Rolande FALCINELLI (1920-2006) : Quatre grandes improvisations en concert.  Rolande Falcinelli à l’orgue Beuchet-Debierre de la Cathédrale aux Armées (Saint-Louis des Invalides), Paris.  IFO : ORG 7220.2 (distr. Codaex).  TT : 79'32.

« Improviser, si l'on est sincère et si l'on ne se contente pas de formules et de clichés, est toujours une aventure, passionnante et inquiétante » disait Rolande Falcinelli lors d'une conférence sur l'art de l'improvisation.  C'est précisément dans une aventure stupéfiante que l'on est emmené tout au long de ce disque du label allemand IFO, proposant dans son intégralité le mémorable récital d'improvisation, donné le 20 octobre 1983 à Saint-Louis des Invalides à Paris.  Quatre formes se succèdent : Prélude et Double Fugue, Variations, Suite symphonique (Récit incantatoire, Scherzo, Mélopée, Final), et les Sept Sceaux, poème symphonique sur le texte biblique « L'ouverture des sept sceaux » de l’Apocalypse selon saint Jean.

Les œuvres que Rolande Falcinelli improvisa sur des thèmes d'Antoine Tisné démontrent le niveau transcendant auquel était parvenue sa maîtrise de cet art périlleux : le contrôle intellectuel de la construction du discours et l'aisance de sa traduction dans l'immédiat sont absolus.  Rigueur et souplesse, lucidité et imagination visionnaire : tout se fond dans un équilibre parfait, animé par un souffle dramatique époustouflant.  Une grande aventure, donc, marquée ce soir-là par un vertigineux crescendo d'intensité et par une de ces rares et mystérieuses visitations de l'Esprit, qui se serait évanouie à jamais si le récital n'eût été enregistré et heureusement préservé pour la postérité.

Andrea Borin.

Claude Le JEUNE : Dix Pseaumes de David.  Ramée (stephanie@outhere.com) : RAM 1005.  TT : 75’28.

Cl. Le Jeune (ca 1530-1600) - musicien de la Réforme au même titre que Cl. Goudimel - a, en 1564, « nouvellement composez à quatre parties en forme de motets » Dix Pseaumes de David, que révèle l’ensemble Ludus Modalis (7 voix, ainsi que clavecin & orgue) dirigé par son fondateur, Bruno Boterf, musicologue spécialiste aussi bien de musique médiévale que de musique baroque, et ténor.  Gagné à la Réforme et marqué par l’humanisme, Cl. Le Jeune s’est lancé dans la musique mesurée à l’Antique dont des Prières avant et après le repas ou encore ses Pseaumes en vers mesurés édités en 1606 (donc après sa mort).  Les Dix Pseaumes reposent sur les paraphrases de Théodore deBèze, mais ne reprennent pas les mélodies récemment attribuées à Pierre Davantès.  Son style est personnel et son projet s’inscrit dans le contexte historique, c’est-à-dire la paix retrouvée.  Le dénominateur commun est l’action de grâce et l’invitation au chant : Chantez...  Les amateurs de psaumes calvinistes seront curieux de connaître les nouvelles versions de ces 10 Psaumes que Bruno Boterf et Ludus Modalis interprètent en connaissance de cause, avec autant de force de persuasion que de ferveur et d’intériorité.

Les chants du Pèlerin russe.  Jade (jade@milanmusic.fr) : 699728-2.  TT : 60’.

Les sœurs du monastère Sainte-Élisabeth de Minsk - l’un des centres orthodoxes les plus actifs en Biélorussie, dont la patronne est la grande-duchesse Élisabeth (petite-fille de la reine Victoria), convertie à l’orthodoxie - ont enregistré 16 pièces.  Selon le livret : « ces magnifiques chants de pèlerins ou Versets spirituels relatent des histoires sacrées à partir de la musique populaire.  Il existe dans le patrimoine de la tradition religieuse russe de vieux chants d’origine populaire, sorte de pieuses poésies à caractère légendaire qui expriment de façon spécifique l’âme du peuple russe ».  Ces complaintes, en marge de l’usage liturgique, reprennent des thèmes bibliques : louange de Dieu ; Consolation de mes tristesses devant l’icône.  Elles évoquent également avec lyrisme le père Séraphin, le vénérable père Serge, la bienheureuse Xénia…, Un moine, et se termine avec Calme nuit, où « le moine dort doucement, et l’ange de Dieu le protège… » : un concentré de calme, de plénitude, d’intériorité, de douceur émanent de ces voix si fondues, justes et homogènes.

Printemps.  VDE Gallo (info@vdegallo.ch) : CD-1326.  TT : 57’.

Toujours à la recherche d’originalité et de sonorités inattendues, les disques Gallo présentent, sous le titre : Printemps, des pages très connues arrangées pour flûte de Pan (M. Tirabosco), accordéon (D. Fedorov) et un ensemble instrumental (l’ensemble Concordia Discors).  Les discophiles reconnaîtront aisément les accents de J. S. Bach émanant du Double Concerto en ut mineur, de la Sonate pour flûte & clavecin, en sol mineur, des Suites orchestrales n°2 en si mineur et n°3 en ré majeur, mais dans un paysage sonore différent.  A. Vivaldi est présent avec Le Printemps et L’Hiver extraits des Quatre Saisons.  Paradoxalement : à la fois déroutant et ressemblant.

Joseph HAYDN : Deux Symphonies parisiennes.  Ludwig August LEBRUN : Concerto pour hautbois.  Ricercar (stephanie@outhere.com).  TT : 66’06.

Au XVIII^e siècle, Paris est un passage obligé pour les artistes grâce à l’organisation « Le Concert Spirituel » (1725-1791).  Cette collection éponyme a retenu des œuvres qui, à l’époque, ont rencontré un grand succès : 2 symphonies de Joseph Haydn (1732-1809) et le Concerto en do majeur de Ludwig-August Lebrun (1752-1790), hautboïste du célèbre orchestre de la cour de Mannheim, dans l’entourage de C. et H. Stamitz.  Son Concerto pour hautbois & orchestre, à découvrir, comporte trois mouvements contrastés : Allegro, Adagio, Rondeau (Allegretto), de facture classique et agréables à entendre.  Le timbre du hautbois (soliste : B. Laurent) plane sur l’ensemble.  Il est accompagné avec infiniment de musicalité par l’ensemble Les Agrémens dirigé par Guy Van Waas.  Le cycle des symphonies de Haydn, édité à Paris en 1788, est doté du titre : « Du répertoire de la Loge Olympique, six sinfonies à divers instruments… ».  Désignées « Symphonies parisiennes » à cause de leur commanditaire, le comte d’Ogny, les Symphonies en do majeur et ré majeur, loin d’être galvaudées, bénéficient d’une interprétation conforme aux critères de l’époque.  À retenir entre autres : le caractère monumental de Symphonie en do majeur, grâce aux trompettes et timbales, l’Adagio particulièrement chantant de la Symphonie en ré majeur, et les deux Finale bien enlevés.

Récital de piano Élizabeth Herbin.  VDE-Gallo (Rue de l’Ale, 31.  CH-1003 Lausanne, info@vdegallo.ch) : CD 1312.  TT : 54’01.

Olivier Buttex et les disques Gallo ont, entre autres, le mérite de promouvoir de jeunes pianistes.  Élève de Vl. Perlemuter au CNSM de Paris, où elle est entrée à 11 ans, Élizabeth Herbin est aussi, entre autres, disciple de N. Magaloff et d’A. Ciccolini.  Elle enseigne au conservatoire J.-Ph. Rameau (Paris) et donne des masterclasses au Canada, au Japon, en Pologne et en Chine.  Elle a sélectionné la Sonate en sib majeur, D.960 (1928) de Fr. Schubert (1797-1828).  Aucun traquenard technique ne lui résiste (accords répétés, mise en valeur de la ligne mélodique, indépendance totale des mains).  Elle recrée à merveille l’atmosphère méditative et le caractère fervent de l’Andante sostenuto, contrastant avec la limpidité du Scherzo (Allegro vivace con delicatezza), suivi du seul mouvement forte : Allegro ma non troppo, se faisant plus discret vers la fin.  Quant à l’œuvre de Fr. Liszt (1811-1886) : Après une lecture du Dante (d’après V. Hugo), É. Herbin rend cette œuvre à la fois mystique et sublime.  Wilhelm Kempf n’avait-il pas raison en affirmant : « Élisabeth Herbin est un talent musical exceptionnel, son jeu est d’une grande et personnelle puissance d’expression » ?  Disque très attachant, bénéficiant aussi d’un livret quadrilingue très bien conçu.

CHOPIN : Nocturnes.  GRANADOS : Œuvres choisies.  Ester Pineda.  VDE-Gallo (info@vdegallo.ch) : CD 1325.  TT : 69’49.

