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Hélène de MONTGEROULT.  Vol. 1 : La Marquise et la Marseillaise (9 Études, Sonate en fa# mineur, Fantaisie en sol mineur, Fugue en sol mineur).  Vol. 2 : À la Source du piano romantique (8 Études, Sonate en fa mineur).  Bruno Robillard (Vol. 1), Nicolas Stavy (Vol. 2), piano.  Hortus : 048 + 058.

Sauvée de la guillotine de l’oubli par l’excellent musicologue Jérôme Dorival, auteur d'un livre chez Symétrie et des notices des présents disques, la marquise de Montgeroult échappa à la vraie guillotine en improvisant d’étourdissantes variations sur La Marseillaise devant le Comité de Salut public, ce qui lui valut d’être catapultée professeur de piano lorsque fut bientôt créé le Conservatoire de Paris ; elle est donc précurseur de Louise Farrenc, autre pédagogue-compositrice qui s’illustra dans le même établissement.  Jérôme Dorival n’exagère pas en voyant des anticipations de Chopin, de Schumann, et même de Brahms (Étude n°104), dans les plus modernes des études composées de 1788 à 1810 à destination du Cours complet pour l'enseignement du fortepiano.  Même les Sonates, s’inscrivant plus dans leur logique position historique, entre Mozart et Beethoven, ne sont pas épigonales.  Il y a chez cette audacieuse femme un art de l'imprévu, un dynamisme rythmique, mais aussi une densité (Étude n°110, aussi émouvante qu'un adagio beethovenien), qui font que l’on ne s'ennuie pas un instant à l'écoute de ces disques. Les Britanniques seraient-ils meilleurs « vendeurs », eux qui ont réussi à propulser l’insipide John Field comme précurseur de Chopin, alors que demeurait celé, de ce côté-ci de la Manche, un trésor musical infiniment plus irrigué de sève expressive ?  Les pianistes Bruno Robillard et Nicolas Stavy rivalisent de talent pour nous faire goûter tous les versants de l'inspiration dispensée par une musicienne à la vie romanesque, laquelle s'éleva très au-dessus de ce qui se pratiquait dans la musique française de ce temps.

 

Sylviane Falcinelli

 

Marc-Antoine CHARPENTIER (1643-1704) : Motets pour le Grand Dauphin. Alpha (Outher S.A. 27, rue du Chêne, B-1000 Bruxelles. stephanie.flament@alpha-prod.com) : 138.  TT : 67’31.

Ce disque - très bien présenté, avec un remarquable livret tant pour le contenu que pour l’illustration, avec traductions des textes latins en français et en anglais - regroupe des Motets pour le Grand Dauphin de Marc-Antoine Charpentier interprétés par l’Ensemble Pierre Robert, sous la direction de Frédéric Désenclos.  D. Grenier rappelle que, « fait Officier de l’Ordre du Saint-Esprit fondé par Henri III, en raison de l’importance de la Pentecôte dans la vie de ce roi, le Grand Dauphin était d’office associé à la gloire et à la lumière royales célébrées en musique par le compositeur. »  Ces motets comprennent tout d’abord la Precatio pro filio Regis (H. 166) s’inspirant du psaume Deus judicium Regi da attribué au Roi David.  Ce psaume prédit le Royaume futur du Christ comme « devant être juste, pacifique, florissant et heureux », comme celui du Grand Dauphin.  Un motet particulièrement douloureux célèbre Marie-Madeleine, un autre est une supplication pour les défunts adressé à la Vierge ; enfin, le Psaume 42 Quem admodum desiderat cervus, baigne à la fois dans la douleur et l’espoir.  Une autre pièce évoque la guérison du Dauphin.  Les pièces d’orgue : Fugue sur les anches, Fond d’Orgue, Tierce en taille, Fugue de L. Marchand, interprétées à l’orgue Le Picard/Thomas de la Basilique de Tongres (Belgique) - par Frédéric Désenclos - assurent une pause instrumentale très bienvenue entre les divers motets.

 

Johann Sebastian Bach : Wo Gott der Herr nicht bei uns hält. Das neu gefundene Orgelwerk : Choralfantasie BWV 1128.  Rondeau Production (mail@rondeau.de) : ROP 6023.  TT : 49’50.

Ce disque comprend des œuvres pour orgue et vocales, toutes reposant sur des thèmes de chorals luthériens et interprétées à Leipzig par l’organiste Ullrich Böhme et le célèbre Thomanerchor, l’Orchestre du Gewandhaus et des solistes du Chœur de St Thomas, tous placés sous la direction du Cantor, Georg Christoph Biller.  Le programme a la particularité de révéler une Fantaisie chorale (BWV 1128) de J. S. Bach, composée vers 1707-1708 à Mühlhausen et jusqu’ici inconnue, sur le cantus firmus du Choral : Wo Gott der Herr nicht bei uns hält.  Il est d’abord interprété à l’orgue d’après la tablature de Elias Nicolaus Ammerbach (1530-1597) - ancien organiste de St Thomas -, suivie de la version vocale de Johann Hermann Schein (1586-1630) - Cantor à cette même église —, puis de celle de J. S. Bach, récemment découverte. Parmi d’autres œuvres associées à l’église St Thomas, figurent notamment le célèbre « Choral » dit « de Luther » (en fait, Psaume 46), donnant lieu à des imitations, entrées successives…  Wilhelm Rust (1822-1892) - organiste et Cantor de St Thomas - est également représenté.  La Cantate éponyme de J. S. Bach (BWV 178) pour chœur, deux hautbois, deux violons, alto et basse continue, figure à la fin de ce disque, commençant par le chœur : Wo Gott der Herr nicht bei uns hält, faisant alterner des chœurs, récitatifs, airs, et le choral conclusif : Die Feind sind all in deiner Hand.  Le succès de cette réalisation exceptionnelle en revient au travail vocal très précis du Thomanerchor, sous la direction avisée de G. Chr. Biller, et à l’excellent organiste de St Thomas, Ullrich Böhme qui a, entre autres, le mérite de créer cette œuvre : un événement discographique.

