Maurice RAVEL : Valses nobles et sentimentales, Gaspard de la Nuit, Sonatine, La Valse.  Romain Descharmes, piano.  Audite (www.audite.de) : 92.571.  TT : 64’41.

Jeune pianiste exceptionnellement doué, Romain Descharmes est trop peu connu.  Aidé par une excellente technique, il communique une énergie hors du commun, une force vitale capable de tenir l’auditeur en haleine.  Il fait corps avec l’instrument, sachant trouver la sonorité juste, la couleur sonore appropriée, traitant avec la même élégance les multiples aspects d’une œuvre.  Dans cet enregistrement, Romain Descharmes propose un programme qui est en lui-même - pour un jeune pianiste - une véritable gageure, car ces pièces majeures ont été interprétées par les plus grands.  Mais le pari est gagné.  Avec cette nouvelle interprétation des sommets ravéliens, Romain Descharmes gagne sa place parmi les plus prometteurs interprètes de sa génération.  Inutile de détailler : écoutez, cela vaut le détour !

 

Gérard Moindrot.

 

Richard STRAUSS : Symphonie alpestre.  Orchestre national de France, dir. Kurt Mazur.  Radio France : FRF 005.  TT : 51’49.

Magnifique sonorité et magistrale interprétation de cette symphonie si décriée, composée entre 1811 et 1815, créée la même année à Berlin par la Hofkapelle de Dresde, sous la direction du compositeur.  Se situant entre symphonie et poème symphonique, elle retrace une journée de randonnée, l’ascension et la descente d’un sommet des Alpes bavaroises.  Une partition, comme une parenthèse dans l’œuvre de Strauss, désormais tout entier consacré au théâtre, expliquant, peut être ainsi, son trop grand réalisme, reproché par certains.  D’autres y verront une métaphore de la destinée de l’homme, un hymne à la nature et à la force créatrice, à l’Antéchrist ou, à l’inverse, une expérience mystique dont peuvent témoigner certains accents brucknériens.  Dans cet enregistrement live l’ONF et Kurt Mazur en donnent une vision très expressionniste, alternant plages d’un lyrisme éthéré et plages d’une fureur effrayante, en parfaite adéquation avec les vingt-trois étapes de cette journée.

 

 

Anton BRUCKNER : Motets pour chœur mixte a cappella.  Messe en mi mineur n°2.  Chœur de Radio France, Orchestre philharmonique de Radio France, dir. Norbert Balatsch.  Radio France : FRF 006.  TT : 63’49.

Très belle interprétation, empreinte de spiritualité, de ces Motets composés entre 1861 et 1892.  Reflétant la même unité esthétique, favorisant la diction et la compréhension du texte, évitant toute emphase, ils s’inscrivent dans la grande tradition allemande du motet.  La Messe en mi mineur n°2, composée en 1866, très épurée, marque, là aussi, la prédominance de la voix (huit voix mixtes et vents) ; langage intimiste comme une prière, limpide, elle constitue une page incontournable de la musique religieuse du XIX^e siècle.

 

 

SPHOTA : Zemlia / La Terre.  Signature & Radio France : SIG 11069.  TT : 48’18.

Constitué de trois musiciens, instrumentistes et compositeurs, Benjamin Dupré (guitare électrique & traitements électroniques), Benjamin de La Fuente (violon & traitements électroniques) et Samuel Sighicelli (orgue électrique & sampler), Sphota propose dans cet enregistrement un projet de « cinéma muet en concert », commande de l’Auditorium du Louvre et du Printemps des Arts de Monte-Carlo, créé en 2008 autour du film Zemlia, long métrage de propagande, réalisé en 1930, par Alexandre Dovjenko.  Il s’agit d’une partition à la fois « étale et fracturée, spectrale et électrique, planante et saturée, constamment tendue entre calme et violence, où alternent envolées, striures, déploiements et brisures, bruit blanc et lentes dérives modales où les textures se télescopent et se dissolvent ».  Une œuvre surprenante, basée sur l’improvisation, qui semble toutefois pâtir de l’absence d’images, ce qui a pour effet de minorer la dramaturgie et d’entamer l’unité de l’œuvre.  De très beaux moments.

 

Patrice Imbaud.

 

Codex Chantilly : En l’amoureux vergier.  Aeon (stephanie@outhere.com) : AECD 1099.  TT : 64’21.