Pour cette jeune pianiste espagnole de réputation internationale, la virtuosité n’est qu’un moyen, et non une fin, au profit de la sensibilité et de la profondeur.  Le volet consacré à Fr. Chopin (1810-1849) est marqué par une sonorité exceptionnelle, doublée d’une rare finesse.  Elle interprète avec infiniment de musicalité et de goût six de ses Nocturnes.  D’entrée de jeu, elle révèle l’esthétique hispanisante d’Enrique Granados (1867-1916) dont elle a retenu les Valses poétiques, des extraits des Goyescas (1911)…  Les mélomanes n’oublieront pas le charme et la discrétion se dégageant de Plaintes ou la Maja et le rossignol.  Enfin, dans l’Allegro de concert, plus développé, son jeu perlé et ses attaques précises contribuent au dynamisme de cette marche en avant.

Théodore DUBOIS : Concerto pour violon & orchestre.  Édouard LALO : Symphonie espagnole.  BNL : 112964.  Distr. Codaex. TT : 60’.

Th. Dubois (1837-1924) n’est pas que l’auteur d’un célèbre Traité d’Harmonie…  En tant que compositeur, il bénéficie actuellement d’un regain d’intérêt (cf. ses œuvres d’orgue interprétées par Helga Schauerte).  Son Concerto pour violon & orchestre (1897) a été enregistré, en première mondiale, par l’excellent violoniste Frédéric Pélassy en Slovaquie.  Encore de facture romantique, avec un plan classique en trois parties, cette œuvre réserve la part belle au violon qui, dans l’Allegro, s’impose par la virtuosité et la bravoure, dans l’Adagio, cède la place à la mélancolie et au pathos, contrastant avec l’Allegro giocoso aux rythmes martelés, incisifs, les passages staccato au violon.  Décidément, Fr. Pélassy se joue de toutes les difficultés dans les tessitures scabreuses sur tempo rapide.  La proximité avec la Symphonie espagnole (1875) d’É. Lalo (1823-1892), structurée en 5 mouvements, proche du post-romantisme, est évidente.  Ce CD, résultat de la remarquable entente entre l’éminent violoniste français et l’Orchestre national philharmonique de Kosice, dirigé par Zbynek Müller, est incontournable dans toute discothèque de mélomane curieux.

Jérôme BERNEY : 3 + 3.  Jazz autour de Frank Martin.  VDE-Gallo (info@vdegallo.ch) : CD 1330.  TT : 46’32.

3 + 3.  Jazz autour de Frank Martin : titre aussi énigmatique qu’inattendu ?  Il est présenté comme une charade : « Mon premier est une œuvre du compositeur suisse Frank Martin : Trio sur des mélodies populaires irlandaises (1925).  Mon deuxième est un trio classique, piano-violon-violoncelle, qui l’interprète.  Mon troisième est un trio jazz, piano-contrebasse-batterie, faisant « effraction » à partir de compositions de Jérôme Berney.  Mon tout est une création inédite mêlant genres et ensembles, musique écrite et improvisée, dans un esprit festif !  Soit.  Pourquoi pas ?  Réussite du genre…

Édith Weber.

Umberto GIORDANO : Fedora.  Plácido Domingo (Loris), Angela Gheorghiu (Fedora), Fabio Maria Capitanucci (De Siriex), Nino Machaidze (Olga).  Orchestre symphonique et chœur de la Monnaie, dir. Alberto Veronesi.  2CDs : DGG 477 8367.

Dès les premiers stades de sa carrière, Plácido Domingo, travailleur acharné, se montrait volontiers disponible pour participer à l’exhumation discographique d’ouvrages méconnus, notamment du répertoire improprement appelé “vériste”.  Il a repris son bâton de pèlerin depuis quelques années afin de compléter ce pan de la discographie chez DGG, en compagnie du chef Alberto Veronesi.  Cinquième volet de leur commune exploration, Fedora sort trois ans (!) après l’enregistrement effectué en janvier 2008.  Dans le catalogue d’Umberto Giordano voisinent un chef-d’œuvre, Andrea Chénier, et divers ouvrages non dénués d’originalité (Siberia, Mese mariano, Il Re, pour n’en citer que quelques-uns).  Fedora, inspiré – comme Tosca, mais le parallèle s’arrête là ! –, d’un drame de Victorien Sardou, souffre d’un livret inintéressant. Il est difficile de s’intéresser à quelque personnage que ce soit, tant la psychologie sommaire, concentrée en une heure et demie (vérisme oblige : la violence des destinées tragiques se traite en formes ramassées), prête souvent à sourire ! L’inspiration peine à relever une écriture musicale, certes irréprochable et par moments émaillée de trouvailles orchestrales séduisantes.  Mais, pour en tirer la substantifique moelle, il eût fallu un chef plus imaginatif que Veronesi (et l’orchestre bruxellois ne fournit guère un velours au discours orchestral).  Quoi qu’il en soit, Plácido Domingo, dans le rôle du ténor (il devient nécessaire de le préciser, lire ci-dessous !), déploie une vaillance intacte et un art du phrasé sur lequel l’âge n’a pas de prise : écoutez comme il infléchit des syllabes en cours de mot pour faire vibrer une tension expressive ; la maîtrise enrichie de l’expérience que l’on sent ici force l’admiration.  Face à lui, Angela Gheorghiu se veut une sensibilité à vif, mais la justesse bat parfois la campagne.  Nino Machaidze n’a pas les moyens de soprano léger requis par le rôle superficiel d’Olga, et son timbre de serinette devient étriqué dans l’aigu. Un telle nouveauté discographique ravira donc au premier chef les collectionneurs domingophiles.

Frédéric CHOPIN : Polonaise-Fantaisie op.61, Nocturnes op.62 n°1 et 2, Andante spianato et Grande Polonaise op.22, 12 Études op.10.  En bis, Rachmaninov : Prélude op.32 n°5.  Chopin : Prélude op.28 n°24.  Nelson Goerner, piano.  Wigmore Hall Live : WHLive0039.

Parution en postlude à l’année Chopin d’un récital donné à Londres… en prélude à ladite année, le 1^er octobre 2009.  Nelson Goerner est un pianiste parfois sous-estimé : doté d’une belle sonorité, d’une virtuosité dont témoignent ici les Études op.10 (et spécialement celles “à grande vitesse”, pour adopter un vocabulaire ferroviaire), on le qualifierait par la notion d’énergie positive.  Point de mystère dans ses interprétations du romantisme, mais une mâle assurance diffusant une certaine lumière, que l’on aurait tort de mépriser.  On peut certes lui reprocher d’être un peu court dans les contrastes de dynamique (de beaux p, mais un manque de réserve dans la puissance), ce qui gomme le dramatisme et les ténèbres de l’âme.  Un esprit positif, vous dis-je !  Il n’est pas dénué de sens poétique, comme le prouve en bis le Prélude en sol majeur de Rachmaninov, au ruissellement si évocateur.  Mais, aussitôt après, en ultime bis, le 24^e Prélude de Chopin nous remet sur les rails de sa virile approche du Polonais.

Petr EBEN : Symphonia Gregoriana.  Gunther Rost, orgue.  Bamberger Symphoniker, dir. Gabriel Feltz.  SACD Oehms : OC643.

Le compositeur tchèque Petr Eben (1929-2007) apporta une contribution des plus importantes au répertoire d’orgue du XX^e siècle. Sa musique fort belle, noblement pensée, mue par des motivations humanistes, mériterait d’être mieux connue sous nos cieux.  Sa foi religieuse s’éleva comme un moyen de contestation dans la Tchécoslovaquie communiste, et il se donna l’apparence d’entériner le cliché de l’orgue/instrument liturgique pour avancer une forme de résistance dans l’idéologie matérialiste qui étouffait son pays. La Symphonie concertante ici gravée en est l’illustration, puisqu’elle s’appuie sur des thèmes grégoriens, dont le cheminement (exemples musicaux à l’appui) est fort bien expliqué dans le copieux livret.  Il faut tout de même avertir le public qu’il s’agit d’une œuvre de jeunesse, écrite alors que Petr Eben achevait ses études (en 1954), et que le style n’a pas encore atteint sa pleine identité.   Malheureusement, nous entendons là un organiste qui registre fort maladroitement (la composition de l’orgue, fournie dans le livret, prouve que l’on pourrait donner plus de présence à la partie d’orgue, mieux la dessiner), privilégiant des anches au son enrhumé ; de plus, il joue son rôle avec une inconsistance déplorable.  La prise de son achève de noyer le tout dans une soupe confuse, notamment lorsque l’orgue et les percussions interviennent conjointement.  Au bout d’un moment, l’attention décroche, alors même que la partition recèle des potentialités aisées à deviner.  Quel dommage de subir ici une réalisation inaboutie, handicapant la réception d’une œuvre qui appellerait de plus dignes efforts !

Felix MENDELSSOHN : Concerto pour violon, piano & orchestre.  Quintette à cordes n°2 (arr. pour orch. à cordes).  Alexander Lonquich (piano) Antje Weithaas (violon), Camerata Bern.  Claves : 50-1102.