 

Hélène de MONTGEROULT (1764-1836) : À la source du piano romantique.  Études, Sonate.  Hortus (2, rue Diderot, 92600 Asnières. editionshortus@wanadoo.fr) : 058. Distr. Codaex.  TT : 57’31.

Voici un programme pédagogique rédigé par Hélène de Montgeroult pour l’enseignement du fortepiano.  Elle traite les deux formes en usage à l’époque romantique : Études et Sonate.  Née à Lyon en 1764, elle est connue comme étant « la merveille de son âge ». Si elle ne se produisait pas en public, elle jouait néanmoins pour ses amis, à Paris où elle passait l’hiver.  Elle avait un réel talent pour l’enseignement, et B. Sarrette la considérait comme « le plus grand professeur de piano » en France.  Elle est la seule femme nommée professeur de première classe au Conservatoire chargée de la classe de piano hommes.  À l’instar des Études de Stephen Heller (pour le piano), elle mise sur les difficultés techniques et musicales, la grande maturité des interprètes et spécule sur la valeur expressive des silences.  Chacune des Études est particulièrement instructive pour des tempi divers, le rubato, le passage du pouce, le jeu perlé, la conduite de la basse, mais aussi la mélodie expressive, la structure et les thèmes…, le tout baignant dans une atmosphère romantique naissante.  Toutes ses exigences sont fidèlement remplies par le pianiste Nicolas Stavy qui a signé un beau document pédagogique et artistique mettant en valeur les sonorités du fortepiano. Excellente initiative des éditions Hortus.

 

Der junge Ludwig van Beethoven in Wien 1795-1800.  Charisma Musikproduktion (info@charisma-cd.de) : Clavier 4.  TT : 79’05.

Sous le titre : Le jeune Ludwig van Beethoven à Vienne, Gerrit Zitterbart - soliste et chambriste, professeur de piano au Conservatoire supérieur de musique et de théâtre de Hanovre -, présente, au pianoforte Heinrich Ernst Fessel (Dresde, ca 1795-1800), une sélection de quinze œuvres assez brèves composées par Beethoven entre 1795 et 1800, accompagnée de commentaires allemands, avec traduction anglaise et française, comprenant des analyses très détaillées de chaque pièce et de ses particularités stylistiques.  Il propose des Variations, une Bagatelle, des Sonates en deux mouvements, des Capriccio, et des pièces intitulées : Allegretto ou encore Andante cantabile, Rondo : Allegro.  Ce disque s’impose par l’intelligence de la partition, la virtuosité, la précision des attaques, le sens de l’expression juste, et révèle avec bonheur des pages peu connues du jeune Beethoven.

 

Hymnen, Schlachten und Gewitter aus drei Jahrhunderten für orgel.  Musikszene Schweiz, Migros : MGB 6104.  TT : 58’29.

Ce disque, de contenu thématique original, représente trois siècles d’Hymnes, de Batailles et d’Orages pour orgue.  Il regroupe des pages des XVII^e au XX^e siècles, et a pour finalité de révéler la vie musicale suisse dans sa diversité et ses contrastes.  Se produisant sur trois orgues suisses différents, André Manz précise qu’il a réalisé ce disque de musique patriotique « pour le plaisir de jouer des œuvres brillantes, colorées, généralement oubliées », et il ajoute : « Je garde mes distances vis-à-vis du patriotisme en tant que tel, ce qu’explique d’ailleurs le mélange de musique sérieuse et de musique amusante. » Ce programme s’ouvre sur le cantique suisse (Schweizer Psalm) en dialecte alémanique, de caractère assez populaire, écrit sous la forme d’une Fantaisie par J. G. E. Stehle (1839-1915) pour le cinquantième anniversaire de la mort d’A. Zwyssig.  Le futur hymne national suisse est suivi de la Sinfonia col tanto applaudito inno popolare du Padre Davide da Bergamo (1791-1863), d’après l’hymne national autrichien bien connu (Fr. J. Haydn), proche de l’esthétique de l’orgue de Barbarie.  L’ardeur des combats retentit dans La Bataille de Trenton (pour orgue et récitant - Howard Nelson) de James Hewitt (1770-1827) : cette page particulièrement puissante évoque l’armée qui se met en marche, l’appel aux armes, la marche du général Washington, le rassemblement par les trompettes, puis la bataille jusqu’au Traité de capitulation.  Après l’Amérique, l’Hymne des tsars russes fait l’objet de variations composées par Ernst Köhler (1799-1847).  La Fête de la Victoire op.145 n°7 de Max Reger (1873-1916), datant de 1916, n’a pas eu lieu.  En fait, elle combinait l’hymne national allemand Deutschland über alles avec les louanges à Dieu.  Et pour terminer, une page particulièrement descriptive de Basilius Breitenbach (1855-1920) : Fantaisie pastorale et tempête dans les Alpes interprétée à l’orgue de la Hofkirche de Lucerne, avec clavier d’écho, tuyaux de 32 pieds parfaitement indiqué pour évoquer en force une tempête dans les Alpes.  Le remarquable organiste André Manz a réussi une évocation tonitruante, réaliste et impressionnante.