Le célèbre Manuscrit de Chantilly (olim 1047, actuellement Ms 564 de la bibliothèque du Château de Chantilly) est très représentatif de la musique du XIV^e au début du XV^e siècle.  Il se situe dans le sillage de l’Ars subtilior cultivé par une trentaine de musiciens.  Il comprend un échantillon des formes représentatives : ballades, rondeaux, virelais et motets, dont l’écriture est audacieuse par les diversités rythmiques, le langage dissonant et les proportions de nombres, ce qui n’empêche pas humour et finesse de s’y côtoyer.  L’ensemble De Caelis, très versé dans les systèmes de notation d’époque (notation blanche), s’efforce de révéler ce répertoire particulièrement attachant, avec 16 pièces polyphoniques des principaux musiciens de l’époque : Solage, Jehan Vaillant - dont le virelai : Par maintes fois, avec les onomatopées évoquant des chants d’oiseaux, a pu inspirer Clément Janequin -, Jacob de Senlèches, Grimace, Borlet…  Laurence Brisset, à la tête de son ensemble (5 voix, harpe, organetto) a signé une belle « Défense et illustration » de cette musique française subtile, élégante et raffinée.

 

 

In memoriam Guillaume de MACHAUT : Messe Notre Dame.  Aeon (stephanie@outhere-music.com) : AECD 1093.  TT : 50’14.

Cet In memoriam Guillaume de Machaut bénéficie d’une remarquable présentation (illustrations, texte) et - à la suite de nombreux essais antérieurs – Gérard Jay soulève le problème : « restaurer la Messe de Machaut : une tentative utopique ? »  Les précisions par Thierry Peteau sur la prononciation du latin gallican aux XIVe et XVe siècles seront très utiles.  L’Ensemble Musica Nova, soucieux de recréer la richesse polyphonique médiévale, regroupe des chanteurs rompus au chant a cappella, et vise à redonner vie et expression à ces musiques si attachantes. Les textes reproduits concernent des œuvres de Philippe de Vitry, théoricien de l’Ars Nova ; Pierre de Bruges ; Gilles d’Orléans.  La seconde partie est consacrée à la Messe Notre Dame dans une version originale préconisant l’alternance avec des diminutions du Codex Faenza.  Les discophiles apprécieront ces extraits des Codices Ivrea, Chantilly… - dont des pièces de F. Andrieu sur des poèmes d’Eustache Deschamps qui interpelle ainsi Machaut : O Guillaume, dieu séculier de l’harmonie...  Lucien Kandel et ses chanteurs ne pouvaient lui rendre meilleur hommage.

 

 

Ferdinand RIES : Complete Flute Quartets.  2CDs Fuga Libera (stephanie@outhere-music.com) : FUG 576.  TT : 127’07.

Le compositeur et pianiste allemand, Ferdinand Ries, est né à Bonn en 1784 et mort à Francfort-sur-le-Main en 1838.  Si son œuvre ne peut rivaliser avec celle L. van Beethoven ou de Fr. Schubert, elle mérite toutefois d’être largement diffusée.  Cette anthologie de ses 6 Quatuors avec flûte, est défendue avec enthousiasme par T. Fret (flûte), Sh. Laub (violon), E. Smalt (alto), M. Vink (violoncelle) de l’Ensemble Oxalys créé en 1993 au Conservatoire de Bruxelles.  Son rayonnement ne s’est pas fait attendre lors de ses nombreuses tournées en Belgique et à l’étranger, et ses productions ont été très bien accueillies par la presse spécialisée.  Chaque instrument s’impose tour à tour.  Bravo aux interprètes pour cette convaincante interprétation des 3 Quatuors avec flûte WoO 35 et des 3 Quatuors avec flûte op. 145. Excellente réhabilitation d’un compositeur qui, de son temps, avait connu le succès en Angleterre, mais dont l’œuvre gagne à être connue, notamment en France.  Mission accomplie !

 

 

Gilles BINCHOIS : L’argument de beauté.  Aeon (stephanie@outhere.com) : AECD 1096.  TT : 61’25.

Cette réalisation est un modèle du genre : texte de présentation de haute qualité musicologique par Isabelle Ragnard (avec également indication des sources manuscrites) ; programme original dans le cadre du regain d’intérêt actuel pour Gilles Binchois (1400-1460) et la cour de Bourgogne ; exécution hors pair avec prononciation latine du plain-chant et parfaite maîtrise de la « musica ficta », causa pulchritudinis, en adéquation avec le titre.  La voix lumineuse de Brigitte Lesne plane sur tout le disque, avec les interventions polyphoniques vocales bénéficiant d’une clarté et d’un fondu exemplaires.  Certaines des 20 pièces sont soutenues par des cloches.  Le Sanctus (plage 6) est particulièrement émouvant.  Dans l’éventail des formes représentées, figurent des hymnes (comme, par exemple, le célèbre chant Ut queant laxis ou encore A solis ortus cardine) et des carols anonymes (Omnes una gaudeamus et Salve sancta parens).  Ce CD se termine aux accents du répons Benedicamus Domino-Deo Gratias (cloches à main associées à toutes les voix de femmes) ; il est tout à l’honneur de Brigitte Lesne qui, au début des années 1990, a fondé l’Ensemble Discantus (9 voix féminines), de réputation internationale, alliant compétences historiques, interprétation fidèle à l’époque en cause et paysage vocal exceptionnel.  Aucun argument pour ne pas acquérir ce CD…

 

 

MONTEVERDI & MARAZZOLI : Combattimenti !  Alpha (stephanie@outhere.com) : 172.  TT : 71’31.