À quatorze ans, le jeune prodige composait un joyau de vitalité magistralement écrit : le Concerto pour violon, piano & cordes. On l’entend ici dans une version élargie aux vents et timbales reposant sur un matériel d’orchestre retrouvé dans les archives de Mendelssohn.  La qualité de jeu et la vivacité de la Camerata de Berne y font merveille.  Le premier mouvement est teinté d’une verve italienne (il sonne par moments rossinien, presque jamais beethovenien), le deuxième mouvement échappe à l’influence mozartienne par un chromatisme qui s’infiltre passagèrement au piano, et le finale déborde d’une exubérance débridée.  Alexandre Lonquich s’y montre pétillant, rebondissant.  On déplore en revanche le timbre peu gracieux d’Antje Weithaas, là où conviendrait le son translucide d’un Gidon Kremer, malgré la musicalité virtuose de l’actuelle directrice artistique de la Camerata de Berne.  La prise de son a tendance à isoler les deux solistes au premier plan, ce qui affecte le naturel de la restitution.  Le Quintette à cordes op.87 de 1845 supporte – je dirai même plus : appelle – l’extension à l’effectif d’un petit orchestre à cordes.  Là encore, la perfection de jeu de la Camerata de Berne est garante du résultat.  Écoutez le tissu volubile des parties intermédiaires dans le premier mouvement, puis l’élégance, toute en légèreté, de l’Andante scherzando.  Cet effectif amplifie encore le dramatisme funèbre du poignant Adagio où résonnent comme des appels de la scène théâtrale (les fantômes de Don Giovanni et du Commandeur semblent s’y tenir dans l’ombre).  Quant au finale, on le croirait issu de quelque symphonie post-mozartienne, et les instrumentistes s’y lancent avec une fougue de haute virtuosité.  Au final, un disque qui sème le bonheur.

Felix MENDELSSOHN : Elias (chanté en allemand).  Claudia Barainsky (soprano), Franziska Gottwald (contralto), Rainer Trost (ténor), Thomas E. Bauer (baryton). Chorus Musicus Köln, Das Neue Orchester, dir. Christoph Spering.  2CDs MDG Live : 602 1656.2.

Nos lecteurs savent que l’auteur de ces lignes a une oreille très critique envers l’historicisme instrumental mis à toutes les sauces, spécialement quand cette sauce consiste à transvaser sans discernement des ingrédients “baroqueux” vers des ragoûts mijotés à une autre époque, dans un tout autre état d’esprit, au point d’entrer effrontément en contradiction avec les idéaux des créateurs concernés.  Il y a pourtant d’heureuses exceptions, et Christoph Spering est de celles-ci : en 1995, nous avions été très impressionnés par l’oratorio Paulus, qu’il avait gravé pour le défunt label “Opus 111”, de même que la Symphonie “Lobgesang” et la version arrangée par le même Mendelssohn de la Passion selon saint-Matthieu de Bach.  En effet – et ces particularités sont rappelées dans le livret d’Elias – Spering ne considère pas que réduire les œuvres à des effectifs “rikiki” soit une preuve de culture historique (au contraire, on sait les masses considérables dont ont pu disposer Haendel, Mozart, Mendelssohn, etc.), et si, depuis ce mémorable Paulus, les membres de son chœur (Chorus Musicus) et de son orchestre (Das Neue Orchester) se sont renouvelés, la philosophie du travail qu’il leur insuffle demeure la même, et vise à faire qu’une musique romantique sonne avec une expression romantique, et non selon des postulats “fourre-tout” aveuglément “baladés” d’un siècle à l’autre, d’une esthétique à l’autre, comme on l’entend si souvent (le dogmatisme sans culture des sensibilités particulières peut faire des ravages !).  Son attention à des détails négligés fait que, pour le coup, sa lecture des partitions redonne une vérité historique au son et à la structure dynamique ainsi reconstitués : dans Paulus, par exemple, Spering avait mis en application les registrations notées de la main de Mendelssohn sur la partie d’orgue d’une exécution qu’il avait dirigée au Gewandhaus de Leipzig (le compositeur était autant chef d’orchestre qu’organiste et pianiste, d’où son attention à ces détails d’interprétation), or l’alliage entre ces registrations et l’ophicléide révèlait des intentions insoupçonnées dans le traitement des basses.  Dans l’un et l’autre oratorios, Spering suit avec un soin scrupuleux les indications métronomiques portées par Mendelssohn sur les partitions, et redonne vie à des progressions dramaturgiques que le compositeur étagea très soigneusement.  Le présent Elias rejoindra donc Paulus dans les rangs des versions chaudement recommandables pour découvrir le “vrai” Mendelssohn, et l’on apprécie la capacité des choristes à “jouer” leur rôle dans les moments de tension dramatique (la joute avec les prêtres de Baal, ou le déchaînement des forces divines “Der Herr ging vorüber” dans la seconde partie), ainsi que l’homogénéité avec laquelle les chanteurs solistes se fondent dans la couleur vocale collective ou en émergent à bon escient.  Tout ici respire l’exigence qui donne aux réalisations de Spering une démarche cohérente, une riche beauté sonore, un relief dramatique qui n’a pas besoin des soufflets d’accordéon ou des brusques à-coups tenant lieu de dynamique à tant de “baroqueux”.

DEBUSSY : Fantaisie pour piano et orchestre.  RAVEL : les 2 Concertos.  MASSENET : Eau dormante, Eau courante, Toccata, Papillons noirs, Papillons blancs, Valse folle.  Jean-Efflam Bavouzet.  BBC Symphony Orchestra, dir. Yan Pascal Tortelier.  SACD Chandos : CHSA 5084.

Quelle joie de découvrir un couplage original, qui tire les conséquences historiques d’admirations non dissimulées des célèbres cadets pour leur aîné si fameux dans le domaine de l’opéra !  Mais avant d’en venir à l’inattendu de ce programme, saluons la rencontre entre deux “intégralistes” de Debussy et Ravel : le formidable virtuose Jean-Efflam Bavouzet, et Yan Pascal Tortelier qui est l’un des meilleurs chefs français, ce que l’on semble délibérément ignorer ici alors que les cinq continents se l’arrachent !  Les mouvements extrêmes du Concerto en sol de Ravel crépitent, emportés à toute allure par notre pianiste survolté mais ne se départissant jamais d’un jeu extrêmement précis ; le mouvement central commence tout en retenue du son afin que le lyrisme ne s’en élève que mieux au fil de la progression.  Beau travail du son également de la part du chef dans le Concerto pour la main gauche, auxquels répondent au clavier les brouillards denses d’où va sourdre la cadenza.  Dans l’ensemble de ce Concerto, les deux interprètes semblent néanmoins s’en tenir à une vision abstraite de l’œuvre et ne point vouloir verser dans la lecture sombrement dramatique, tourmentée, que d’autres privilégient.  Quant à la Fantaisie de Debussy, qui connut un sort avorté en ne rencontrant jamais le public du vivant de l’auteur, elle est le témoignage d’un esprit qui se cherche, qui se trouve en maintes pages, mais ne résout pas encore ses contradictions en une forme ramassée.  Les interprètes avancent avec beaucoup de caractère dans ces chemins tortueux, et le Lent, très expressif du deuxième mouvement est un moment sublime de poésie éthérée.  Mais que viennent faire des pièces pour piano seul de Massenet après ces trois œuvres concertantes ?  On l’a dit, Debussy et Ravel ne cachaient pas leur admiration pour Massenet, et avaient fort bien pénétré les arcanes de son (de ses) style(s), au point que des traces d’influence sont aisément repérables.  Pourtant, Massenet qui, toute sa vie, se renouvela avec un bonheur d’imagination jamais tari, apporte de l’inattendu jusque sur les touches aussi noires et blanches que ses Papillons : écoutez les étrangetés de Papillons noirs, avec leurs rythmes contrariés, puis les élégants envols de Papillons blancs, se terminant fort inopinément.  En sens contraire, l’assurance virtuose de la Toccata s’achève par un clin d’œil : l’accord final est posé f comme le veut l’usage d’une telle pièce… puis repris aussitôt pp.  Les sonorités rêveuses d’Eau dormante et le jeu perlé d’Eau courante achèvent de nous montrer Jean-Efflam Bavouzet déroulant en un seul disque un extraordinaire panorama de son talent.  Mais le plus surprenant vient à la fin : le côté complètement déjanté de la Valse folle qui, de l’atonalisme au bastringue, semble parcourir en deux minutes et demie, au gré de vertigineux tournoiements, des salles diverses d’où émaneraient des probabilités de valses se juxtaposant jusqu’à une fin qui semble adresser au dédicataire Raoul Pugno une caricature de pianiste en majesté.  Eh oui, l’auteur de Werther cachait sous sa moustache un humour fort piquant !  Mais – malédiction ! – cette Valse folle est l’ultime pièce du disque, et c’est la plage 13 !  Imprudents producteurs qui ignoraient que Massenet était viscéralement superstitieux et avait une peur panique du chiffre 13 (ses manuscrits ne comportent pas de page 13 !)… au point de mourir un 13 août (1912, ce qui nous amènera au centenaire l’année prochaine) !  Quoi qu’il en soit, grâce soit rendue à Jean-Efflam Bavouzet d’avoir eu l’idée d’un programme si kaléidoscopique, qui met en valeur toutes les facettes de son art.

