quatre Cantates du Livre II.  Gilles Perny Production (145, av. de Cazouls, 34370 Maraussan) : GPP 004.  TT : 60’08.

Les mélomanes découvriront avec intérêt quatre Cantates bibliques extraites du Livre II (1711) d’Élisabeth Jacquet de La Guerre (1665-1729), femme compositeur à l’époque de Louis XIV.  Reposant sur le livret de M. de La Motte, tiré des Écritures, elles évoquent trois personnages bibliques : Adam (cantate n°1), Samson (n°6) et Joseph (n°4) ; et Le Temple rebâti (n°2), pour commémorer et célébrer la délivrance d’Israël par Cyrus et annonçant la reconstruction du Temple de Jérusalem, avec une symphonie d’ouverture éclatante.  Ces cantates sont écrites pour une voix de dessus : A. Büchel (soprano) et basse continue : G. Bezzina (violon baroque), S. Brix (viole de gambe) et V. Elliott (clavecin).  Dans son excellent texte de présentation, Catherine Cessac - spécialiste, entre autres, d’É. Jacquet de la Guerre -, rappelle que les strophes (récits ou récitatifs) alternent avec les airs, et que « le rôle du premier récitatif est de situer la scène.  Le deuxième développe le conflit jusqu’au point de crise, alors que le dernier apporte la résolution […] et énonce la morale tirée de l’histoire ». Ces œuvres reflètent l’atmosphère régnant à la Cour au Grand Siècle.  À découvrir.

 

Concerti Musicali.  La voce del mandolino barocco.  Jade : 699 685-2.  TT : 65’07.

L’Artemandoline Baroque Ensemble se donne pour objectif de collaborer au renouveau de la mandoline et de son répertoire, par le biais de stages, de concerts (Europe, Japon) et d’éditions.  Très soucieux de respecter les exigences des manuscrits et traités originaux et la variété des ornements, il s’impose par sa rigueur, sa haute technicité et sa sensibilité musicale. Le présent disque - qui a le mérite de réhabiliter un répertoire oublié - est, en grande partie, consacré au répertoire italien du XVII^e siècle, avec une exception pour la Symphonie en ut majeur de Placidus von Camerloher (mort en 1782).  Ces Sonates et Concertos sont généralement composés en 4 (ou 3) parties. Si les deux Concerto en sol mineur (F. XI n°33), et en ut majeur (RV 425), d’A. Vivaldi (1678-1741), sont écrits pour mandoline, en revanche la Cantate pour soprano d’A. Caldara (1670-1736) fait appel à deux mandolines et basse.  La Symphonie de Chr. W. Gluck (1714-1787), en trois mouvements contrastés : Allegro, Andante, Presto, particulièrement bien enlevée, termine brillamment ce florilège rendant hommage à « la voce del mandolino barocco ».

 

Robert SCHUMANN : Für die Jugend… 2 CDs Alpha : 145.  TT : 62’55 + 69’56.

Le titre général : Für die Jugend… n’est autre que celui de l’Album à la jeunesse de Robert Schumann (1810-1856) que tant de jeunes pianistes ont travaillé… Le CD1 de ce coffret, très bien présenté, commence par 12 pièces (Clavierstücke) à 4 mains « pour petits et grands enfants », op. 85 interprétées d’un ton décidé (Marches), avec simplicité (Reigen), expression (Abendlied) par Éric Le Sage et Frank Braley (piano à 4 mains).  Dans Ball-Scenen – 9 charakteristische Tonstücke, op. 109, ainsi que dans Kinderball – 6 leichte Tanzstücke, op. 130, le deux pianistes Éric Le Sage et Denis Pascal (piano à 4 mains) font preuve d’énergie, de virtuosité et d’une solide technique pianistique. Cette partie de danses est tour à tour festive, grave, animée.  Le CD2 comprend les 43 pièces du célèbre Album pour la jeunesse, op. 68, avec 18 pièces pour jeunes enfants, et 25, pour de plus grands enfants.  On écoutera avec plaisir le Choral, Le pauvre orphelin, Premier chagrin ; des pièces plus  enlevées : Knecht Ruprecht (équivalent de Croquemitaine pour les enfants français), Le cavalier sauvage…  La seconde partie comprend notamment La petite romance, chef-d’œuvre particulièrement expressif et mélancolique ; une œuvre didactique : Petite Fugue - en fait : petit Prélude et Fugue - sur un sujet capricieux ; et se termine sur le Chant pour la Saint-Sylvestre qui s’impose par son calme et sa sereine mélancolie.  Éric Le Sage propose une interprétation fidèle aux intentions de Schumann, et rend les atmosphères si diversifiées jusque dans leurs moindres nuances : modèle d’interprétation pour professeurs et pianistes de tous âges.