 

GOUDIMEL, SWEELINCK, MARESCHAL : Psaumes de la Réforme.  Hortus (2, rue Diderot, 92600 Asnières. editionshortus@wanadoo.fr) : 064.  TT : 50’24.

Réalisé dans le cadre du 5^e centenaire de la naissance de J. Calvin, ce CD arrive à point nommé, grâce à l’initiative de D. Maes et la contribution suisse de D. Meylan, organiste, chef du chœur La Camerata Baroque et de La Tromboncina (cornets et sacqueboutes).  Des 13 psaumes enregistrés, certains - sortant des sentiers battus, et signés Th. Champion et Cl. Janequin - voisinent avec les grands noms de la Réforme en France : Cl. Goudimel, en Hollande : J. P. Sweelinck et en Suisse : S. Mareschal. Tous exploitent des mélodies traditionnelles (Genève, 1562), encore chantées de nos jours : véritable idiome musical, signe de ralliement des protestants.  Ce disque représente, en fait, une synthèse du point de vue de l’interprétation : chœur, orgue, chœur et instruments ; des styles en usage : contrepoint, note contre note et traitement syllabique ; entrées successives, ornementation.  Deux œuvres instrumentales, en prélude et postlude, encadrent les psaumes.  Un livret du signataire (68 p.), accompagné d’une traduction anglaise de K. Lueders, retrace la genèse du Psautier, la problématique littéraire et musicale des paraphrases, les divers contextes historiques.  Les atmosphères sont très variées : méditation implorante (Ps. 51, Goudimel) ; élan (Ps. 138, Sweelinck). Le Ps. 25 : À toi, mon Dieu, mon cœur monte, présente une intéressante confrontation : d’abord présenté en sa version ornementée pour orgue de S. Mareschal, puis du chœur à l’unisson, enfin en sa version polyphonique plus élaborée par P. de L’Estocart.  Ce florilège démontre la qualité fonctionnelle et la diversité esthétique de Psaumes, à peu près contemporains du Concile de Trente, pouvant donc aussi intéresser les agrégatifs.

 

Johann Sebastian BACH : Intégrale de l’œuvre d’orgue (vol. 6).  Syrius (scam06@wanadoo.fr) : 141421.  Disponible en version 5 canaux.  TT : 78’35.

Helga Schauerte, titulaire de l’orgue de l’Église allemande à Paris, avec les talents qu’on lui connaît, poursuit avec tenacité son intégrale de l’œuvre d’orgue. Elle a judicieusement sélectionné le nouvel orgue André Thomas de l’Église réformée du Bouclier, à Strasbourg : à deux claviers et pédale, totalisant 30 jeux.  Cette manufacture belge a déjà plus de 117 orgues et une quarantaine de restaurations à son actif. L’instrument convient parfaitement à l’interprétation des œuvres du Cantor. Le programme éclectique comprend plusieurs volets : Préludes, Fantaisies, Pastorella, Chorals allemands et a le grand mérite de présenter au grand public une nouvelle œuvre : la « Fantaisie sur le choral Wo Gott der Herr nicht bei uns hält » (aussi révélée récemment par Rondeau Production).  H. Schauerte rappelle que, lors d’une vente aux enchères, les musicologues S. Blaut et M. Pacholke ont acquis une partie de la collection de Wilhelm Rust, ancien Cantor de St Thomas.  Dans le lot, se trouvait un manuscrit certifié authentique, datant de 1705/1710.  Le BWV 1128 lui a été attribué. La plage 3 reproduit, comme il se doit, d’abord le choral harmonisé, puis, plus animée, la Fantaisie éponyme mettant particulièrement en valeur les anches. Le thème apparaît légèrement orné ; le cantus firmus, très affirmé, est accompagné de commentaires décoratifs suivi d’entrées successives bien marquées.  Pour conclure, après un déploiement de virtuosité, cette pièce se termine dans l’apaisement. La célèbre Toccata et Fugue en fa majeur BWV 540 conclusive rehausse encore l’intérêt de ce 6^e volume, avec la redécouverte d’une œuvre et la découverte d’un nouvel orgue strasbourgeois.

Édith Weber

 

Claudio MONTEVERDI : Teatro d'Amore.  Nuria Rial, Philippe Jaroussky, Cyril Autivy, Jan van Elsacker, Joao Fernandes.  L'Arpeggiata, dir. Christina Pluhar.  Virgin Classics : 099923 614000.  TT : 59'46.