Gabriel PIERNÉ : Concerto pour piano en ut mineur (*), Marche des petits soldats de plomb, Divertissements sur un thème pastoral, Suites n°1 et 2 de “Ramuntcho”.  Jean-Efflam Bavouzet (*).  BBC Philharmonic Orchestra, Juanjo Mena.  Chandos : CHAN 10633.

Il fut un temps où l’on parlait avec condescendance de « musique de chef d’orchestre » ; cette appellation censément dédaigneuse (on se demande bien pourquoi !) englobant Gustav Mahler, Richard Strauss, Gabriel Pierné (excusez du peu !), tous valeureux chefs d’orchestre au long de brillantes carrières pluri-décennales, on en réclame notre content !  En effet, dans les orchestrations de tels maîtres, il y a un savoir-faire qui force l’admiration, tant il donne son exact relief à la moindre intention exprimée par chaque voix instrumentale.  Au lieu de nous assommer en donnant quinze fois le même concerto ou la même symphonie par saison, que n’inscrit-on pas le Concerto en ut mineur ou les Divertissements de Pierné aux programmes de nos orchestres, pour renouveler le panorama !  D’autant qu’il s’agit de pièces “grand public” au bon sens du terme, et qu’elles enthousiasmeraient les mélomanes… enfin, dans la mesure où elles seraient jouées par des artistes du niveau de ceux-ci !  Car nous entendons là (dans une prise de son spectaculaire) des interprétations étincelantes, qui apportent une contribution inestimable à la remise à l’honneur d’un compositeur injustement éclipsé depuis quelques temps.  On entre dans le Concerto (1887) par un Maestoso auquel Jean-Efflam Bavouzet confère un poids grandiose, avant de déchaîner l’impact nerveux d’une trempe peu commune dans l’Allegro.  On sait que le pianiste est un rythmicien intrépide, d’où l’empreinte laissée par ses interprétations des Concertos de Bartók et de Prokofiev ; il porte littéralement toute l’œuvre par cette faculté électrisante.  Au détour du premier mouvement surgit inopinément quelque préfiguration de Rachmaninov. L’Allegro scherzando central avoue l’influence de Saint-Saëns, et d’un toucher rebondissant, Jean-Efflam Bavouzet en donne le ton plein d’esprit.  Le thème agitato du finale est en effet agité d’une virtuosité ébouriffante qui alterne avec un lyrisme respirant à pleins poumons.  Pas une minute de répit pour le pianiste dans ce Concerto, pas une minute d’ennui pour l’auditeur.  Et – phénomène que l’on a déjà vu se produire lors de concerts d’orchestre associant le pianiste breton – les musiciens du BBC Philharmonic de Manchester sont transcendés par un partenaire de si haut vol, ils “mouillent leur chemise”, emportés par la contagion d’un tel dynamisme.  Le chef espagnol Juanjo Mena, qui va prendre ses fonctions à leur tête à partir de la saison prochaine, montre ses propres qualités de virevoltante élégance tout au long de Divertissements sur un thème pastoral (1931), pièce en forme de variations écrite pour l’Orchestre des Concerts Colonne que Pierné dirigea pendant trente ans : partition délectable où passent des traces de Ravel, de Puccini, et où – plus étonnant – on découvre, par le jeu de la modalité des thèmes employés de part et d’autre, une anticipation du deuxième mouvement des Métamorphoses symphoniques sur un thème de Weber de Paul Hindemith (qui ne naîtront que douze ans plus tard !), spécialement lorsque l’un et l’autre compositeurs traitent leur thème en un choral dansant de cuivres ; rappelons que dans ce mouvement, Hindemith reprend le thème de la “chinoiserie” écrite par Weber pour la musique de scène de Turandot, d’où une parenté avec le mode lydien du thème soi-disant pastoral de Pierné.

Au temps de nos grands-mères, les suites de Ramuntcho comptaient parmi les pages les plus populaires de Pierné, peut-être à l’instar du roman de Pierre Loti dont l’adaptation théâtrale donna lieu à la commande de cette musique de scène : aujourd’hui, elles semblent plus datées que les œuvres précédemment évoquées, en raison d’un pittoresque régionaliste un peu désuet.  Néanmoins, on y trouvera un plaisir d’écoute que l’on ne saurait bouder.  Voilà un disque revigorant, à consommer sans modération les jours de morosité pour ramener le soleil dans vos existences !

Francis POULENC : Mélodies sur des poèmes d’Apollinaire.  Holger Falk (baryton), Alessandro Zuppardo (piano).  MDG : 603 1658.2.

Les interprètes allemands s’intéressent décidément de plus en plus à la musique française et y apportent une touche très appréciable.  Baryton, annonce-t-on pour Holger Falk : mais baryton fort léger, fort aigu (pour le coup, plutôt dans la catégorie du “baryton-Martin” ou “baryténor”), qui chante souvent en voix de tête et manie son organe avec agilité.  Il a choisi de regrouper toutes les mélodies composées par Poulenc sur son poète favori, et cela donne un programme d’une qualité littéraire et d’une diversité musicale exceptionnelles.  On reste admiratif devant la ciselure de détail que le compositeur apporta à chaque vers, à chaque intention d’Apollinaire ; il en ressort, non un climat général, “globalisant”, s’étendant à toute la mélodie, mais une infinité d’éclairages, de subtilités harmoniques ou vocales sertissant un mot, colorant un trait d’esprit, ce qui complique évidemment la tâche des interprètes, invités à prendre de concert des virages ou des bifurcations parfois impromptues.

Le chanteur a travaillé une excellente diction française ; il ne lui reste comme seul défaut que de prononcer les “ai” (terminaisons d’imparfait, par exemple) un peu trop “é”, mais il est vrai qu’il n’y a pas si longtemps, le modèle erroné venait d’en haut, puisque ce défaut entachait les discours de Chirac, qui nous abreuva pendant deux mandats présidentiels de ses vœux de “pé” adressés aux “Francés” !

L’osmose entre le chanteur allemand et le pianiste italien est parfaite, leur interprétation passe par tout le spectre de la tendresse, de la nostalgie, de l’ironie, du burlesque surréaliste.  Les producteurs de MDG enregistrent toujours sur leur Steinway modèle D de 1901 qui, pour le coup, donne une couleur “d’époque”.  La prise de son et le livret complètent par leur excellence cette réalisation à conserver précieusement.

Sylviane Falcinelli.

César FRANCK : Pièces pour orgue.  Lionel Avot.  Hortus 083.  TT : 59’09.

Une belle interprétation de Lionel Avot, sur l’orgue Puget de Notre-Dame de la Dalbade à Toulouse, de différentes pièces pour orgue, composées par César Franck (1822-1890), alliant avec bonheur écriture & improvisation.  Trois Pièces datant de 1878 (Fantaisie en la majeur, Cantabile, Pièce héroïque), Prélude, Fugue et Variations, extraits de Six pièces (1859-1863) et le Premier Choral en mi majeur (1890).  Un disque indispensable à tout amateur d’orgue.

Patrice Imbaud.

Charles-Marie WIDOR (1844-1937) : 8^e Symphonie en si majeur op. 42 n°4.  Trois nouvelles pièces op. 87.  Scherzo (Allegro).  Frédéric Ledroit aux grandes orgues Cavaillé-Coll de l’église St-Étienne de Mulhouse.  Skarbo (www.skarbo.fr) : DSK 1102.  Distr. France Intégral.  TT : 72’20.

Grâce aux améliorations apportés aux orgues romantiques, Charles-Marie Widor put créer la « symphonie pour orgue », élevant cet instrument au rang de grand orchestre.  Parmi ses dix symphonies, la Huitième (version de 1887) en constitue assurément l’un des sommets, tant par son inspiration que son ampleur et les moyens mis en œuvre (7 mouvements : Allegro risoluto / Moderato cantabile / Allegro / Prélude / Variations / Adagio / Finale).  Brillant organiste, internationalement reconnu, Frédéric Ledroit restitue admirablement cette œuvre grandiose, non moins que les Trois nouvelles pièces (Classique d’hier, Mystique, Classique d’aujourd’hui) et le Scherzo (version de 1872-1887).

Vincent COURTOIS : L’imprévu.  Vincent Courtois, violoncelle.  La Buissonne (www.labuissonne.com) : RJAL 397010.  Distr. Harmonia Mundi.  TT :

Gageure relevée - non sans panache - de consacrer tout un disque au seul violoncelle.  En douze titres, dont onze de sa plume (La Visite étant signé Louis Sclavis), le réputé violoncelliste & compositeur Vincent Courtois (http://violoncelle.free.fr) nous fait ici une éblouissante démonstration de son talent protéiforme.  Pour cellistes, mais point seulement !

Fabien WALLERAND : Art of the Tuba.  Avec le concours de Maréva Bécu (piano), David Defiez (cor), Nicolas Valade (trombone), Michel Godard & Stéphane Labeyrie (tubas).  Indésens ! (www.indesens.fr) : INDE027.  TT : 61’09.