Édith Weber

 

Johann Sebastian BACH : Cantates « Aus der Tieffen ruffe ich, Herr, zu dir » BWV 131, « Himmelskönig sei wilkommen » BWV 182, « Christ lag in Todesbanden », BWV 4.  Katharine Fuge, soprano. Carlos Mena, contre-ténor. Hans Jörg Mammel, ténor. Stephan MacLeod, basse.  Ricercar Consort, dir. Philippe Pierlot.  Mirare : MIR 057. TT : 68'06.

Les trois œuvres jouées ici présentent des caractéristiques bien différentes. La cantate BWV 131 « Depuis l'abîme, je crie vers toi, Seigneur » enchaîne cinq parties selon la pratique du motet. Sa composition doit encore à Buxtehude. Des ensembles choraux en forme de préludes et fugues alternent avec des morceaux vocaux. Ces derniers soit sont de style arioso (intervention de la basse) soit empruntent à l'aria avec strophe de choral, faisant alors intervenir les voix deux par deux (soprano et basse, alto et ténor).  La cantate BWV 4, « Christ gisait dans les liens de la mort » est une curiosité puisque faite de sept strophes dont le matériau instumental varie de l'une à l'autre. Introduite par une courte sinfonia sombre et poignante, elle propose une construction en arche dont la quatrième strophe constitue la clé de voûte. On y passe de la grande déploration face à la mort à l'expression d'une douleur sereine devant celle-ci. Enfin la cantate BWV 182 « Roi des cieux, sois le bienvenu », pour le dimanche des Rameaux, suit la forme plus habituelle de l'alternance choral-air.  Le traitement mélodique y est notable aussi à travers des arias notamment de la basse - voix que Bach associe à la parole exprimée du Christ - ou de l'alto - ici un contre-ténor – livrant la plus intense des déplorations sur un accompagnement de flûte à bec.  Ces interprétations se signalent par leur climat chambriste, car l'ensemble instrumental que dirige le gambiste Philippe Pierlot est réduit à une dizaine de musiciens.  Elles sont parées d'une grande rigueur d'accents, qui n'exclut pas un sens de l'improvisation.  La profondeur et le recueillement caractérisent les interventions des solistes vocaux dont se détache la voix éthérée de la soprano.

 

Luigi BOCCHERINI : Quintette pour cordes n°91, Sextuor n°4, Quatuor à cordes n°56, Trio à cordes n°22.  Fabio Biondi & membres de Europa Galante.  Virgin Classics : 2 12149 2.  TT :74'08.

Fabio Biondi poursuit son exploration de la musique de chambre de Boccherini. Ce compositeur prolixe connut plusieurs périodes créatrices dans son Espagne d'adoption avant de se voir confier les plus hautes fonctions à la Cour de Berlin. Toutes ces pièces se signalent par leur fraîcheur mélodique, leur inventivité thématique et une variété dans le rythme qui ne lassent pas. Tel le quintette avec deux violoncelles n°91, puisé parmi les 47 composés pour Frédéric le Grand, amateur éclairé et lui-même virtuose du violoncelle.  Il débute curieusement par un adagio et se distingue par un deuxième mouvement aux « rythmes lombards », aussi original que savoureux, et un finale presto endiablé avec rythmique à l'arraché.  Le sextuor à cordes n°4 est un modèle d'équilibre et de grâce. Le passage grave se verra conférer la portion congrue et relèguer en troisième position.  Le quatuor à cordes, dédié aussi au monarque allemand, est plus austère et rigoureux dans sa forme, quoique la variété thématique y soit tout aussi intéressante.  Le trio n°22, enfin, est un miracle de goût et de couleurs instrumentales qu'avive une savante maîtrise de l'équilibre entre les trois instruments. Le style insouciant de la première période espagnole ne trouve pas meilleur exemple que dans l'andantino central dont les effets originaux d'harmonie renouvellent le genre ; tout comme Joseph Haydn le faisait par ailleurs au même moment. Il est intéressant d'écouter ces pièces dans un ordre décroissant d'intensité car on savoure combien Boccherini sait en traiter les diverses formes de composition. Les interprétations de Biondi & friends sont sémillantes en même temps que parées d'une souple rigueur.

 

George Frideric HÄNDEL : Ezio, HWV 29.  Opéra en trois actes d'après un livret de Pietro Metastasio.  Sonia Prina, Ann Hallenberg, Karina Gauvin, Vito Priante, Anicio Zorzi Giustiniani.  Il Complesso Barocco, dir. Alan Curtis.  3CDs Universal/Archiv : 477 8073.  TT : 67'56 + 61'08 + 57'45.