C'est un formidable disque que signe Christina Pluhar pour son nouveau contrat chez Virgin. La mode est aux compilations, ce qui a ses limites.  Pas ici, devant programme aussi imaginatif. Des pièces vocales ingénieusement choisies traversées par des morceaux instrumentaux significatifs composent le plus beau des parcours monteverdiens.  L'entrain communicatif, la beauté plastique intense de pages comme le duo final du Couronnement de Poppée ou de riches séquences de madrigaux sont transfigurées par un orchestre dont on sent qu'il est composé de solistes. Le plus étonnant - et c'est une découverte de taille - est la modernité que cèlent ces musiques.  Dans une pièce vénitienne de 1664, « Ohimé ch'io cado », on est saisi d'une interrogation, d'un doute : s'agit-il bien du stile monteverdien ou de quelques rythmes jazzy ?  C.Pluhar nous explique que, pour peu qu'on y regarde de près, les « basses obstinées » du Père de l'opéra sonnent résolument moderne et s'écartent des canons de l'ostinato de l'époque, dans l'harmonie et dans l'articulation.  Les jazzmen des années 40 n'ont donc rien inventé dans leurs improvisations libres ! Cela se ressent dans ces rythmes de danses furieuses, vraiment endiablées. L' intervention de la voix ajoute encore à cette adorable fusion des genres. Alors même qu'ici deux voix d'exception brillent, fascinantes : Philippe Jaroussky, timbre céleste qui comble de bonheur de ces notes retenues, de ces inflexions inouïes comme pur envoûtement ; et Nuria Rial ou les tendres affects d'une voix de velours. Lorsqu'elles s'unissent, cela confine à une fête presque sensuelle. Plus que des morceaux d'anthologie, la musique dans ce qu'elle a de plus vrai !

 

Jean Sébastien BACH : Concertos pour clavecin BWW 1052, 1058, 1055, 1056.  Bertrand Cuiller, clavecin.  Ensemble Stradivaria, dir. Daniel Cuiller.  Mirare : MIR 085. TT : 58'29.

Le Cantor est le premier à avoir révélé le concerto pour clavier, ouvrant la voie à d'autres chefs-d'œuvre du genre. On pense bien sûr à Mozart. Certes, il y a chez Bach du recyclage de matériau connu dans d'autres configurations.  Mais le propre du génie n'est-il pas de transcender tout ce qu'il touche ?  L'impression d'entendre quelque chose déjà inscrit dans la mémoire décuple l'intérêt. Ces pièces, construites sur le même mode - deux mouvements rapides encadrant un plus lent - déploient énergie, véhémence presque, en tout cas joyeux bondissement, ou mélodie sereine, épanchement profond.  La partie soliste est traitée avec affection. Le concerto BWV 1052, conçu pour le violon, est paré d'un souffle immense et de vivacité. Adaptation d'un des concertos pour violon, le concerto BWV 1058 vit tout aussi bien au clavier qui se fond idéalement dans l'ensemble instrumental.  Les deux autres pièces sont tout aussi attrayantes. Il faut dire que l'interprétation de Bertrand Cuiller, formé à l'école des Hantaï et des Rousset, est empreinte de fluidité, d'articulation rigoureuse qui sait n'être pas métronomique. La formation de chambre qui l'entoure - cinq musiciens seulement, menés de son violon par Daniel Cuiller - offre des sonorités riches et vivantes, comme dégraissées. L'intégration du soliste parmi eux est à l'image de ce travail en famille, d'une parfaite harmonie, comme chez les Bach.

 

Jean Sébastien BACH : Messe en Si. Lucy Crowe, Joanne Lunn, Julia Lezhneva, Blandine Staskiewicz, Nathalie Stutzmann, Terry Wey, Colin Balzer, Markus Brutscher, Christian Immler, Luca Tittolo. Les Musiciens du Louvre-Grenoble, dir. Marc Minkowski.  Naïve : V 5145. TT : 101'.

Le Cantor de Leipzig a mis le meilleur de lui-même dans cette messe, même s'il y a recyclé des pages antérieures, tirées de cantates. Il y manie des styles musicaux divers, voire des approches différentes au long des deux parties qui la composent : relativement intimiste et sombre dans le Kyrie et le Gloria, où alternent interventions chorales et morceaux solistes, arias avec accompagnement d'instruments obligés ou duos expressifs empreints de spiritualité. À partir du Credo, l'atmosphère est souvent plus éclatante, de par la prépondérance donnée à l'écriture chorale. Pour Marc Minkoswki c'est « un miracle de construction... Comme la Création divine : le souffle unique donne vie à un univers polymorphe et imprévisible ».  Belle sentence ! Le chef opte pour le parti de confier le chant choral aux solistes eux-mêmes. Il en résulte transparence bien sûr, mais aussi approfondissement ; car ils sont traités soit en tutti, soit de manière différenciée, comme dans le « Et incarnatus est ».  Cette approche, partagée par d'autres chefs, fait suite aux recherches musicologiques récentes. On se rend compte que l'exécution pour grand effectif choral n'est peut-être pas la plus adaptée au climat général de l'œuvre. En tout cas, les choses étaient à l'origine claires : la Messe était conçue pour un ensemble de seulement 15 chanteurs.  On s'en approche donc ici. Aux dix solistes, émérites, fait écho un ensemble de 25 musiciens. L'impression générale est de discrétion sans contrastes trop marqués, de recueillement serein, « proche de la prière » dit encore le chef. Les enchaînements sont conçus de manière vivante. Ainsi en est-il de la liaison immédiate entre les séquences « Quoniam tu solus sanctus » et « Cum Sancto Spiritu » à la fin du Gloria. L'Agnus Dei frôle le génie, déploration d'une douleur assumée, chantée à la perfection par Nathalie Stutzmann. La fugue finale, prise dans un tempo retenu et développant un ample crescendo, couronne une exécution qui sort du lot - loin des versions grandioses des Kapellmeisters et autres stars de la baguette.