Les œuvres de Claudio Monteverdi (1567-1643), tels que le Lamento della Ninfa et le Combattimenti di Tancredi e Clorinda (sur le texte du Tasse), d’inspiration guerrière, sont largement diffusées ; en revanche La Fiera di Farfa de Marco Marazzoli (ca 1602-1662) est moins connue des mélomanes.  Grâce, d’une part, au mécénat musical de la Société Générale et, d’autre part, au talent de Vincent Dumestre qui, avec son ensemble canadien Le Poème Harmonique, révèle avec enthousiasme au grand public cette œuvre truculente, pleine de verve, avec une diction italienne d’une précision extrême.  L’enregistrement, très présent, bénéficie également d’une excellente présentation abondamment illustrée.  Irrésistible.

 

 

Jan Dismas ZELENKA : Missa Sancti Josephi ZWV 14.  Litaniae Xaverianae ZWV 155.  Nibiru : 015 322 31.  CD Diffusion (31, rue Herzog, F-68920 Wettolsheim.  info@cddiffusion.fr).  TT : 68’05.

Les œuvres de Jan Dismas Zelenka (1679-1745) ont été redécouvertes et enregistrées depuis quelques décennies.  Ce musicien tchèque contemporain de J. S. Bach a fait ses études à Prague.  Vers 1710 - et jusqu’à sa mort -, il est contrebassiste à la cour de Dresde.  Il a été influencé par les Jésuites, par J. J. Fux, et il a surtout composé de la musique à l’usage catholique telle que des messes et des vêpres.  La partition autographe de sa Missa Sancti Josephi ZWV 14 a fait l’objet d’une restitution.  (Même en l’absence de page de titre, l’œuvre a pu être identifiée).  Cette « messe cantate » largement développée a pu être composée vers 1732, peut-être pour un événement exceptionnel.  Dès l’introduction, elle frappe par sa mélodie chantante, son élan, l’éclat des trompettes et le rythme des percussions, son emphase dans la première invocation du Kyrie ; les entrées fuguées traditionnelles dans le Cum Sancto Spiritu ; le Dona nobis pacem très entraînant, puis insistant...  Les Litaniae Xaverianae ZWV 155, enfin révélées, représentent un « chef-d’œuvre de la mise en musique d’un texte », ce qui n’est pas un moindre mérite.  Deux styles différents, deux œuvres attachantes, servis avec un égal bonheur par l’Ensemble Inégal et les Prague Baroque Soloists, tous placés sous la direction si sensible d’Adam Viktora.

 

 

Jean Sébastien BACH : Concerts avec plusieurs instruments.  Vol. V.  Alpha (stephanie@outhere.com) : 168.  TT : 58’31.

L’ensemble instrumental Café Zimmermann tire son nom du lieu célèbre à Leipzig où cette boisson venait d’être découverte et appréciée, ayant notamment servi de prétexte à la Cantate du café de J. S. Bach.  Ce CD présente 4 œuvres très connues : l’Ouverture n°3 en ré majeur BWV 1068 ; le Concerto pour clavecin en fa mineur BWV 1056 ; le Concerto Brandebourgeois n°6 en sib majeur BWV 1051 et le Concerto pour trois clavecins en ré mineur BWV 1063.  Ce programme est réhaussé par la participation de P. Valette (violon solo et Konzertmeister), C. Frisch, D. Boerner, R. Fontana (clavecins).  Ces concertos, tour à tour bien enlevé et bien rythmé (Allegro du Concerto Brandebourgeois n°6), énergique (Presto du Concerto en fa mineur) ou méditatif (comme il se doit dans l’Aria de l’Ouverture) retiendront l’attention des mélomanes les plus exigeants.

 

 

György KURTÁG/Johann Sebastian BACH : Play with infinity.  Hortus (editionshortus@wanadoo.fr) : 082.  Distr. Codaex.  TT : 50’10.

Cette réalisation est due au compositeur hongrois György Kurtág (°1926).  Jean-Sébastien Dureau et Vincent Planès se produisent en duo à quatre mains ou deux pianos, formant une merveilleuse équipe bien équilibrée.  Ils ont préparé les 29 pièces sous la direction de György et Márta Kurtág : ce qui représente une garantie de fidélité aux intentions de l’arrangeur-compositeur. Les mélomanes reconnaîtront, extraits de Transcriptions (Àtiratok, 1973), des chorals bien connus pour le temps de la Passion : O Lamm Gottes unschuldig et Christe du Lamm Gottes ; pour le temps de Noël et de l’Épiphanie : Christum wir sollen loben schon, Das alte Jahr vergangen ist ou encore le Gloria : Allein Gott in der Höh sei Ehr, entre autres.  Un autre volet est représenté par des Hommages à H. Mihály (avec un paysage sonore spécifique) ou à l’In memoriam S. György (expressif et intériorisé), extraits de Jeux (Játékok, 1979).  CD hors des sentiers battus, à recommander à tout discophile curieux.