Peu représenté parmi les opéras de Haendel, Ezio s'inspire d'une pièce de Pietro Metastasio, illustre pour sa parfaite logique dramatique et son haut niveau littéraire.  Celle-ci fut toutefois « amodiée » par le compositeur pour un résultat plus confus : ce qui valut à l'opéra un succès mitigé à sa création, en 1732.  Il n'en demeure pas moins que le grand musicien y excelle dans la peinture des passions : envie, trahison, jalousie, égoïsme, sentiments souvent décrits avec une pertinence saisissante.  Ezio, général romain, créé par le castrat Senesino, propose une belle progression dramatique ; Valentino compose un monarque, certes grandiose, mais désemparé, agité dans ses pensées contradictoires ; et Massimo est un traître guidé par une obsédante quête de vengeance.  Fluvia à laquelle son traître de père veut faire jouer un rôle d'appât, ira, dans sa volonté de refus, jusqu'au délire de trilles hallucinés, préfigurant la scène de la folie de Lucia di Lammermoor.  Le sujet traité est, en effet, la brouille entre l'empereur Valentinien III et son général en chef, vainqueur des Huns d'Attila, causée par Massimo, le confident du monarque, résolu à se venger de l'affront que lui fit naguère celui-ci en tentant de séduire sa femme.  La partition renferme quelques joyaux vocaux dont une aria pour basse avec trompette obligée et roulement de timbales.  Les récitatifs sont d'un dramatisme accusé et les arias da capo offrent les ornements les plus choisis. Par dessus tout, le discours orchestral fleure le détail fin et la subtile nuance, mais aussi le haut en couleurs des émotions spontanées.  Peu de chefs aujourd'hui savent mieux qu’Alan Curtis donner vie à ces grandes affaires haendeliennes : un dynamisme plus élégant que brusque, un art des contrastes affirmés sans être excessifs sont là pour le démontrer.  Et l'ensemble Il Complesso barocco en communique toute la tension. Curtis a assemblé un cast sans faiblesse aucune dont chaque membre joue aussi bien qu'il chante. Une passionnante découverte et une réussite tout aussi incontestable.

 

George Frideric HÄNDEL : Arias tirées de Tamerlano, Rodelinda, Serse, Ariodante, La Resurrezione.  Rolando Villazón, ténor.  Gabrieli Players, dir. Paul McCreesh.  Universal/DG : 4778056.  TT : 59'.

Signe des temps que la prolifération d'albums programmés autour d'un artiste renommé.  Voici donc Rolando Villazón, le ténor lyrique champion du répertoire français, se livrant à un exercice peu ordinaire : chanter Haendel.  Il confesse que la passion du baroque lui est venue, tel un coup de foudre, à l'écoute d'un récital Vivaldi de Cecilia Bartoli.  Et qu'après avoir abordé quelques arias de Monteverdi avec Emmanuelle Haim, le temps était venu de se frotter à d'autres pièces baroques.  Pourquoi pas Haendel, dont on allait commémorer un millésime important ! De fait, l'opération a de l'allure ; d'autant que ses partenaires sont des spécialistes de ce répertoire et garantissent l'authenticité du résultat. Mais l'énergie communicative dont on sait le ténor mexicain fort pourvu, la sincérité de ses prestations suffisent-elles ici ?  La diction est irréprochable comme le sens du texte, et il n'y a rien à redire sur les vocalises, mises à part, çà et là, quelques notes bien sonores en fin de phrase, presque trop.  Il reste que la performance, car c'en est une, éblouit plus qu'elle n'émeut.  Bravo à la démonstration qu'on ne doit pas ici « chanter comme un ténor romantique », et qu'il est possible d'assimiler un tout autre style que le sien.  Un doute cependant : tout cela n'est-il pas fait, génialement certes, pour les besoins de la cause ? Et l'adjectif extravagant vient à l'esprit.  On a mêlé airs écrits pour la voix de ténor et airs destinés au répertoire de castrat, transposés pour l'occasion ; afin sans doute d'inclure des joyaux comme le célèbre « Ombra mai fu » tiré de Serse ou des pages de l'opéra Ariodante.  C'est sans doute dans le rôle de Bajazet de Tamerlano que Villazon se montre le plus près de l'esprit, dispensant un bel art du récitatif et des contrastes saisissants entre menaces et émotion paternelle.  Les deux extraits de l'oratorio La Resurrezione sont peut-être plus réussis encore, car paradoxalement privés de substrat directement dramatique. Un joli coup ! Mais se doit d'être dégusté par les fans du chanteur.

Centenaire Haydn

Joseph HAYDN : Symphonies n°93, 96 (« The Miracle »), 98, 100 (« Military »), 101 (« The Clock »), 102, 103 (« Drum Roll »).  Ouverture de l'opéra « Il Mondo della Luna ».  Symphonie concertante Hob.I : 105.  Chamber Orchestra of Europe, dir. Claudio Abbado.  4CDs Universal/DG : 477 8117.  TT : 48'59 + 42'55 + 53'35 + 53'48.