 

Felix MENDELSSOHN : Concerto pour violon et orchestre, op.64.  Trio n°1 avec piano, op.49. Sonate pour violon et piano (1838).  Anne-Sophie Mutter, violon, André Prévin, piano, Lynn Harrell, violoncelle.  Gewandhaus Orchester Leipzig, dir. Kurt Masur. Universal/DG : 477 8001. TT : 77'39.

Anne-Sophie Mutter revient à Mendelssohn, un compositeur auquel elle voue un véritable culte. Pour son deuxième enregistrement du concerto pour violon (le premier remonte à 1980, avec Karajan) elle a pour partenaires Kurt Masur, et surtout l'illustre Gewandhaus de Leipzig qui créa l'œuvre en 1845. Interprétation passionnée s'il en est, à l'aune du molto appassionato initial, pris dans un tempo fort allant, dont on sent qu'il est juste. La glorieuse maestria de la violoniste est là, avec ces ralentis qui lui sont coutumiers et auxquels il est difficile de résister. La fin prestissime confine à l'euphorie, terme qu'elle ne dénie pas. L'andante, une des pages les plus pénétrantes de l'auteur, est porté par une sûre dynamique interne. Et le finale, sorte de danse des elfes, a légèreté et brillance, rendues encore plus palpables par le tempo endiablé adopté : une sorte de course-poursuite entre soliste et orchestre, primesautière ou affirmée. A.S.Mutter a eu la bonne idée de joindre au CD deux pièces de musique de chambre.  Dans le Trio pour piano n°1, c'est ce dernier qui mène les débats face aux cordes. Non que l'intégration ne soit pas réussie, de par l'équilibre des couleurs qu'apportent les présents interprètes.  Et cette exécution n'est en rien inférieure à celle d'un ensemble, comme feu le Beaux Arts Trio.  L'agitato initial établit le climat animé. Le mouvement lent se vit comme un lied souvent fiévreux. Le scherzo « à la virtuosité étincelante, à la fois élégant et badin », selon Mutter, est dans l'esprit de celui, fameux, du Songe d'une nuit d'été, en forme de mouvement perpétuel. Quant au final « appassionato », il est enflammé avec ses curieuses scansions et son large ambitus dans le développement. La Sonate pour violon - datée de 1838 – est une rareté : insatisfait de la partie de violon, Mendelssohn s'était attaqué à une révision qu'il ne put mener à son terme. Ce n'est qu'en 1953 que Yehudi Menuhin en fit une reconstruction. Deux mouvements vivace bien marqués encadrent un adagio déclamatoire, voire là aussi enflammé. Il faut saluer l'initiative de A.S.Mutter de s'être attachée à cette redécouverte qu'elle pare de sa musicalité légendaire.

 

Anton BRUCKNER : Symphonie n°7.  Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, dir. Karl Böhm.  Audite : 95.494.  TT : 64'34.

Cette exécution mérite de figurer au nombre des trésors d'archives. Tirée de celles de la Radio bavaroise, cette captation de concert (avril 1977) à Munich est un grand moment.  Troisième et dernière version enregistrée du maître et adornée d'une prise de son aérée, elle se distingue par un phrasé lyrique soutenu et une battue ample qui ne sombre pas dans le massif ou le grandiloquent. En grand chef d'opéra, Böhm sait ce que construction veut dire. Il laisse son orchestre se déployer naturellement, non sans précipiter le rythme çà et là comme pour renouveler l'intérêt. On pense à ses Wagner à Bayreuth.  L'allegro moderato est pris dans un allant certain et le finale offre cette variété de climats qui font tout le prix de cette musique qu'on a trop souvent tendance à bouder pour défaut d'imagination et sens exacerbé de la répétition.  Böhm ne s'abandonne pas aux plaisirs du beau son, et sa propension à booster le discours rend celui-ci plus directement assimilable.  Certes, il s'agit là de la vision d'un Kapellmeister, au clacissisme indéniable, mais la force de cette vaste pièce d'orchestre n'en ressort que plus évidente. Les adjectifs de « boursouflé, morbide », lancés par le terrible Hanslick sont vite balayés devant une exécution qui, comme celle-ci, resplendit d'une joie intérieure. L'adagio, une des plus belles pages du maître de Saint-Florian, est grandiose. L'hymne à Wagner (dont Bruckner venait d'apprende la mort alors qu'il composait ce mouvement) est sensible, avec ses grandes ascensions chromatiques, son climat solennel mais non pesant. Le scherzo a fière allure, un ostinato cher au musicien, articulé par Böhm sans rigidité. L'orchestre bavarois fête le chef, pour une de ses rares apparitions, de sonorités amples et marbrées.

 

Centenaire de Joseph HAYDN

Joseph HAYDN : Trios pour piano et cordes, Hob. X : 18-23.  Patrick Cohen, Erich Höbarth, Christophe Coin.  2CDs Harmonia Mundi : HMX 2968298.99.  TT : 114'.