Mille grâces soient rendues à Benoît d’Hau qui, à la tête du label Indésens, publie des répertoires pour le moins méconnus !  Ainsi du présent CD qui - dans l’interprétation de l’extraordinaire tubiste Fabien Wallerand, entouré de quelques brillants partenaires - réunit des œuvres de : Paul Hindemith (Sonate fur Basstuba & piano), Erich Korngold (I wish you bliss, transcription pour tuba & piano par F. Wallerand), David Popper (Begegnung, transcription pour tuba & piano par F. Wallerand), John Stevens (Triangles, pour cor, trombone & tuba / Autumn pour tuba & piano), Roland Szentpali (Allegro fuoco, pour tuba & piano), Aron Romhanyi (Parallels, pour tuba & piano), Michel Godard (Deep Memories, pour trio de tubas) et Fabien Wallerand (Viñales, pour trio de tubas).  Font ici merveille la puissance et le velouté d’un instrument par trop rarement soliste.

Jean-Marc FOLTZ (clarinette), Matt TURNER (violoncelle), Bill CARROTHERS (piano) : To the Moon.  Ayler Records (www.ayler.com) : AYLCD-112.  TT : 50’07.

Il s’agit là d’improvisations autour de dix poèmes extraits de ce Pierrot lunaire d’Albert Giraud qui inspira naguère Arnold Schönberg…  Sans cependant rien de comparable avec le propos du Viennois…  Libres méditations poétiques de trois merveilleux musiciens, quelque peu oublieux ici de leur formation de jazzmen…

Threefold.  Cesarius Alvim (piano), Eddie Gomez (contrebasse), Éric Le Lann (trompette).  Frémeaux (www.fremeaux.com) : LLL 329.

Il s’agit là de la réédition d’un enregistrement légendaire (La Lichère, 1988).  Avec la complicité de l’excellent trompettiste français Éric Le Lann, il réunissait, pour la première fois, le pianiste Cesarius Alvim et le contrebassiste Eddie Gomez.  Parmi les standards interprétés : ‘Round about midnight, Time remembered, All of you, My funny Valentine, Ladies’ Blues, Lover Man…

Jours de vent.  Pierre DIAZ (saxophones & voix) + Trio ZEPHYR : Delphine Chomel (violon & voix), Marion Diaques (alto & voix), Claire Menguy (violoncelle).  La Buissonne (www.labuissonne.com) : RJAL 397009.  Distr. Harmonia Mundi.  TT : 54’45.

Poignantes musiques, inspirées aussi bien du free jazz que du flamenco, émaillées d’enregistrements du premier discours du roi d’Espagne Juan Carlos, d’Eva Perón, de Francisco Franco, de « la Pasionaria » Dolores Ibárruri…  Un disque d’anthologie, à écouter et écouter encore !

Pour Jacques Tati.  Michel Glasko, accordéon.  Corélia (www.corelia-musique.com) : CC874729.  Distr. Socadisc.  TT : 39’16.

Nostalgie, nostalgie… C’est, en effet, à l’accordéon que ces mélodies de Jean Yatove, Alain Romans, Franck Barcellini et Francis Lemarque trouvent leurs plus émouvantes résonances.  Sous les doigts d’un fin musicien, 15 titres sont ici empruntés à, notamment, Jour de fête, Les vacances de Monsieur Hulot, Mon Oncle, Playtime…

Francis Gérimont.

Lettere Amorose.  Airs baroques italiens de Filipo VITALI, Sigismondo D'INDIA, Claudio MONTEVERDI, Giulio CACCINI, Tarquinio MERULA, Biagio MARINI, Girolamo KAPSBERGER, Barbara STROZZI.  Magdalena Kožená, mezzo-soprano.  Private Musicke, dir. Pierre Pitzl.  Universal/DG : 477 8764. TT : 61'34.

C'est à un intéressant récital que nous convie Magdalena Kožená, regroupant des airs anciens italiens sous le thème du chant d'amour du XVII^e siècle.  Si Monteverdi en est un réputé illustrateur, bien d'autres de ses contemporains s'y seront aussi essayé, dont les noms nous sont moins familiers, tels Kapsberger, Marini, Merula ou Strozzi.  Tous dépeignent une variété d'émotions, la sensualité, la désespérance amoureuse, la passion, l'agréable douleur de l'amour, mais aussi sa morbidité voluptueuse.  La composition musicale est variée, apportant parfois des sonorités hardies dans leurs dissonances, d'un « modernisme » étonnant pour l'époque.  Comment ne pas être séduit par la beauté opalescente de la Canzonetta spirituale sopra alla nanna de Tarquinio Merula, qui tient de la berceuse et de la lamentation, où la Vierge Marie sur un rythme lancinant qui va s'amplifiant et s'animant, décrit les tourments que subira l'Enfant Jésus.  Le traitement instrumental qui fait usage des cordes pincées ne le cède en rien à la déploration sereine de la voix.  Ou encore par cette mini-cantate de Barbara Strozzi, compositrice issue d'une grande famille vénitienne, qui évoque une passion qui peu à peu s'enferme dans la douleur presque avec volupté.  Partout dans ces pièces l'accompagnement musical impose sa simplicité tout comme éclate la liberté de l'expression quant à l'ornementation, laissée à la discrétion de l'interprète.  Magdalena Kožená dit se faire plaisir à l'exécution de ces pièces qu'elle possède de longue date et a maturées lors de tournées en concert.  Ses partenaires de Private Musicke, ensemble composé de huit musiciens experts dans ce répertoire, lui procurent un élégant écrin.  Tout comme ils excellent dans un choix de pièces instrumentales qui complètent harmonieusement le programme vocal.

Domenico SCARLATTI : 18 Sonates.  Alexandre Tharaud, piano.  Virgin Classics : 5099964201603.  TT : 68'05.

Lorsqu'on évoque les sonates de Domenico Scarlatti, jouées autrement qu'au clavecin, on pense aux pièces hyper-virtuoses d'une légèreté primesautière immortalisées au disque par Vladimir Horowitz.  Certes.  Mais tout n'est peut-être pas dit… On découvre qu'il y a autre chose que des morceaux proches de l'exercice, aptes à mettre en valeur la vélocité de l'interprète et un implacable doigté, parmi les quelque 550 pièces écrites par ce maître italien qui passa une large partie de son existence au Portugal puis en Espagne, à la Cour de Philippe V et de Ferdinand VI.  Ces courts morceaux faits d'un seul mouvement, avec un voire deux thèmes, révèlent souvent une vraie profondeur de ton, proche de l'air chanté.  Quel instrument choisir : clavecin ou piano ?  Pour Alexandre Tharaud, il n'est pas douteux que cette musique « sonne de manière évidente sur un piano moderne ».  On peut même penser sans exagérer qu'avec la sonorité claire et chaude de cet instrument, ces pièces libèrent une certaine modernité.  Le pianiste a sélectionné 18 sonates, réunies autour de plusieurs thèmes : l'inspiration espagnole bien sûr, les sonates de cour, les pièces virtuoses, les sonates au climat plus intérieur.  Aussi le programme, justement contrasté, évite-t-il l'écueil de la monotonie.  L'interprétation est un chef-d'œuvre d'intelligence et de goût : imagination dans le phrasé, art de ménager les silences ou de modifier imperceptiblement le débit, variation subtile de l'intensité.  D'esprit aussi : Tharaud y distille un humour discret dans l'attaque des notes pointées ou l'exécution d'appogiatures finement dessinées, dans la façon de ménager les gruppettos de notes délicieusement martelées.  Un sentiment de joie envahit l'auditeur à l'heure des prestes cavalcades des doigts parcourant comme affolés le clavier.  L'instrument, un Yamaha, sonne glorieusement.  Une prise de son large et d'une parfaite clarté, effectuée dans la mythique salle de l'Heure Bleue de La Chaux-de-Fonds, complète le bonheur de ces exécutions de référence.

Cleopatra.  George Frideric HANDEL : Arias tirés de Giulio Cesare.  Natalie Dessay, soprano.  Avec Sonia Prina, contralto & Stephen Wallace, contre-ténor.  Le Concert d'Astrée, dir. Emmanuelle Haïm.  Virgin Classics : 907872 2 5. TT : 65'32.

En conjonction avec les représentations de Giulio Cesare au Palais Garnier, paraît une anthologie des airs et récitatifs qui composent le rôle de Cléopâtre, chantés par Natalie Dessay.  Si elle est incomplète puisque, nonobstant le duo final (où César est ici incarné par la contralto Sonia Prina), elle ne compte que six des huit airs dévolus à la reine d'Égypte (deux de ses airs du I^er acte n'y figurent pas curieusement), elle offre en revanche deux airs alternatifs, ou plutôt originaux, tels que Haendel les avait imaginés pour des situations cruciales dans l'opéra.  Le rapprochement de ces pièces permet de tracer le portrait d'un personnage royal hors du commun comme d'illustrer les diverses facettes d'un rôle qui a peu d'équivalent sur la scène lyrique.  C'est tour à tour la femme ambitieuse, vouée à l'amour, qui met toute son énergie au service de sa stratégie de conquête méthodique de l'empereur romain.  Il n’y faudra pas moins de trois airs, aussi tendres et lascifs que diversifiés dans l'expression du désir amoureux (« Tutto può donna vezzosa », « V'adoro pupille », « Venere bella »).  L'amante qui se prend à son propre piège, celui de l'amour, résolue à défendre celui qu'elle aime dont la vie est menacée (« Se pietà di me ») ; un être désespéré qui pleure César qu'elle croit mort et laisse sa douleur s'exhaler (« Piangerò », une des inspirations les plus envoûtantes du musicien qui oppose une section centrale très agitée à une première partie et au da capo conçus en forme de déchirant lamento) ; enfin la gagnante, savourant son triomphe dans l'air acrobatique final où les colorature embrasent une âme enivrée de joie (« Da tempeste »).  Natalie Dessay est vraiment à l'aise dans ces habits baroques, presque plus dans la veine de déploration tragique que dans la brillance stellaire ; ce que confirme la représentation - même si, lors de l'enregistrement, le travail avec le metteur en scène Laurent Pelly n'avait pas encore porté ses fruits.  La ligne de chant est immaculée, l'ornementation d'un goût sûr et la réserve vocale sans limite.  Emmanuelle Haïm la soutient généreusement, chacune des deux complices aimant à dire que le travail avec l'autre relève du vrai bonheur musical.