Excellente idée que d'avoir réunis dans un même coffret les enregistrements effectués, entre 1986 et 1995, par Claudio Abbado de symphonies de Haydn empruntées à la série des « Londoniennes ».  Triomphe de la forme classique, ces pièces sont aussi « animées d'une frénésie de nouveauté » (Marc Vignal).  On sait leur foisonnement mélodique qui semble ne pas connaître de limites, comme l'art avec lequel Haydn transforme une idée en autant de variantes ; mais aussi l'invention de traits originaux, à commencer par l'introduction lente qui ouvre les allegros initiaux, ces points d'orgue inattendus aussi, ces manières de refrain humoristique encore, voire ces cadences d'instruments solistes survenant impromptu.  Que dire des effets de surprise, tel borborygme truffant la fin de la 93^e Symphonie, tout un attirail sonore militaire pimentant l'allegretto de la 100^e.  L'instrumentation est toujours savante, différenciée, pour des effets sonores subtils (roulement de timbales et unisson des cordes graves & du basson ouvrant la 103^e).  Les interprétations du maestro Abbado sont parées d'une élégance qui enchante l'oreille, d'esprit et de transparence dans la texture, même dans la sombre 98^e Symphonie, et d'une poésie gracile.  Quel art de l'extrême nuance, de l'étagement de la dynamique forte/piano, de la rythmique souple que rien ne heurte ! L'élan du discours, la verve et la gaieté qui se teinte souvent d'une naïve bonne humeur (finale de la 101^e, presque opératique) distinguent ces exécutions entre mille.  Le COE brille par sa spontanéité et une plastique instrumentale d'une souveraine beauté, nuances infinies des cordes, jeu raffiné des bois.  La Symphonie concertante s'intégre naturellement dans cet ensemble - dont on regrette seulement qu'il ne soit pas complet.  Œuvre unique en son genre par sa distribution instrumentale, deux bois, deux cordes, elle renferme des effets étonnants, par exemple lorsqu'à l'andante le chant serein s'exprime deux par deux, basson & violon d'une part, hautbois & violoncelle de l'autre.  Encore un trait du génie de Haydn.

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Johannes BRAHMS : Concerto pour violon et orchestre op.77. Double concerto pour violon, violoncelle et orchestre op.102.  Vadim Repin, violon. Truls Mork, violoncelle. Gewandhausorchester Leipzig, dir. Riccardo Chailly.  Universal/DG : 477 7470.  TT : 72'57.

Après un formidable CD des deux concertos pour piano - avec Nelson Freire -, Riccardo Chailly et son orchestre du Gewandhaus se tournent vers le Concerto pour violon de Brahms dont l'atmosphère est si proche de la Deuxième symphonie.  Le soliste en est Vadim Repin dont Menuhin disait le plus grand bien. Avec raison. Car voilà bien une exécution de premier plan. Le discours d'un absolu naturel qui tourne le dos à l'effet, la sonorité confidente, les passages aigus perlés, l'articulation d'une extrême souplesse enluminent cette pièce que caractérise la profusion mélodique. Ainsi du premier mouvement dont Repin cueille tout le lyrisme. Il joue la cadence de Heifetz, et non celle du créateur Joachim qui, si elle « colle » tout autant à l'esprit, bannit curieusement toute virtuosité débordante.  L'adagio, introduit par la cantilène des bois, laisse au soliste un large espace chantant où le partenariat avec l'orchestre se fait sur un pied d'égalité. Tout comme dans le finale giocoso, alors que la scansion à la hongroise, d'une énergie irrépressible, est échangée entre violon et commentaire symphonique.  La richesse sonore du Gewandhaus est pour beaucoup dans la séduction de cette exécution, s'accordant à l'idiome chaudement lyrique de Brahms. On a ajouté le Double concerto où Repin est rejoint par le celliste Truls Mork.  Là encore la relation des deux solistes à l'orchestre est telle que ceux-ci sont partie prenante d'un ensemble plus qu'ils ne s'en détachent : dialogue intense entre deux musiciens d'élite, d'autant que captés avec doigté par la régie sonore qui a réussi une prise de son très immédiate.  Cette dernière pièce dédiée par Brahms à l'orchestre (1887) est plus déclamatoire que l'œuvre précédente, mais le cheminement thématique témoigne toujours de son inspiration la plus sentie.

 

Gabriel FAURÉ : Ballade pour piano & orchestre op.19.  Berceuse pour violon op.16.  Élégie pour violoncelle & orchestre op.24.  Concerto pour violon & orchestre op.14. Romance pour violoncelle op.69. Fantaisie pour flûte & orchestre op.79. Fantaisie pour piano & orchestre op.111.  Jérôme Ducros, piano.  Jean-Marc Phillips-Varjabédian, violon.  Henri Demarquette, violoncelle.  Juliette Hurel, flûte.  Orchestre de Bretagne, dir. Moshe Atzmon.  Timpani : 1C1172.  TT : 64'.