« Les sonates pour le pianoforte avec accompagnement de violon et de violoncelle » jouées sur ce disque ont été composées en 1794-1795, lors d'un séjour de Haydn en Angleterre ; période d'intense production qui verra naître, entre autres, six des dernières symphonies dites « londoniennes »  et les quatuors à cordes op.71 et op.74. Plus que des sonates en trio, ce sont des musiques de divertissement qui mettent en valeur les trois instruments et pas seulement le clavier, encore que celui-ci s'émancipe lui aussi. Il n'est pas rare d'y rencontrer une large mélodie du violon. L'écriture est complexe mais toujours originale quant au choix des thèmes, eux-mêmes constamment renouvelés. Ces interprétations – qui reviennent sur le devant de la scène puisque gravées dans les années 1990 – frappent par une grande finesse du jeu, les deux cordes se fondant avec le pianoforte dans une grande rigueur, que ce soit dans le registre grave ou dans le domaine brillant. Les envolées mélodiques y sont légion, notamment dans les adagios, et l'esprit – tel rondo alla Ungarese – ne se fait pas prier. La démarche alerte et chantante annonce le préromantisme (le n°35 offre un grand lied qui préfigure presque la manière d'un Schubert avec un climat pensif). Le dernier trio de la série, le n°36, est peut-être le plus achevé de son écriture savante et fait moduler le clavier à l'envi. Sous un apparent académisme, le poco adagio est métamorphosé par une authentique inventivité.

 

Joseph HAYDN : Concertos pour pianoforte, Hob. XVIII : n°4, 6 et 11.  Andreas Staier, Freiburger Barockorchester, dir. Gottfried von der Goltz.  Harmonia Mundi : HMX 2961854. TT : 61'.

Le genre du concerto pour clavier a été créé par Bach, et deux de ses fils, Wilhelm Friedrich et Carl Philipp Emmanuel, l'ont aussi célébré. Avant que Mozart ne lui donne ses lettres de noblesse, il sera pourvu par Haydn de quelques pièces intéressantes. Quoiqu'ils figurent comme genre relativement mineur dans sa production et aient été composés sur une période brève, les années 1750-60, on en dénombre neuf dont six seront authentifiés.  Il s'agit de pièces de genre facile qui répondent au canon du morceau de divertissement. Le 4^e, dont la première édition a vu le jour à Paris où l'œuvre fut jouée au Concert Spirituel, offre une belle cadence à l'adagio et un finale rondo presto paré de curieux effets de balayage instrumental. Le n°6, pour piano et violon, est vivant et se distingue, là aussi, par un adagio à la douce scansion, les deux solistes dialoguant finement. Mais le 11^e, le mieux connu, et qui de ce fait s'est maintenu au répertoire, force autrement l'admiration. Le vivace par lequel débute l'œuvre montre une réelle fluidité du discours. Tandis que l'adagio a une allure certaine. Le clou reste cependant le rondo all'Ungrese, d'une vivacité enthousiasmante, surtout lorsque joué très preste comme ici. Le thème, qu'on connaît de bien d'autres pièces de Haydn, subit ici de multiples transformations jusqu'à une courte cadence qui détonne presque dans sa sauvagerie soudaine.  On ne saurait imaginer meilleur avocat que Andreas Staier. Son jeu agile est pur bonheur et l'instrument joué sonne beau.  L'Orchestre de Freiburg l'entoure affectueusement.

Jean-Pierre Robert

 

Johann Sebastian BACH : Concerto pour deux violons BWV 1043.  Concerto pour violon BWV 1041.  Concerto pour violon BWV 1042, Concerto pour violon et hautbois BWV 1060.  Camerata de Lausanne.  Pierre Amoyal (violon & direction).  Maurice Bourgue (hautbois), Tedu Papavrami (2^nd violon).  Cascavelle (www.disquesoffice.ch) : VEL 3121.

Quel joie de retrouver, dans ce répertoire qui lui est cher, le grand violoniste Pierre Amoyal, jouant son Stradivarius « Kochansky », miraculeusement retrouvé en 1991 après qu’il lui fut volé en 1987.  Et qui plus est, à la tête de l’excellente Camerata de Lausanne, entouré de solistes de la qualité de Maurice Bourgue et Tedu Papavrami…

 

Johannes BRAHMS : Les trois Sonates pour violon.  Patrice Fontanarosa (violon), Émile Naoumoff (piano).  Saphir (www.saphirproductions.net) : LVC 1100.  TT : 64’57.

Par le violoniste Patrice Fontanarosa, éminent héritier d’une dynastie d’artistes, et le pianiste Émile Naoumoff, ultime disciple de Nadia Boulanger, voici les trois Sonates op.78, 100 et 108 pour violon de Brahms – œuvres de la maturité du compositeur, étonnamment proches de l’esprit de la ballade ou du lied.  Une heureuse conjonction, à tous égards !

 

Guillaume LEKEU (1870-1894) : Sonate pour violoncelle et piano (1888).  Alain Meunier (violoncelle), Philippe Guilhon-Herbert (piano).  Saphir (www.saphirproductions.net)  LVC 1086.  TT : 50’29.

Compositeur belge rattaché à l’école française, mort à l’âge de 24 ans, Guillaume Lekeu n’a laissé que peu d’œuvres.  Composée par un tout jeune homme encore lycéen, cette Sonate – d’une densité étonnamment tragique et aux dimensions impressionnantes (plus de 50 minutes) - fut achevée par Vincent d’Indy (les 3 dernières minutes).  Elle est ici - dans tout son romantisme - superbement restituée.

 

Erik SATIE : Avant-dernières pensées.  Alexandre Tharaud, piano.  Avec la participation de : Éric Le Sage (piano), Juliette (chant), Jean Delescluse (ténor), Isabelle Faust (violon), David Guerrier (trompette).  Coffret de 2CDs Harmonia Mundi (www.harmoniamundi.com/satie2009) : HMC 902017.18.  TT : 2h07.