Robert SCHUMANN : Humoreske op. 20.  Studien für den Pedalflügel op. 56.  Gesänge der Frühe, op. 133.  Piotr Anderszewski, piano.  Virgin Classics : 94 8625 2 2.  TT : 63'35.

C'est à des compositions pianistiques peu fréquentées que Piotr Anderszewski consacre ce nouveau CD.  Les six parties contrastées qui composent Humoreske op. 20 (1839) alternent vigueur et tendresse, oscillant entre énergie et rêverie ; quoique des indications telles que « rasch » (vif), « hastig » (hâtif), « lebhaft » (animé) ne laissent pas de doute quant aux intentions du musicien d'aller jusqu'à l'extrême du jeu pianistique pour décrire ces états d'humeur indéfinissables pourtant aussi évidents à l'âme allemande que le sont les affeti au cœur italien.  Cette voix intérieure qui se nourrit de l'amour pour Clara, livre en tout cas, une œuvre complexe autant pour l'exécutant que pour l'auditeur.  Schumann a écrit ses Études op. 56 pour le piano-pédalier, curieux instrument qui fit son apparition dans les années 1840 et dont il devait faire l'acquisition.  Dotant le piano d'un pédalier situé sous les pédales de l'instrument, le système permettait d'actionner les notes les plus graves afin de tenter de retrouver les sonorités profondes de l'orgue.  Sous-titrées « Six études en forme de canon », elles sont un hommage au vénéré Jean-Sébastien Bach dont il cherche à illustrer le style contrapuntique.  Derrière ce qui peut sembler des exercices, s'exhale une réflexion spirituelle. On y admire, là aussi, la variété des climats : la douceur, la rigueur ascétique, voire l'esprit.  Anderszewski en a assuré l'arrangement pour un piano moderne. Enfin, les Gesänge der Frühe - Chants de l'aube - op. 133, ultimes confidences livrées par Schumann au piano, ont été composés en 1853, alors qu'il venait de rencontrer le jeune Brahms, et peu avant son internement.  Il dira lui-même de ces pièces que « plus qu'une description pittoresque, elles sont l'expression d'un sentiment ».  Cette approche de l'aube a quelque chose de métaphysique, au-delà du réel.  D'où l'extrême sobriété d'expression qui les caractérise, leur extraordinaire lucidité depuis les accords recueillis de la première pièce jusqu'à la sérénité de la dernière, en passant par divers climats d'un lyrisme débordant.  Piotr Anderszewski livre de ces œuvres des exécutions intenses, au spectre sonore très large, jouant un large écart de dynamique avec un usage généreux de la pédale forte ; ce qu'accentue une prise de son de concert mettant en exergue la résonance de l'instrument dans le grave.

Charles GOUNOD : Messe de Requiem en ut majeur, pour quatre solistes, chœur mixte & orchestre.  Messe chorale sur l'intonation de la liturgie catholique en sol mineur, avec orgue d'accompagnement & grand orgue.  Charlotte Miller-Perrier, soprano.  Valérie Bonnard, alto.  Christophe Einhorn, ténor.  Christian Inmler, basse.  Ensemble vocal et instrumental de Lausanne, dir. Michel Corboz.  Mirare : MIR 129.  TT : 63'03.

Charles Gounod ne s'est pas seulement illustré à l'opéra.  Cet artiste profondément croyant se sera également consacré à la musique religieuse, production qui mérite à être connue car elle est aussi abondante que riche : une vingtaine de messes, dont quatre de Requiem.  Le Requiem en ut majeur est l'ultime témoignage d'un musicien au faîte de la gloire qui rassembla encore une fois ses forces pour s'épancher devant la disparition d'un petit fils chéri.  Écrite entre 1889 et 1891, il la remaniera jusqu'à son dernier souffle, en 1893, et ne verra pas sa première exécution.  Elle devait connaître, à côté de sa version d'origine pour grand orchestre, diverses transcriptions confiées par le vieux maître à l'ami fidèle Henri Busser, dont celle intimiste, objet de la présente exécution, pour quintette à cordes, harpe, chœur, solistes & orgue.  De ces pages souvent sublimes s'exhale une ferveur certaine, plus près du chant d'espérance que de la déploration douloureuse, emplie d'humilité, de sérénité aussi devant la mort.  Le soutien de l'orgue qu'enrichissent quelques cordes, la transparence de la harpe apportent au discours une simplicité qui ne faillit pas un instant, empreinte de douceur résignée.  Même les pages plus grandioses du Dies Irae se gardent de toute emphase. Dans sa quête consolatrice et chargée d'espérance, la pièce annonce les climats apaisés des Requiem de Fauré et, plus près de nous, de Duruflé.  En contraste, la Messe chorale sur l'intonation de la liturgie catholique qui appartient au style des messes dites solennelles, marque la rencontre de Gounod avec le chant grégorien.  C'est Charles Bordes, alors directeur des Chœurs de Saint-Gervais, qui le lui fit découvrir. D'inspiration, certes plus convenue que le Requiem en ut majeur, elle n'en possède pas moins une forte religiosité.  La qualité légendaire de l'Ensemble vocal et instrumental de Lausanne, sous la houlette de l'infatigable Michel Corboz, leur confère une vraie dignité d'accents.

Hector BERLIOZ / Franz LISZT : Symphonie fantastique op. 14, « Partition de piano par Franz Liszt ».  Franz LISZT : Trois extraits des Années de Pèlerinage : Chapelle de Guillaume Tell ; Au bord d'une source ; Vallée d'Obermann.  Roger Muraro, piano.  Universal/Decca : 476 4176.  TT : 63'03.

On ne pouvait imaginer pour le lancement de l'année Liszt disque plus original.  Enfin nous est offerte une version digne de ce nom de la célèbre transcription par Liszt de la Symphonie fantastique de Berlioz qui arrachera ce mot à Robert Schumann : « De quelle main hardie tout cela est exécuté ».  En fait, le virtuose a transcrit la symphonie de son illustre collègue et ami français, créée en 1830, à partir d'une révision opérée par celui-ci en 1832.  Transcription, réinterprétation ou arrangement ?  De tout cela un peu sans doute.  Le titre porte clairement la mention « Partition de piano par Franz Liszt ».  Il y multiplie à l'envi les traits les plus hardis, osés et ardus, allant jusqu'aux limites des capacités de l'instrument pour retrouver le grain, la richesse, la fulgurance d'une pièce déjà en soi pourvue d'une orchestration des plus complexes.  Le résultat est confondant de justesse, non seulement par la restitution de l'esprit de fantaisie qui parcourt les cinq parties de l'œuvre, mais encore quant au respect de la lettre d'un texte musical si chargé d'atmosphères contrastées.  La vision qu'en donne Roger Muraro laisse sans voix.  On sait la rigueur de cet interprète, formé auprès d’Yvonne Loriod, tôt plongé dans l'univers épuré de Messiaen, mais aussi habitué des couleurs ravéliennes.  Outre la maîtrise des difficultés techniques proprement affolantes que Liszt a accumulées, dont les brusques changements de tempo ne sont pas la moindre caractéristique, on est frappé par la générosité d'un pianisme qui, confronté à un flot musical luxuriant et à toute la passion que cèle cet « Épisode de la vie d'un artiste », rassemble tous les sortilèges de son art pour en dessiner les vastes climats et en recréer les ambiances (ultimes pages de Scène aux champs où transpire tout le pressentiment d'un drame proche ; phénoménal emballement du discours dans le développement de Songe d'une nuit de Sabbat).  Trois pièces de Liszt ouvrent et concluent ce programme peu ordinaire, tirées des Années de Pèlerinage – Suisse.  Là encore, on est conquis par la manière de Muraro dispensant les sonorités de fanfare de la Chapelle de Guillaume Tell, le caractère quasi liquide de Au bord d'une source, ou encore le petit drame que constitue la Vallée d'Obermann, où comme dans la grande Sonate, les diverses séquences s'organisent comme en une arche sonore.