Voilà un CD fort intéressant qui réunit - pour la première fois - les œuvres concertantes de Fauré. La chose est d'autant plus inédite que le grand compositeur, qui manie si bien la musique de chambre et le piano, « semble tourner le dos à l'orchestre toute sa vie » (Hanna Krooz). Et pourtant, si on n'y trouve pas les plus grandes inspirations, que de pages délicates qui portent la marque souveraine de leur auteur. La forme concertante, on la trouve d'abord pour le piano : la célébre Ballade, à l'origine pour piano seul et orchestrée entre 1879 et 1881, ne dépare pas avec un accompagnement d'orchestre.  Jérôme Ducros en livre une exécution sensible.  La Fantaisie pour piano, écrite d'abord pour deux pianos, fut créée dans sa version concertante par Cortot en 1919, sous la direction de Vincent d'Indy.  On retrouve la manière de ballade modulante si caractéristique du grand maître, même si l'orchestre apporte « une sorte de convention de concert » (ibid.).  Le violon ensuite, avec la Berceuse, bis favori des violonistes dans sa version avec piano. Elle n'en est pas moins tout aussi habitée en forme concertante.  Le Concerto pour violon op.14, joué d'un seul tenant, est certes d'inspiration inégale ; mais sa sobre virtuosité produit un agréable effet. Curiosité donc, qui ne remplacera jamais le grand concerto romantique qu'attendaient les admirateurs de Fauré.  La flûte enfin, avec la Fantaisie op.79, à l'origine morceau de concours du Conservatoire, qui ne fut orchestrée qu'en 1957 par Louis Aubert, et créée par Rampal : jolie variation tour à tour élégiaque et pimpante où transparaît cette suprême élégance française teintée d'esprit, marque indélébile de la manière fauréenne.  Les belles exécutions solistes trouvent en Moshe Atzmon et dans le dynamique Orchestre de Bretagne de sympathiques partenaires.

 

Maurice RAVEL : L'Enfant et les sortilèges.  Ma Mère l'Oye.  Magdalena Kozena, Annick Massis, Sophie Koch, Nathalie Stutzmann, François Le Roux, José van Dam, Jean-Paul Fouchécourt, Mojca Erdmann.  Berliner Philharmoniker, dir. Sir Simon Rattle.  EMI : 2 64197 2.  TT : 72'58.

Il est difficile de penser meilleure distribution que celle assemblée par Simon Rattle pour son enregistrement de L'Enfant et les sortilèges. Sur le beau texte de Colette, Ravel a écrit une de ses partitions les plus attachantes, d'une fantaisie tout en finesse : une délicieuse histoire de gosse malappris qui casse tout, mais se rachète au point que toutes ses « victimes », objets et animaux, vont chercher à le sauver.  Un tel sujet avait de quoi séduire le musicien qui aimait tant le monde de l'enfance, les objets aussi, de minuscule taille de préférence, à en juger par ceux qui habitent son domicile de Montfort-l'Amaury, aux dimensions de maison de poupée. La musique est un chef-d'œuvre de délicatesse, en même temps d'une réelle profondeur.  Familier de la pièce qu'il dirigea naguère à Glyndebourne, Rattle en fait ressortir le merveilleux, grâce à une approche qui ne lésine pas sur les couleurs chatoyantes d'une orchestration mirifique.  Les musiciens du Berliner dispensent des foisons de perles sonores, telle la flûte enlaçant la voix éthérée de la Princesse, et un vrai son gallique.  Ces adorables saynètes trouvent la juste atmosphère comme des accents vrais chez les chanteurs aux multiples incarnations, dont la palme revient à Sophie Koch.  Magdalena Kozena, l'Enfant, est tour à tour espiègle, naïve dans la découverte de la nature merveilleuse, pétrie d'émotion. Le « duo miaulé » est inénarrable de drôlerie.  Seul le tableau de « l'Arithmétique » reste en deçà.  Il n'est que d'écouter le piquant d'un Michel Sénéchal dans la version de Lorin Maazel - une référence gravée en 1959 - pour mesurer ce que le beau chant français peut avoir de naturel.  Complément idéal, Ma mère L'Oye trouve là encore une exécution d'un incomparable raffinement.  Bien que le tempo soit très lent, on ne résiste pas à un tel fini instrumental.

Henri DUTILLEUX : Symphonie n°1.  Bohuslav MARTINŮ : Symphonie n°4.  Orchestre de la Suisse romande, dir. Ernest Ansermet.  Enregistrements de 1956 et 1966.  Cascavelle (Distr. Abeille Musique) : VEL 3127.  TT : 67'.