Avec ce coffret – comprenant l’essentiel de l’œuvre pour piano & de la musique de chambre de Satie, interprété par le merveilleux Alexandre Tharaud et quelques amis choisis – vous avez un nouvel « indispensable » pour votre discothèque.  Articulé autour des six Gnossiennes, le 1^er disque (« Solo ») ne comporte pas moins de quarante-deux pièces - dont Le Piège de Méduse, sept pièces pour piano préparé.  Le 2^nd disque (« Duos ») comprend, notamment, pour piano à quatre mains : Trois morceaux en forme de poire et La Belle Excentrique ; pour trompette & piano : La Statue retrouvée ; pour la voix : Chez le docteur, Allons-y Chochotte, Ludions, La Diva de l’Empire et l’inoubliable Je te veux !  Précipitez-vous !

 

Dark was the night. 2CDs.  Production : Aaron & Bryce Dessner.  A Red Hot Compilation (www.redhot.com) : DAD 2835CD.

Après 20 ans et la parution de 20 albums, cette belle compilation s’inscrit dans la tradition « out of business » de disques dédiés à la lutte contre le sida, au combat notamment en faveur du « safe sex ».  Le 1^er album de la collection était dédié au « gay American songwriter » Cole Porter.  Dark was the night (titre emprunté au thème du bluesman Blind Willie Johnson, ici interprété par le Kronos Quartet) réunit une cinquantaine d’artistes indépendants de la nouvelle génération, mettant l’accent sur des thèmes traditionnels (blues de la Dépression, country, gospel…), arrangés et joués de manière contemporaine.

 

Klezmerola.  Jewish Music from rare piano rolls.  Pianola interpretations by Bob Berkman.  Klezmerola (www.klezmerola.com) : PE 101.

Naguère enregistrés sur rouleaux, 21 thèmes – pour la plupart fort célèbres - du répertoire klezmer sont ici réunis pour notre plus grand bonheur.

 

Café 1930.  Tangos.  Ensemble Contraste : Geneviève Laurenceau (violon), Arnaud Thorette (alto), Raphaël Merlin (violoncelle), Johan Farjot (piano, direction musicale). Zig-Zag Territoires (www.zigzag-territoires.com) : ZZT 090103.

Pour cette merveilleuse anthologie tanguera, les solistes & le Chœur de Paris-Sorbonne (dir. Denis Rouger), Raphaël Imbert (saxophone) et André Ceccarelli (batterie) se sont joints aux virtuoses du juvénile ensemble Contraste.  Savants arrangements, par Johan Farjot (www.johanfarjot.com), nouveau chef de l’Orchestre Paris-Sorbonne [notre photo], de tangos historiques : La Paloma, La Cumparsita, Adiós Muchachos, El día que me quieras, mais aussi de plus récents, d’Astor Piazzolla : Adiós Nonino, Oblivion, Café 1930, Contraste, La Misma Pena, Milonga del ángel, Invierno Porteño, Tangata, Saint-Louis-en-l’Île…  Une réalisation qui fera date !

 

MAGMA : Üdü Ŵüdü.  Coffret de l’œuvre intégrale, 11 volumes.  2009, Le Chant du Monde. 

Groupe mythique s’il en fut - créé en 1969 par le percussionniste et chanteur Christian Vander– Magma (que l’auteur de ces lignes avait eu le bonheur de convaincre naguère de venir se produire au lycée Jean-Baptiste Say où il enseignait) aura certes connu de fabuleux avatars.  Dans ses plus récents volumes - où jouent, autour de Christian Vander & Jannick Top, une dizaine de nouveaux musiciens -, nous retrouvons la stupéfiante énergie d’un groupe assurément unique en son genre, éructant plus furieusement que jamais le kobaïen, idiome de Kobaïa, leur planète originaire.

Francis Gérimont

 

POUR LES PLUS JEUNES

ROBINSON : Ailleurs sera demain.  Les Robinsonades, vol.4 (www.robinson.fr).  Récré-Actions.  L’Autre Distribution : JPCB-3111315.

Ravissant ensemble de 13 chansons, dont certaines en duo, avec Adaëlle ou Henri Dès, et le concours des neuf musiciens de l’excellent groupe caennais Gadjologie.  Séduira petits et grands.

 

DVD

Piano Scores Unlimited.  DVD-Rom.  IPE Music (Tél. : 02 51 32 20 35 . www.ipemusic.com).  59 €.

Il s’agit là – offre sans précédent - d’un ensemble de partitions utilisables, écoutables, imprimables, libres de droits, sans restriction aucune.  Soit 630 œuvres majeures (du domaine public), soigneusement doigtées et classées par niveau de difficulté, 2 500 pages de musique à imprimer et 26 heures d’écoute au format MP3.  Extraordinaire !

Maya. Portrait de Maya Plisetskaya.  Film de Dominique Delouche.  Video Artists International (www.vaimusic.com) : 4489.  TT : 84’.

Tourné en 1999 pour Les Films du Prieuré, ce magnifique portrait de Maya Plisetskaya vient - grâce à une firme new-yorkaise - de paraître en DVD.  Où la grande danseuse relate son parcours : enfance tumultueuse (exécution de son père, déportation de sa mère sous Staline), sa rebellion et son combat jusqu’à devenir, en son pays – puis dans le monde – la prima ballerina assoluta.  Dans ce film, sont bien sûr exaltées la danseuse mais aussi la femme et la pédagogue.  Interventions de Maurice Béjart et de Vladimir Vasiliev.  Avec extraits de ballets : Don Quichotte, Roméo et Juliette, Le Lac des cygnes, Boléro, La Rose malade, Léda…

Francis Gérimont

 

Georges BIZET : Carmen. AC.Antonacci, J.Kaufmann, N.Amsellem, I.D'Arcangelo. Chœurs et Orchestre du Royal Opera, dir. A.Pappano.  Universal/Decca : 074 3312.  TT : 152'.