 

 

ClarinArt Ensemble.  VDE-Gallo (info@vdegallo.ch) : CD 1323.  TT : 51’.

Le ClarinArt Ensemble (W. Grund, E. Eichenberger, Sv. Bachmann), de réputation internationale, s’impose par ses couleur sonores variées.  Il propose tout d’abord l’Ouverture pour 2 clarinettes et cor de chasse (ici : cor de basset) de G. F. Haendel, dont le Moderato bénéficie d’entrées successives très précises, contrastant avec le caractère méditatif du Larghetto, la volubilité et le caractère enjoué de l’Andante allegro.  Le Divertimento (KV 577), d’après Les Noces de Figaro pour 3 cors de basset de W. A. Mozart, met particulièrement en valeur les timbres de ces instruments.  Il en est de même dans les Variations sur La ci darem la mano de L. van Beethoven.  Enfin, la Petite Sérénade concertante en 6 mouvements de Johann Wenth (1745-1801), hautboïste et joueur de cor anglais à la cour de Vienne et admiré par Beethoven, prouve les nombreuses qualités et la musicalité du ClarinArt Ensemble.

 

 

Franz SCHUBERT : Winterreise.  Zig Zag Territoires (stephanie@outhere.com) : ZZT 101102.  TT : 61’.

Le Voyage d’hiver D. 911, œuvre ésotérique s’il en est, a fait l’objet de nombreuses exégèses (J. Chailley, notamment) et d’enregistrements célèbres déjà anciens (D. Fischer-Dieskau, G. Souzay et tant d’autres).  Thomas Bauer (baryton) et Jos van Immerseel (pianoforte Christopher Clarke, 1988) proposent une version qui restitue à ces 24 Lieder tout leur mystère, leur entrain, leur envolée.  Th. Bauer interprète Le Tilleul (Der Lindenbaum) symbolisant la mentalité et la sentimentalité allemandes du début du XIXe siècle, avec retenue, alors que, trop souvent, cette mélodie est galvaudée.  Dans La Corneille (Die Krähe) - et non Le Corbeau -, il rend hommage aux intentions de Wilhelm Müller, à la fois narratives et suggestives.  Dans le Joueur de vielle, l’excellent pianiste intervient de manière descriptive, posant un remarquable point d’orgue sur cette œuvre si riche en traductions musicales figuralistes des images et des idées du texte.  Une collaboration des plus réussies.

 

 

Gustav MAHLER : Symphonie n°4.  Phi (stephanie@outhere.com) : LPH001.  TT : 53’28.

Philippe Herreweghe s’affirme depuis quelques années comme un chef tout à fait polyvalent.  La 4e Symphonie de Gustav Mahler (1860-1911) n’a pas de secrets pour lui.  Si l’accueil du public en 1901 s’est avéré négatif, il n’en est pas de même de cette version réalisée avec l’Orchestre des Champs-Élysées.  Selon le chef, le « cadre sonore est… plus proche peut-être de ce qu’on pouvait entendre à la toute fin du XIXe siècle ».  La 4e Symphonie est encore d’inspiration esthétique germanique, ne perd pas de vue les modèles viennois de la forme sonate, les idées thématiques fusent.  Elle est structurée traditionnellement en 4 mouvements, avec des sous-titres allemands qui sont en même temps des indications pour l’interprétation : Bedächtig.  Nicht eilen, avec ses accents populaires ; In gemächlicher Bewegung. Ohne Hast, avec son écriture plus transparente ; Ruhevoll, partie la plus développée et d’un calme bienfaisant ; Sehr behaglich, avec l’intervention de Rosemary Joshua (soprano), de caractère agréable et bienfaisant.  Voici, avec le recul du temps et grâce aux disques Phi, une réhabilitation fort convaincante.

 

 

Philippe HERSANT : Éphémères.  Musical Humors.  Triton (triton@disques-triton.com) : TRI 331170.  Intégral Distribution.  TT : 57’48.