Fondateur et directeur de l'Orchestre de la Suisse romande pendant quelque 50 ans, Ernest Ansermet est de ces chefs d'exception qui ont marqué le XX^e siècle d'une empreinte définitive.  Acteur de la vie musicale européenne, il a été l'ami de nombreux compositeurs dont il se fera un devoir de défendre les créations. Il sera le premier à introduire en Suisse la musique d’Henri Dutilleux, dont il donnera la première audition de la Première symphonie. Créée à Aix en 1952, celle-ci contient déjà ce qui façonnera le langage si personnel de son auteur, un univers sonore souvent mirifique où le rythme a toute sa place, sans être envahissant.  Le mystère de la passacaille initiale laisse place à un scherzo vivace, sorte de concerto grosso pour cordes, bien animé, qui fait penser à Honegger de par son sens de l'urgence.  L'intermezzo lento crée une belle diversion de par la mélodie des cordes dont se détachent des instruments insolites comme le saxophone.  Le finale con variazioni est exubérant avec ses conglomérats sonores en pierreries, et adopte un style motorique, avant que l'œuvre ne s'achève dans la sérénité.  Ansermet est ici l'ardent serviteur d'une pièce passionnante.  Bohuslav Martinů se tourna vers le chef suisse plusieurs fois pour retrouver l'audience qui n'était pas toujours à la hauteur de ses espérances. Sa Quatrième symphonie, de 1945, offre une monde lumineux, brillant, extrêmement mobile dans les deux premiers mouvements.  Le scherzo fait penser à une chevauchée qu'entrecoupe un trio en forme de mélodie tchèque. Le largo se fait plus introspectif et prodigue des sonorités étranges. D'abord dramatique, le finale voit vite revenir le climat optimiste des débuts de l'œuvre.  Il s'achèvera dans « l'agitation d'une cavalcade joyeuse » (Guy Erismann).  Là encore, la conviction d'Ansermet et son art suprême du phrasé donnent à cette pièce sa belle saveur.

Jean-Pierre Robert

 

Thierry MACHUEL (°1962) : Sur la terre simple.  Œuvres profanes pour chœur a cappella.  Solistes du chœur Mokrokosmos, dir. Loïc Pierre.  Label inconnu : LI 09-0301 (.  Distrib. Codaex.  TT : 57’16.

Remarquable est ce corpus d’œuvres profanes a cappella, inspirées au compositeur (www.thierrymachuel.com) par des textes poétiques autour du thème de l’altérité et de la finitude de la vie - avec en exergue : « Je n’ai de certitude qu’un cœur qui bat et qui, bientôt, ne battra plus » (Edmond Jabès).  Textes en français d’Edmond Jabès (Un étranger avec, sous le bras, un livre de petit format) et d’Yves Bonnefoy (La parure éphémère ; Sur la terre simple), en danois d’Inger Christensen (Sous une pierre), en anglais de Kathleen Raine (Le Royaume invisible), en portugais de Sophia de Mello Breyner (Chemin), en roumain de Lucian Blaga (Je m’agenouille dans le vent), en italien de Daniela Attanasio (Vers la nudité), en espagnol de José-Angel Valente (Apparition de l’oiseau).  Ardent prosélyte des répertoires de notre temps, Loïc Pierre fait ici merveille à la tête de dix-huit jeunes solistes, émanation du Chœur de chambre Mikrokosmos avec, pour récitants, Annie Baud-Kaltenbach & Thierry Machuel.  Voilà un extraordinaire enrichissement du répertoire a cappella, d’autant mieux que ces pièces ne semblent pas d’une extrême difficulté.  Citons le cher Henri Dutilleux, dans son adresse au compositeur : « […] je constate que votre art se présente comme le plus original que je connaisse dans la jeune école internationale ».

 

…Et de l’aube émerge… Alexandre SCRIABINE (1872-1915) : Préludes op.11.  Karol SZYMANOWSKI (1882-1937) : Préludes op.1.  Kirill ZABOROV (°1970) : Hommage à la mémoire de Chostakovitch.  Suite-Fantaisie.  Guigla Katsarava, piano.  Polymnie (www.polymnie.net) : POL 150 658.  TT : 75’.

Dans ses 24 Préludes op.11, Scriabine se dégage de l’influence de Liszt et de Chopin, pour affirmer une personnalité extrêmement originale qui prendra bientôt le virage « messianique » que l’on sait.  Alternant modes majeur et mineur, il parcourt toutes les tonalités, dans l’ordre croissant des dièses, puis celui, décroissant, des bémols.  Les 9 Préludes op.1 de Szymanowski, cycle sombrement romantique, ont été écrits en 1900.  Kirill Zaborov fut d’abord musicien de jazz (influence de Bill Evans, Paul Bley et Keith Jarrett).  En porte notamment trace sa Suite-Fantaisie (1999).  Enseignant à l’École Normale de Musique de Paris, le pianiste géorgien Guigla Katsarava met justement en valeur l’extraordinaire lyrisme des pièces de Scriabine, le caractère élégiaque de celles de Szymanowski, aussi bien que l’aspect « nocturne » de celles de son ami Kirill Zaborov.

 

POUR LES PLUS JEUNES

André BORBÉ : Les 4 Jeudis.  Victorie Music : 301791-3.  Distr. Universal. 