Si Carmen est l'un des opéras les plus populaires du répertoire, c'est parce qu'il s'en dégage une émotion théâtrale intense. La production du Royal Opera possède des atouts déterminants.  À commencer par un couple de chanteurs-acteurs hors du commun.  Elle, fonctionnant comme un aimant, incarne une héroïne déterminée, féminine, mais pas effrontée. Une composition frappée au coin de l'intelligence et du goût. Et quel métal incandescent, que caractérisent un superbe medium, un grave bien timbré et un aigu facile ! Lui, beau comme un dieu, nanti d'une voix solaire, vit l'inexorable parcours d'enfer d'un homme peu à peu broyé par un infernal destin.  L'air de la fleur en est le moment décisif, à partir duquel tout bascule, qui s'achève en sanglots, expression d'un véritable déchirement. D'évidence, la régie de Francesca Zambello place au centre le personnage de Don José.  Elle sonne vraie dans sa sobriété, avec juste ce qu'il faut d'emphase sur les instants essentiels. La décoration mise sur la couleur, tons ocres et rouges toujours rayonnants, sur lesquels se détachent idéalement des personnages typés - habilement filmés. Le premier acte est un modèle de dramaturgie bien comprise, sensation de chaleur accablante que vient rompre une bataille rangée. Le geste est toujours efficace et des touches tout en finesse pimentent une belle animation que n'aurait pas désapprouvée Mérimée : le défilé des enfants, telle une volée de moineaux, les réjouissances qui ouvrent le dernier acte pour saluer l'entrée de Carmen au bras d'Escamillo implorant du regard la protection d'une immense madone en cortège.  À l'heure de l'ultime duo, la lutte frontale est bouleversante : deux êtres ruinés qui se déchirent un destin enamouré, sans doute réel.  La direction musicale, très articulée, mêle savamment brillance et nuances délicates.

 

Jean-Baptiste LULLY : Cadmus et Hermione. A.Morsch, Cl.Lefilliâtre, A.Marzorati, I.Druet. Le Cercle de l'Harmonie, dir. V.Dumestre. Alpha : 701. TT : 123'.

Pour Cadmus et Hermione, filmé à l'Opéra Comique, Benjamin Lazar a choisi le parti d'une reconstitution scrupuleuse de la tragédie de Lully : décoration figurative léchée, avec ciel mousseux, effets de symétrie, costumes chamarrés et recherchés aux couvre-chefs enplumés, usage de masques, apparitions du dessus ou du dessous (fantastique dragon crachant ses humeurs). Le tout fort colorié est éclairé à la seule bougie. La gestuelle sophistiquée décalque le langage parlé. Bien qu'empruntée elle est rapidement appropriée. L'expression emphatique des mains complète la noblesse des attitudes que la caméra de Martin Fraudreau – à qui l'on doit un étonnant Bourgeois Gentilhomme – se plaît à détailler. Les intermèdes dansés, galants ou espiègles, exhalent une subtile harmonie. Dommage que le texte soit délivré en vieux français, parti pris curieux. La direction joue au maximum le bondissement de la musique de Lully, la fine couleur orchestrale faisant écho à la déclamation vocale suggestive. Si le sujet allégorique paraît d'un autre temps, le plaisir de yeux lui n'est pas mince !

 

Neujahrkonzert 2009 : Œuvres de Johann Strauss II.  Joseph Hellmesberger, Joseph Haydn.  Wiener Philharmoniker, dir. Daniel Baremboim. Universal/Decca : 0743317. TT : 112'.

Le concert du Nouvel An des Wiener Philharmoniker est toujours un événement ! Il l'était d'autant plus, ce 1^er janvier 2009, que la direction en était dévolue à Daniel Barenboim - une première.  L'interprétation favorise une tonalité grave conférant à des ouvertures comme celle d'Une nuit à Venise ou du Baron tzigane une intensité insoupçonnée.  Quelle maestria ! Le chic viennois est là très présent - tel rallentando ou de fulgurantes accélérations.  Que dire de l'art de la transition délicate et surtout de la manière de conclure glorieux sur un accord tranchant.  Le sens du rythme dans la polka schnell ou autre gallop montre une flexibilité innée que les Viennois possèdent d'évidence sur le bout de l'archet. Et dans la valse, le tout est de savoir retenir le premier temps. Le programme concocte quelques joyaux du genre (Annen-Polka, Unter Donner und Blitz) et son lot de premières : Märchen aus dem Orient, ou le dernier mouvement de la symphonie Les Adieux de Haydn, qui trouvera sa vraie mise en scène, les musiciens quittant l'estrade les uns après les autres ! Comme toujours, la prise de vues de Brian Large est un régal : tel clin d'œil complice entre pupitres, tel sourire de bonheur du chef, ou encore ce visage de la dame « seconde » premier violon, montré à l'envi ; sans parler de ces images obligées, mais si agréables, d'une salle fastueuse enluminée de monceaux de fleurs, voire de la radieuse campagne autrichienne...  Tout ici est proprement irrésistible.

Jean-Pierre Robert