Johannes BRAHMS : Quintette pour piano & cordes en fa majeur, op. 34.  Zwei Gesänge pour mezzo-soprano, alto & piano, op. 91.  Andrea Hill, mezzo-soprano.  Jean-Frédéric Neuburger, piano.  Quatuor Modigliani.  Mirare : MIR 130.  TT : 53'.

Ce qui passe pour l'une des plus belles pages de la musique de chambre du XIX^e siècle a connu une genèse étonnante : conçue à l'origine pour le quintette à cordes, puis remaniée en sonate pour deux pianos, il fallut les douces exhortations de Clara Schumann et les conseils avisés de Hermann Levi pour que le compositeur se laisse convaincre d'en livrer une forme nouvelle combinant le quatuor à cordes et le piano.  L'interprétation qu'en livrent les Modigliani et Jean-Frédéric Neuburger est nette, loin des brumes romantiques nordiques qui, après un début mesuré, offrent un premier mouvement décidé, bien articulé, puis un andante d'une vraie profondeur.  Le scherzo est fiévreux, la rythmique résolue emportant les vagues successives des cordes en une progression irrésistible.  Après une ample introduction, le finale propulse le discours crescendo jusqu'à l'ultime presto fugué, délivré presque fiévreusement.  Paramètre délicat en ce type de formation, l'équilibre piano-cordes est parfaitement assuré ; impression que devait confirmer leur concert à la Folle journée de Nantes.  Le disque est complété par les Deux Chants op. 91 pour voix de mezzo accompagnée de l'alto et du piano.  Cette alliance de timbres, aux couleurs automnales, épouse idéalement le dire brahmsien.  Il s'agit en fait d'un duo entre la voix et l'alto que le piano se contente de soutenir discrètement.  Dans le premier, Désir apaisé, s'épanche la mélancolie familière au musicien, l'alto enveloppant la voix.  Le second, Berceuse sacrée, évoque une nostalgie poignante, emplie de recueillement et nantie de ce balancement caractéristique typique de bien des œuvres de Brahms.  L'interprétation doucement émue de la jeune Andrea Hill ne le cède en rien à ses illustres collègues et l'alto de Laurent Marfaing est un modèle de délicatesse.

Jennifer HIGDON : Concerto pour violon (dédié à Hilary Hahn).  Piotr Ilitch TCHAIKOVSKY : Concerto pour violon op. 35.  Hilary Hahn, violon.  Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, dir. Vasily Petrenko.  Universal/DG : 477 877.  TT : 68'16.

Couplage original pour ce nouveau disque de la violoniste Hilary Hahn. La compositrice américaine Jennifer Higdon (née en 1962) a écrit à son intention, en 2008, un concerto qui ne manque pas d'audace.  D'une modernité qu'on dira tempérée, il ne cherche pas à faire étalage de virtuosité ostentatoire.  Le soliste y est au contraire traité de manière intimiste.  Le premier mouvement, sous-titré « 1726 », introduit par une simple ligne de violon solo, développe des atmosphères variées avec usage modéré des percussions, dans lesquelles la partie de violon évolue entre fébrilité (glissandi) et lyrisme.  Le second, « Chaconni », d'ordre méditatif, en une lente progression, se signale par son écriture mélodieuse, en particulier pour la section des bois (Higdon est elle-même flûtiste) et l'intérêt porté au registre grave de l'instrument soliste.  Le finale, « Fly forward », progresse comme une sorte de mouvement perpétuel sur un rythme jazzy dans lequel s'inscrit la broderie du violon.  La dédicataire en livre une exécution qui semble en déjouer la complexité.  Sa vision du concerto de Tchaïkovski, par contre, ne laisse pas d'intriguer, qui se signale par une approche feutrée, là aussi très chambriste ; ce qui, à force de recherche de raffinement, en vient à faire perdre de sa vigueur au dialogue avec l'orchestre.  Dès son entrée, le violon est comme retenu, et la cadence du premier mouvement bridée.  Le phénomène s'accentue au suivant : la fameuse « Canzonetta », marquée andante, devient un adagio, ralentissement allant de pair avec l'emphase portée sur le ppp.  Les choses semblent (re)prendre un cours plus habituel au finale.  Mais de nouveau le ralentissement impose sa prégnance dès le deuxième thème.  Dommage, car la sonorité de Hilary Hahn est profonde et s'accompagne d'une réelle finesse du trait dans le registre aigu.  On ne sait qui du chef russe ou de la soliste a imposé une telle lecture hypnotique ; impression renforcée par l'acoustique sèche de la salle dans laquelle a été effectué l'enregistrement.  La direction de Vasily Petrenko est au demeurant plus méticuleuse qu'inspirée.

Gustav MAHLER : Des Knaben Wunderhorn.  Thomas Hampson, baryton.  Wiener Virtuosen.  Universal/DG : 477 9289.  TT : 67'04.

Bien des années après ses interprétations des cycles de lieder avec orchestre de Mahler, en compagnie de Leonard Bernstein, Thomas Hampson revient à cet univers qui le hante.  Il aborde cette fois Le Cor merveilleux de l'enfant, ensemble de lieder dont la composition s'est étalée sur plusieurs années, et non un cycle à proprement parler.  Plusieurs thématiques s'y côtoient, le monde des fables et paraboles, les destins guerriers, les images de la nature, l'humour sarcastique.  Fruit de méticuleuses recherches et de mûres réflexions, Thomas Hampson en propose une version inédite, puisque confiée à une formation de chambre.  Mahler n'avait-il pas laissé entendre à Richard Strauss sa volonté de faire jouer ces pièces avec un orchestre allégé ?  Le dire du monde de l'enfance mais aussi l'univers satirique s'y prêtent tout naturellement.  Mais ce que souligne cette approche, c'est l'extraordinaire orchestration que le compositeur a conçue pour ces pièces dont les climats divers ressortent de  combinaisons instrumentales originales, de la finesse du discours comme de sa transparence.  Ainsi en est-il des premières mesures du Prêche de Saint Antoine aux poissons, mystérieux et envoûtant, ou des bois préludant le lied Où sonnent les belles trompettes.  La vision de Hampson est on ne peut plus attachante : un timbre immédiatement séduisant qui, au fil des ans, n'a rien perdu de ses belles harmoniques, un legato infaillible, un art suprême d'épouser l'idiome fantastique, d'insuffler une émotion à fleur de peau ; et ce malgré quelques sollicitations çà et là qu'on oublie vite tant le propos est sincère et profondément musical.  Il favorise aussi des tempos plutôt retenus, par exemple dans Revelge dont la marche se veut plus soutenue.  Solistes de l'Orchestre philharmonique de Vienne, les Wiener Virtuosen portent fièrement leur appellation, et leur jeu est un régal, magnifié par un enregistrement d'une étonnante présence.

Jean-Pierre Robert.

POUR LES PLUS JEUNES

L’enfant-porte.  D’après un conte de Yannick Jaulin (www.lenfantporte.fr).  Direction artistique : Francis Cabrel & Michel Françoise.  Chandelle Productions : 953652.  Distr. Sony Music.

Fruit de la session Jeune public des Rencontres d’Astaffort (initiées par Francis Cabrel & organisées par l’association Voix du Sud), ce délicieux conte - dont les musiques ont été composées par divers participants – met en scène, au pays des Feuns, le jeune Mute, enfant joyeux et rêveur, mais parfaitement inadapté à la société de consommation gouvernée par les diaboliques époux Luh, qui ont pris le pouvoir et… aboli l’école.  Mais Mute - refusant d’acquérir suppositoires à hélice, aspirateur à papillons ou autres scaphandres pour poissons rouges – sauvera le monde.  Aux côtés de Francis Cabrel - qui interprète notamment la chanson On est tous des Feuns -, Henri Dès & Yannick Jaulin proposent chacun une fin différente…

Francis Gérimont.

DVDs

Giuseppe VERDI : Simone Boccanegra.  Opéra en trois actes et un prologue.  Livret de Francesco Maria Piave (version de 1881).  Plácido Domingo, Marina Poplavskaya, Ferruccio Furlanetto, Joseph Calleja, Jonathan Summers, Lukas Jakobski.  Royal Opera Chorus.  Orchestra of the Royal Opera House, dir. Antonio Pappano.  Mise en scène : Elijah Moshinsky.  2DVDs EMI Classics : 9 17825 9 5.  TT : 171'.