Pour sa « version renouvelée » (2010) des Éphémères (1999-2003), Alice Ader a retenu un piano Petrov (prise de son : A. Thiébault).  Ce cycle de 24 pièces très brèves aux titres descriptifs, représente « une sorte de journal de voyage, avec des souvenirs de musique traditionnelle japonaise, d’une chanson polyphonique espagnole ou encore d’un Prélude de Debussy… ».  Sa solide technique permet à l’interprète de réaliser pleinement son objectif : le « respect quasi obsessionnel du texte ». Le deuxième volet de ce disque : Musical humors (2003, pour alto & orchestre à cordes) a été enregistré, en première mondiale, lors d’une répétition au Grand Amphithéâtre de la Sorbonne, par l’Orchestre de Paris-Sorbonne, avec le concours d’Arnaud Thorette (alto), tous placés sous la direction de Johan Farjot.  Elle fait la part belle aux sonorités si prenantes de l’alto dialoguant avec l’orchestre.  Il s’en dégage une atmosphère étrange et pleine de charme donnant libre cours aux sautes d’humeur.  Ph. Hersant s’est inspiré du recueil éponyme de pièces pour viole de gambe (1605) de Tobias Hume.  Contrastant avec Éphémères, cette œuvre est interprétée avec sensibilité et des accents très justes grâce à l’intelligence musicale de Johan Farjot qui sait transmettre à son orchestre les divers états d’âme.

 

 

Philippe MAZÉ : Songs of Innocence, Songs of Experience.  Requiem UT 772.  Éditions musicales de la Schola Cantorum (www.schola-editions.com) : SCCD01.  TT : 57’02.

La remarquable version (hors commerce) du Requiem UT 772 - interprétée par l’Ensemble vocal de la Madeleine, dirigé par Denis Rouger (à l’orgue : Michel Geoffroy) - a déjà fait l’objet de notre recension (cf. Lettre d’information, septembre 2010).  Selon Ph. Mazé : « Il peut paraître bien étrange de faire précéder ce Requiem par les Songs of Innocence et les Songs of Experience, mais ce serait oublier que, si les premiers ont été écrits par W. Blake dans l’euphorie de la Révolution française, les seconds l’ont été pendant la « Terreur »  et son cortège de vies gâchées au nom d’idéologies bien sombres (…) et d’injustices criantes…  De là au terrorisme depuis les années 1970 et, plus précisément 1989, qui a justifié mon Requiem. »  Dans ces deux œuvres, l’Ensemble vocal féminin Callirhoé, de Lausanne, fondé en 2005 par son directeur D. Tille, recrée l’humanisme profond de W. Blake (1757-1827), inspiré par la Bible et E. Swedenborg, avec une remarquable interprétation faite d’intériorité et de retenue, alors que Virginie Falquet, au piano, tout en souplesse, traduit avec finesse l’atmosphère lyrique et contrastante, encore renforcée par le tableau de P.-A. Chavannes (dit « Tchivi »), peintre neuchâtelois, représentant le désert qui fait « écho à la tragédie du 19 septembre 1989 », mais évoque aussi « le symbole de la vie terrestre séparé de la vie céleste par l’épreuve de la mort ».  Un chef-d’œuvre de plénitude vocale, grâce aux talents du compositeur, également chef de chœur, qui sait décidément écrire pour les voix.

 

 

Les grands moments de l’harmonium.  Joris Verdin.  VDE Gallo (info@vdegallo.ch) : VDE CD-1326.  TT : 72’.

L’harmonium n’est pas qu’une « pompe à cantiques ». Son invention et sa facture remontent à 1842 grâce à Alexandre François Debain. La firme Victor Alphonse Mustel lui a donné ses lettres de noblesse.  Il est utilisé en France, en Belgique, en Espagne, en Allemagne.  Instrument de salon, parfois de sacristie (dans les églises dépourvues d’orgue, jusque vers 1930).  Il possède un répertoire spécifique, auquel L.-J.-A. Lefébure-Wély (1817-1869), J.-N Lemmens (1823-1881) puis, entre autres, A. Guilmant (1837-1911), C. Saint-Saëns (1835-1921) ou encore S. Karg-Elert (1877-1933) se sont intéressés à cet instrument quelque peu insolite pour lequel ils ont composé soit dans les genres classiques : interludes, fuguettes ; soit des danses : boléro, valse… ; soit des musiques évocatrices : Dernière espérance, Impressions, Recueillement… Joris Verdin, organiste, musicologue et professeur, auteur d’un ouvrage sur la technique de l’harmonium, était tout indiqué pour défendre et illustrer ce répertoire non négligeable et le révéler au grand public.

 

 

Je chanterai la joie.  Fondation Jonas.  VDE Gallo : VDE CD-1310.  Les meilleurs moments des concerts à St-Légier et Bioley-Magnoux 2009 et 2010.  Fondation Jonas.  VDE Gallo (info@vdegallo.ch) : VDE CD-1311.

Tout un programme, mais aussi un exemple d’éducation de jeunes par la musique, le théâtre et la danse, dans des ateliers et écoles, à l’initiative de la Fondation suisse « Jonas » dirigée par le docteur et madame Sigwart.  Rencontrés à Paris, ils nous ont exposé leurs solides motivations au service des enfants de milieux socioculturels différents, grâce à « l’écoute de la musique », à « l’écoute des autres » et à la convivialité, antidote à l’individualisme et la société de consommation.