Auteur-compositeur-interprète belge, André Borbé sort, en France, le premier de ses sept albums réalisés à ce jour.  Disque composé de 4 groupes de 4 chansons : Combien ? Comment c’est possible ça ? C’est quoi ce truc ? C’est toi qui joue ? La voix est claire, la diction parfaite, les sons… synthétiques.  Extraits des chansons & textes téléchargeables sur : www.andreborbe.be ou www.myspace.com/andreborbe

 

Annik MESCHINET & William LECOMTE : Jouap’la vie.  Chorale d’enfants Rouge Malice.  Enfance & musique : DCDP80.

Accompagnés par 7 talentueux musiciens professionnels, 24 jeunes chanteurs du Jura (de 8 à 14 ans) swinguent sur des rythmes jazzy ou latins (11 titres).  Extraordinaire virtuosité vocale de ces enfants ! Une aventure hors des sentiers battus…  Extraits des chansons & textes téléchargeables sur : www.rouge-malice.com ou www.myspace.com/compagnierougemalice

 

Pascal AYERBE : Les Gribouillis. « 13 musiques pour jouets, objets & choses à bruits… ».  Enfance & musique : DCDP89.

Musiques concrètes ludiques et farfelues, faites de CD rapant - rape à gruyère, rape à carottes, rape à patates & autres ustensiles de cuisine… Extraits à écouter sur : www.pascalayerbe.com

 

Hélène BOHY & Olivier CAILLARD : Le bateau de Nino.  À partir de 1 an.  Enfance & musique : DCDP84.  TT : 47’.

Dix-neuf nouvelles chansons poétiques nous sont ici proposées par le merveilleux duo Hélène Bohy/Olivier Caillard.  Incluant des musiques empruntées à César Portillo de La Luz (Écoutez bien ces chansons !), Francis Lemarque (Le mille-pattes), Astor Piazzolla (Tangonino), Duke Ellington (Douwap Douwap), Charlie Parker (Le casse-tête).  Plus 3 bonus vidéo (à lire sur ordinateur).  Un must !

 

Francis Gérimont

 

DVD

Antonin DVOŘÁK : Rusalka, conte lyrique en trois actes.  Renée Fleming, Sergei Larin, Franz Hawlata, Larissa Diadkova, Eva Urbanova, Michel Sénéchal.  Orchestre et chœurs de l'Opéra national de Paris, dir. James Conlon.  2DVDs Arthaus Musik : 107 031.  TT : 155'.

Le conte lyrique Rusalka puise à la légende de l'ondine qui aspire à devenir femme, et aborde le conflit entre univers de l'eau et de la terre, entre domaine des esprits et monde des hommes. L'interférence de ces deux sphères est au centre de la dramaturgie imaginée par Robert Carsen pour sa production à l'Opéra Bastille.  Interprétative, sa mise en scène l'est au second degré en ce qu'elle oppose des espaces idéalisés : un lac malgré tout enfermé, telle une piscine, une vaste chambre cossue.  Comme dans sa régie fameuse du Midsummer Night's Dream, il compose une variation sur la chambre et le lit, conçue en effet de miroir : l'endroit et l'envers d'un même lieu, voire son dédoublement ; vision comme à travers une glace sans tain.  La nymphe restera partagée entre ces illusions.  Le spectacle est d'une absolue cohérence qui ne refuse pas quelque lecture freudienne. La captation filmée l'enrichit par une prise de vue d'une rare justesse, visages scrutés au tréfonds d'une expression vraie, plans intermédiaires qui saisissent des échanges oppressants, plans d'ensemble laissant percevoir ce que la régie ose d'effets de double.  Des images d'une force étonnante contruisent une atmosphère onirique habitée par le bleuté des profondeurs de l'onde, l'ocré de la chambre, le mordoré de la belle nixe aux cheveux défaits.  Les contrastes ombre-lumière participent de la grande séduction qui en émane. Le tragique sort de la sirène, sa détermination à triompher des objurgations de l'Ondin son père, son déchirant parcours de femme réduite au mutisme, effarée devant l'inconstance de l'humain succombant aux avances d'une princesse étrangère, sont saisis avec acuité.  Aucun trait de la régie n'ira contre la musique de Dvořák, bien au contraire, tout ici la transfigure.  D'autant que l'interprétation est hors pair.

 

George Frideric HÄNDEL : Sémélé, opéra en trois actes.  Cecilia Bartoli, Charles Workman, Birgit Remmert, Isabel Rey.  Chœurs de l'Opernhaus de Zurich, Orchestra La Scintilla, dir. William Christie.  2DVDs Universal/Decca : 074 3323.  TT : 154'.