Ce DVD capte l'assomption du ténor Plácido Domingo dans le rôle de Simon Boccanegra, dévolu au baryton, et ce sur la scène du Royal Opera de Londres, lieu de tant de ses succès verdiens.  Si la production bien connue de Elijah Moshinsky date quelque peu maintenant, par son parti pris de focalisation sur quelques tics conventionnels (le personnage de Paolo érigé en Iago avant la lettre), elle a du moins l'avantage de dessiner des personnages bien réels et de présenter une version lisible d'une intrigue où le politique rencontre le drame humain.  La prise de vues, quoique peu imaginative dans l'échantillonnage des plans, capte des atmosphères dont la force dramatique se nourrit d'une direction d'acteurs juste, alors que l'œil se satisfait de la simplicité d'une décoration que la somptuosité des costumes situe historiquement. Antonio Pappano livre une exécution intense d'une des pièces les plus inspirées de Verdi, toute d'éclats épiques, de chaud lyrisme aussi.  Ainsi que l'est cette évocation palpable de la brise marine qui introduit des passages débordants de poésie tels le premier air d'Amelia Grimaldi ou le début de la scène finale.  Les climax des scènes d'ensemble ont un formidable impact.  Plácido Domingo se coule dans le personnage du doge de Gênes avec une aisance confondante et une voix quasi intacte.  Son timbre mordoré confère au personnage une dimension héroïque et lui arrache au finale des accents déchirants dignes d'Othello.  La sublime phrase verdienne est distillée avec un art consommé de la nuance et cette générosité du geste musical qui distingue toutes ses incarnations théâtrales.  Il a en Ferruccio Furlanetto, Fiesco, un adversaire à sa mesure.  Les plus belles images resteront celles qui les réunissent, où l'on côtoie vraiment le tragique.  Les autres membres du cast sont à la hauteur de l'événement, n'était la pâle Amelia de Marina Poplavskaya, bien modeste lorsqu'on se souvient de l'aura de ses devancières dans cette même production.

Jean-Pierre Robert.

Ida Haendel & Misha Dacić live in Miami International Festival 2009.  Robert SCHUMANN : Sonate n°2 en ré mineur op.121 pour piano & violon.  George ENESCU : Sonate n°3 en la mineur op.25 pour piano & violon.  Pablo de SARASATE : Airs gypsys op.20 n°1.  VAI (www.vaimusic.com) : 4529.  TT : 66’ + 59’ (bonus).

Née en Pologne en 1928, mais britannique de nationalité, la violoniste Ida Haendel fut une enfant prodige.  Magnifique vieille dame aujourd’hui, avec plus de 70 ans de concerts derrière elle, elle interprète ici – technique intacte & splendeur de la sonorité – Schumann, Enesco (dont elle fut notamment l’élève) et Sarasate.  Interprétations respectueuses des textes, non exemptes toutefois de sécheresse, aux accents parfois inaboutis.  Le pianiste serbe Misha Dacić est ici en parfaite synergie avec la célèbre violoniste.  En bonus : fort émouvante conversation de Mrs Haendel avec Giselle Brodsky, directrice-fondatrice du Festival de Miami.

Francis Gérimont.

Giuseppe VERDI : Simon Boccanegra.  Plácido Domingo (Simon Boccanegra), Marina Poplavskaya (Amelia), Ferruccio Furlanetto (Fiesco), Joseph Calleja (Gabriele Adorno), Jonathan Summers (Paolo), Lukas Jakobski (Pietro), Orchestre et Chœur du Royal Opera House, Covent Garden, dir. Antonio Pappano. Mise en scène : Elijah Moshinsky. Réalisation filmée : Sue Judd.  2DVDs EMI : 9 178 5 9 5.

Ayant eu l’immense privilège d’être associée à la résurrection de cet opéra sous la conduite inspirée de Claudio Abbado et Giorgio Strehler, production aujourd’hui inscrite dans le patrimoine légendaire de l’interprétation verdienne, on s’avoue encline à ne rien supporter d’autre que de voguer sur les sommets, dès lors qu’il s’agit de Simon Boccanegra, ouvrage qui connut tant de vicissitudes.  Louons d’emblée les contributions projetant le présent spectacle au rang des réussites : le travail orchestral d’Antonio Pappano, sa gestion des phrasés et de l’agogique, tout ce qui gouverne la puissance évocatrice et psychologique de cette partition admirablement orchestrée, l’excellence des musiciens de Covent Garden, n’appellent que des éloges.  Et puis, et puis… non, non, vous n’avez pas lu d’erreur dans la distribution recopiée ci-dessus : l’homme aux 130 rôles de ténor, le grand Plácido Domingo, a voulu réaliser une de ses dernières prises de rôle scéniques (mais pas la dernière, car il semble infatigable !) avec le personnage du Doge de Gênes, typique du “baryton-Verdi”.  On éprouvait une certaine appréhension, tant ce rôle exige d’autorité, donc de couleur dramatique favorisée par une puissante assise grave.  Il s’y est attelé à Berlin puis New York, et – ô stupeur – notre ex-ténor s’impose avec une maîtrise vocale, une fermeté d’intonation intactes à 69 ans et demi (l’enregistrement a été réalisé à partir des représentations londoniennes des 2, 5, 13 juillet 2010) !  Il est vrai qu’à 18 ans, il se présentait comme baryton : on le convainquit alors de se convertir au registre de ténor (ce qui n’était pas idiot, à voir la carrière qui s’ensuivit !), il se mesura plus tard avec succès au répertoire de Heldentenor wagnérien, accompagnant sagement l’évolution de son organe avec l’âge, et il s’avère aujourd’hui parfaitement crédible, imposant même, dans l’un des rôles les plus emblématiques de baryton.  Certes, on reconnaît la couleur solaire de son timbre, mais il se pare d’une si riche expérience humaine que toute la psychologie du protagoniste est portée à des sommets de présence émotionnelle, étayée par le jeu scénique très chaleureux de l’artiste.  Le contraste de couleur n’en ressort que plus fortement avec l’autre baryton de l’opéra, le noir Paolo, qui bénéficie de l’admirable caractérisation vocale de Jonathan Summers ; scéniquement, on reprochera à celui-ci d’en faire des tonnes dans le genre “traître de tréteaux” ; son sbire, Pietro, se comporte plus sobrement sous les traits et la voix (excellente, elle aussi) de Lukas Jakobski.  La ravissante moscovite Marina Poplavskaya et le ténor Joseph Calleja enrichissent cette distribution de leur technique vocale parfaitement posée ; d’un point de vue visuel, ce dernier se meut… comme un ténor, c’est tout dire, mais, bah, on en a vu d’autres…  La surprise moins gratifiante vient de Ferruccio Furlanetto en Fiesco : ce n’est pas qu’à 61 ans, il semble plus fatigué que Domingo – encore qu’il détonne un instant dans l’acte III -, mais, à jouer d’“intentions” accumulées en mosaïque faisant perdre la ligne directrice de son personnage, il ne rend pas la grandeur de cet altier patricien ; on garde un souvenir inoubliable de l’impassibilité avec laquelle Nicolaï Ghiaurov imposait le respect par la noblesse de son comportement scénique, autant que par sa voix au ton irréfragable.

Venons-en à la mise en scène d’Elijah Moshinsky : on apprécie franchement que soit respecté le cadre d’époque d’un drame historique inspiré de personnages réels, au lieu de se voir infliger quelque “transposition” dans (au choix) une clinique psychiatrique, un bouge pour marlous, une caserne nazie, ou tout autre élucubration au gré des aberrantes fantaisies de metteurs en scène en mal de créativité.  On souffre, en revanche, de la géométrie très angulaire, carrée, rigide, des décors, qui entre en contradiction avec le souffle marin et la vibration de la nature que communique si éloquemment l’orchestre de Verdi ; notre horizon bute ici contre des murs, alors que la musique ouvre vers un espace ondoyant.  La mise en scène de Strehler est restée dans les mémoires, non seulement par sa beauté, sa direction d’acteurs, mais parce que la présence de la mer et de la brise y était “palpable”, donc en harmonie avec la musique.  Quant à la Salle du Conseil, elle manque de strates scéniques permettant d’étager les divers plans de cette action complexe et spectaculaire ; elle condamne de ce fait le Doge à jouer au même niveau que ses adversaires et que les masses populaires, le privant d’un atout visuel pour imposer son autorité tour à tour désabusée, souveraine, généreuse, menaçante.  Et puis, pourquoi, à l’acte final, faire entrer Simon comme un malade parkinsonien appuyé sur deux cannes, alors qu’il y a des moyens moins risibles de suggérer la fièvre du poison qui le ronge ?  Mais, cela dit, l’ensemble constitue visuellement un spectacle très honorable.  Au chapitre des bonus, quelques (trop) brèves minutes d’interviews et de répétitions nous introduisent dans les coulisses de la production.

Un dernier détail anecdotique à verser au chapitre de la perception culturelle : si le librettiste Boïto a repris quelques mots de la missive de Pétrarque, il n’en a désigné l’auteur que par la périphrase « Ecco un messaggio del romito di Sorga » (l’ermite de Sorgue), allusion au fait que Pétrarque, après ses imprécations contre l’Avignon papale, se réfugia à partir de 1338 sur les berges de la Sorgue, menant une vie solitaire à Fontaine-de-Vaucluse, d’où il écrivit de fameuses Épîtres.  « Francesco Petrarca » comptant le même nombre de pieds que « romito di Sorga », les responsables de la production ont jugé plus sage de rendre l’allusion directement compréhensible au public moderne.  Inversement, ils ont laissé le mot « Duce » (qui, tout comme « Führer », ne veut rien dire d’autre que « chef » dans les langues respectives) lors d’une réplique de Paolo s’adressant à Simon, alors que Strehler et Abbado avaient préféré le remplacer par « Doge » (même prosodie, là encore), ce titre ayant, postérieurement à Verdi, pris la connotation mussolinienne que l’on sait.

Sylviane Falcinelli.

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