Cet album, avec ses illustrations pertinentes et hautes en couleurs, rend déjà les chanteurs fort sympathiques et invite à entendre ces voix jeunes et enthousiastes qui offrent un florilège de 31 pièces d’horizons divers (Géorgie, Caucase, USA…), descriptives ou méditatives (psaumes, textes latins et français), se terminant par Salamun kullaheen (La paix soit avec vous).  Décidément, ces voix bien stylées chantent la joie pour tous.

Poursuivant les mêmes objectifs, le second disque propose des pages instrumentales à succès pour instruments divers : flûtes à bec (G. P. Telemann), piano (R. Schumann), violoncelle et piano (M. de Falla) et même un arrangement pour saxophone et piano de J. S. Bach…, ainsi que des chants traditionnels (Caucase, Géorgie, Afrique, Rwanda)… ; des Gospels - dont l’irrésistible Amazing Grace - ou encore la chanson : Leise zieht durch mein Gemüt (F. Mendelssohn) dirigés avec musicalité par Christine Sigwart : belle démonstration du travail entrepris dans les écoles et les camps de la Fondation Jonas et remarquable écho de leurs concerts.

 

    

Édith Weber.

 

« Les Violoncelles français » : Méditations.  Transcriptions & arrangements par Roland Pidoux de mélodies, airs ou mouvements de Bloch, Rachmaninov, Dvořák, Offenbach, Fauré, Schumann, Wagner, Verdi, Tchaïkovsky + arrangement par Casals du Chant des Oiseaux.  Par Emmanuelle Bertrand, Éric-Maria Couturier, Emmanuel Gaugué, Xavier Phillips, Raphaël Pidoux, Roland Pidoux, Nadine Pierre, François Salque.  Mirare : MIR 112.

Le violoncelle est riche d’un si vaste ambitus et d’une telle diversité de registres expressifs que la réunion de plusieurs violoncelles peut aisément constituer un orchestre complet.  Ainsi s’est développée (souvent au sein des orchestres) la pratique des octuors de violoncelles, avec la création de festivals (tel celui, bien connu, de Beauvais) et la commande de partitions contemporaines.  Ici, nous versons dans le grand luxe : parmi la douzaine de solistes d’envergure que peut aligner l’école française de violoncelle, si réputée, huit se sont réunis sous la houlette de Roland Pidoux, produisant un corps sonore d’une qualité exceptionnelle.  Ils peuvent ainsi, sans ridicule, remplacer une phalange philharmonique dans le Largo de la Symphonie « du Nouveau Monde » de Dvořák, rendre tout le spectre d’un quatuor à cordes (en principe : deux violons, un alto et un violoncelle !) dans l’Andante funebre du Quatuor n°3 de Tchaïkovsky, restituer sans une faille tout l’entrelacs contrapuntique de l’orchestre dans l’air Ella giammai m’amò extrait du Don Carlo de Verdi, l’archet de Roland Pidoux jouant le rôle de Philippe II, pour n’évoquer que trois des moments les plus impressionnants de ce disque.  Les lieder de Schumann sont, de notre point de vue, les pages qui s’accommodent le moins bien de ce « transfert » effaçant la perspective des plans entre les deux partenaires d’un dialogue intime, le piano et la voix.  Chacun des huit artistes se faisant tour à tour le soliste d’un morceau, l’on nous permettra de désigner nos préférences, en saluant le velouté envoûtant d’Emmanuelle Bertrand dans la Vocalise de Rachmaninov, l’engagement émotionnel de Xavier Phillips dans la Prière d’Ernest Bloch, le chaud timbre barytonant d’Emmanuel Gaugué se substituant à Wolfram dans l’air O du, mein holder Abendstern extrait du Tannhäuser de Wagner, le souple lyrisme de Raphaël Pidoux dans Les larmes de Jacqueline op.76 n°2 d’Offenbach, une pièce bel et bien prévue pour faire s’épanouir le violoncelle puisque le compositeur était un brillant violoncelliste qui, dans sa jeunesse, écrivit beaucoup pour son instrument.  Si vous voulez vous offrir une belle heure d’émotion sans arrières-pensées intellectuelles, d’une émotion qui laisse simplement chanter les cœurs, courez vite vous procurer ce disque.

 

 

Rebecca CLARKE : Sonate pour alto & piano.  Henri VIEUXTEMPS : Sonate op.36 pour alto & piano.  Johannes BRAHMS : Sonate op.120 n°2, version alto & piano.  Tabea Zimmermann (alto), Kirill Gerstein (piano).  SACD Myrios Classics : MYR004 (distr. Codaex).