La restitution filmique de la régie du même Carsen, créée pour Sémélé de Haendel à l'Opernhaus de Zurich, ne procure pas le même sentiment de bonheur.  Là où le responsable vidéo cherche pour l'opéra de Dvořák à recréer quelque œuvre d'art (François Roussillon), c'est le parti pris d'une captation littérale qui prévaut ici (Félix Breisach).  Un peu comme si l'on saisissait au premier degré ce qui ne l'est assurément pas.  Car la régie de Carsen est, là encore, ingénieuse en diable, puisant même au parodique. Le fabuleux destin de cette déesse qui, captivée par sa propre beauté, tombe dans le piège tendu par la rusée Junon pour se venger de son volage Jupiter d'époux, et rêve d'immortalité, est transposé à la Cour d'Angleterre.  Junon sera sosie d'Elisabeth II bardée du diadème royal.  L'espace unique qui resserre l'action, ne rend pas filmé ce qu'il a d'original dans la réalité avec ses théories de chaises alignées de quelque salle d'apparat, sa chambre nuptiale gratifiée d'un immense lit, envahie des atours que l'insouciante Sémélé a laissés en désordre.  Arrêts sur image, clins d'œil à quelque journal tabloïde corsent un spectacle qui se lit à travers bien des filtres.  Reste que les protagonistes sont trop souvent approchés par une caméra sans inventivité.  Jupiter en particulier n'est pas favorisé en cette affaire. La piquante Cecilia Bartoli tire son épingle du jeu et de son chant privilégiant le mezza voce, caresse les coloratures haendéliennes.

 

Gustav MAHLER : Symphonie n°3.  Anna Larsson.  Arnold Schönberg Chor, Tölzer Knaben Chor, Orchestre du Festival de Lucerne 2007, dir. Claudio Abbado.  DVD Medici Arts : 2056338.  TT : 102'.

L'attrait de la captation de concert est de préserver le sens de l'événement. Tel est bien le cas ce 19 août 2007 au Festival de Lucerne : Claudio Abbado y dirige la 3^e Symphonie de Mahler. De cet hymne grandiose à l'amour créateur, immense fresque où « toute la nature reçoit une voix » (Jean Matter) pour atteindre, au finale, le divin, le grand maestro livre la quintessence : l'immanence de cet éternel devenir qu'est la vie, de ces forces contenues dans l'ombre ou libérées en pleine lumière.  Rarement prise de vue aura saisi avec un tel flair l'art de la direction, le façonnage du son, le geste enveloppant qui dessine le trait, et discerné la complicité entre une phalange réunissant le nec plus ultra des musiciens européens - quelle image que les cellistes des Quatuors Alban Berg et Hagen jouant côte à côte !  Un sourire furtif, une expression bienveillante nous font deviner ce que faire de la musique procure de bonheur même dans l'effort de l'action.  On mesure combien la saisie filmique a gagné en pertinence par un découpage éloquent : l'expression vraie de l'instrumentiste, l'appréhension fine de l'instrument, la concentration extrême qui n'empêche pas une réelle liberté dans le jeu, fruit d'une écoute réciproque, bien au-delà de la simple entente.  Plus que tout, comment naît l'émotion partagée entre des musiciens que l'amitié unit à leur chef charismatique.

Jean-Pierre Robert

 

Christine BERTOCCHI : Voie ouverte.  Improvisation vocale.  Scérén/CRDP de Bourgogne (www.crdp.ac-dijon.fr) : 210DV001.  DVD (TT : 170’).  Livret (38 p.).  24 €.

Destiné aux enseignants des 1^er et 2^nd degrés, mais aussi à tous chefs de chœur, chanteurs, comédiens, scénographes… ce très remarquable DVD nous permet de découvrir la merveilleuse Christine Bertocchi, en action auprès d’enfants d’une école primaire de la Côte d’Or aussi bien que d’adultes non professionnels de la scène.  Travail sur l’attention, la réactivité, l’écoute des autres & de soi-même, l’improvisation sur la matière sonore (déformation de la voix par divers résonateurs, screaming, chants de voyelles…), l’expression corporelle, la mise en scène spontanée – toutes choses qui ne laissent pas d’évoquer ce que faisait naguère Cathy Berberian dans Stripsody ou les recherches d’un Georges Aperghis.  Arborescence du DVD : Documentaire (étapes du projet) / Séquences pédagogiques (travail corporel, jeux d’écoute, jeux rythmiques, invention, travail avec les solistes…) / Entretiens / Extraits de représentations publiques à Dijon.  Fascinant !

 

Entrez dans les danses d’ici et d’ailleurs.  « Corpus ».  DVD-Rom.  Scérén/CRDP des Pays de la Loire (www.crdp-nantes.cndp.fr) : 440M0070.  15 €.

Destinées aux trois cycles de l’école primaire, voici - intelligemment codifiées & adaptées pour l’école - 46 danses du patrimoine (France, Royaume-Uni, Israël, Portugal, États-Unis, Lituanie, Pologne, Russie, Hollande, Italie, Suède…), avec fiches pédagogiques « chorégraphie », « musique ».  Des vidéos ont été tournées avec quelques élèves découvrant, pas à pas, chaque danse.  Des cartes d’écoute permettent, en outre, d’explorer l’univers musical.  Un précieux outil pour tout enseignant en Primaire.

Francis Gérimont

 

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