Tabea Zimmermann est une des grandes prêtresses de l’alto, et sa sonorité aussi pure que les meilleurs violonistes convaincrait les plus réticents du plein épanouissement que mérite un instrument aspirant à sortir de l’ombre.  L’attrait du présent programme réside dans la Sonate (1919) de l’Anglaise Rebecca Clarke, compositrice bien négligée ; il s’agit d’une œuvre très marquée par l’impressionnisme français et les séduisants climats engendrés au gré d’une souple modalité.  La ductilité de la conduite d’archet de Tabea Zimmermann y fait merveille, et le pianiste russe épouse ses intentions subtiles.  Même si le langage de Vieuxtemps n’est guère très personnel, sa Sonate op.36 retient notre écoute par ses nobles contours et des idées ne manquant pas d’esprit.  Le maillon faible du présent disque se situe dans l’interprétation de Brahms, auquel les duettistes appliquent le même traitement tout en raffinement contenu qu’à Rebecca Clarke ; mais ils sont là aux antipodes de l’esprit brahmsien et à faire trop « joli », ils évacuent totalement la puissance des assises et des élans forgeant l’identité de ce compositeur ; on ne se serait jamais cru obligée de rappeler que Brahms n’est pas un impressionniste…

 

 

Hans Werner HENZE (°1926) : Requiem + Conversations (en allemand) de Mirjam Wiesemann avec Hans Werner Henze et Michael Kerstan.  Dimitri Vassilakis (piano), Reinhold Friedrich (trompette).  Bochumer Symphoniker, dir. Steven Sloane.  3 SACD Cybele : KiG003.

Le producteur Ingo Schmidt-Lucas et son épouse Mirjam Wiesemann ont imaginé une collection d’un réel intérêt historique réunissant, sur un compositeur, un disque de musique et deux disques d’entretiens (soit issus d’archives historiques, soit réalisés spécialement) avec le compositeur et telle personne autorisée de son entourage. Certes, le rempart de la langue limite cette très intéressante initiative au public germanophone, mais un copieux livret bilingue et richement illustré achève de faire de ces beaux objets une source documentaire intelligemment composée. Les premiers volumes avaient trait à Karl Amadeus Hartmann et Hans Erich Apostel, le troisième entre dans le domaine des vivants avec Hans Werner Henze, épaulé par son ami et assistant Michael Kerstan.  C’est pour le compositeur, à l’occasion de l’évocation des deuils ayant inspiré le Requiem, un prétexte à reparcourir les phases déterminantes de sa vie, depuis cette enfance en milieu nazi qui l’a probablement poussé, par réaction, à un humanisme le faisant flirter avec le communisme.  Le sida ayant fait son œuvre parmi l’entourage amical de Henze, le créateur athée imagina de reprendre le climat de chacun des textes de la Messe des Morts, mais sous une transfiguration purement instrumentale qui se construisit pièce après pièce par la fusion de divers projets, concertants ou chambristes. Ainsi s’édifia un vaste ensemble cohérent, où la beauté des atmosphères prime pour exprimer la révolte devant les crimes de l’humanité ou la compassion devant la maladie et la mort. Les passages irréels sont les plus émouvants, qu’il s’agisse de la lumière au scintillement tamisé de l’Introït, ou de la douceur intériorisée de l’Agnus Dei pour onze instruments à cordes et piano. De manière générale, la fluidité avec laquelle le piano s’infiltre dans les textures orchestrales donne sa coloration toute en subtilité à la partition, et il faut saluer le travail aussi admirable dans la précision que dans la délicatesse, accompli par Steven Sloane, ses musiciens de Bochum et Dimitri Vassilakis lors de ce concert donné en 2010 dans la Philharmonie de Essen. Les passages plus “bruyants” sont aussi plus datés, créant un brouhaha aux recettes un peu éculées, et la ligne clairement dessinée de trompette (parfaitement jouée par Reinhold Friedrich) manque d’originalité. On retiendra plutôt une manière de reconquérir divers types de lumière parmi les vicissitudes humaines, jusqu’à cette fin s’éteignant dans la résonance prolongée du piano.

 

 

« Flûte et piano en France ».  Philippe GAUBERT : Sonate n°1.  Gabriel FAURÉ : Fantaisie op.79.  Claude DEBUSSY : Prélude à l’après-midi d’un faune (réduction pour piano de Gustave Samazeuilh).  Charles KOECHLIN : Sonate op. 52.  Gabriel PIERNÉ : Sonate op.36.  Jocelyn Aubrun (flûte), Aline Piboule (piano). Lyrinx : LYR 269 (en DSD Multicanal).

Beaucoup de fraîcheur dans l’interprétation que ces deux jeunes artistes donnent de partitions si représentatives de la limpide esthétique française. Elles sont contenues entre les dates de 1894 et 1917, et signées de compositeurs qui se fréquentaient, voire, le cas échéant, s’interprétaient mutuellement (Pierné et Gaubert furent d’illustres chefs d’orchestre). En cette saison hivernale, les trois mouvements de la 1^re Sonate de Philippe Gaubert coulent comme printanières cascades, les modulations de Fauré nous entraînent par des sentes colorées de floraisons imprévues (la méconnue mais enchanteresse Fantaisie op.79, jouée avec esprit), la Sonate op.52 de Koechlin surprend comme la découverte dans une clairière d’archaïques vestiges architecturaux.

On se passerait bien de l’actuelle résurrection (par économie ?) de la réduction pour piano commise par Gustave Samazeuilh à partir du Prélude à l’après-midi d’un faune, tant l’orchestration de Debussy est… irréductible. Mais au moins, Jocelyn Aubrun joue sa partie avec sentiment. Entendre la Sonate pour violon et piano de Pierné dans la version pour flûte qu’en donna le compositeur lui-même, “debussyse” par endroits la partition, que Jocelyn Aubrun et Aline Piboule drapent de soyeuses envolées.

On sait à quel point René Gambini a développé une technique exceptionnelle de prise de son, marque de fabrique du label Lyrinx, restituant le message musical avec une pureté inaltérée. Que dire du plaisir d’écoute que nous procure un tel disque ? Que la poésie des musiciens y est première, ce qui s’avère la priorité que l’on requiert d’un bon technicien !

 

 

Francis POULENC : Intégrale de la musique de chambre avec vents.  Vincent Lucas (flûte), Philippe Berrod (clarinette), Olivier Derbesse (deuxième clarinette), Alexandre Gattet (hautbois), Marc Trénel (basson), André Cazalet (cor), Francis Orval (cor), Guillaume Cottet-Dumoulin (trombone), Frédéric Mellardi (trompette), Claire Désert & Emmanuel Strosser (pianos).  2CDs Indesens : INDE013.

Le label Indesens s’est fait une spécialité de monter des programmes cohérents centrés sur la musique pour ou avec instruments à vents, les “souffleurs” provenant pour l’essentiel de l’Orchestre de Paris. Cette collégialité entraîne ses bons et mauvais côtés : l’habitude de jouer ensemble donne une indéniable cohésion, dont on note ici les avantages dans la Sonate pour clarinette et basson, ou la si vive Sonate pour cor, trompette et trombone qui nous mène de la Butte Montmartre aux jardins à la française en un clin d’œil. On gravit ainsi les sommets du magistral Sextuor, dont le corps des vents est dominé par André Cazalet, tandis que Claire Désert, de son toucher si musical, instille une élégance infiniment sensible, qui capte l’attention dès le solo de piano du 1^er mouvement. Car le label vient de s’attacher les services de deux merveilleux pianistes, Claire Désert et Emmanuel Strosser, qui apportent un raffinement bienvenu à ces réalisations. Écoutez comme, dans le Trio, la pianiste timbre des résonances de cloches avant de rejoindre ses partenaires dans le jeu des gambades puis la tendre effusion. Emmanuel Strosser, lui, s’est vu attribuer les Sonates composées à la fin de la vie de Poulenc, si teintées d’atmosphères dramatiques malgré la survivance – par élégance – d’une gouaille de titi parigot : il travaille son toucher avec une infinie délicatesse afin de rester dans l’émotion contenue tout au long de la Sonate pour clarinette et piano, il fait vibrer un nimbe sonore autour de son partenaire dans les mouvements extrêmes de la Sonate pour hautbois et piano, où Alexandre Gattet conduit la mélodie avec autant de souplesse nuancée qu’un archet, et encore dans l’Élégie pour cor et piano. Cette dernière pièce confirme la suprématie d’André Cazalet sur ses collègues : il s’y montre aussi brillantissime dans les difficultés techniques que maître de son timbre dans les moments de douceur. Mais nous évoquions de mauvais côtés : c’est qu’à puiser dans un orchestre, on prend ce qui s’y trouve, même pour des pièces où les plus grands solistes ont imposé leur marque. Dans la Sonate pour clarinette et piano, Michel Portal et Florent Héau nous ont par le passé procuré de grandes émotions, alors que le timbre dépourvu de séduction de Philippe Berrod, qui n’est pas non plus infaillible au niveau technique, nous laisse sur le seuil. Conseillons, pour ce chef-d’œuvre ultime, le disque si prenant de Florent Héau et Patrick Zygmanowski (Lyrinx), où le clarinettiste témoigne d’un contrôle du son si parfait qu’il peut modeler à sa guise tous les caractères expressifs de cette partition où Poulenc dénoue ses contradictions par des voltes inattendues. Le timbre des clarinettistes de l’Orchestre de Paris s’avère d’ailleurs un problème, que la Sonate pour deux clarinettes accuse, tant il est vrai que les deux solistes ne sauraient se voir taxés de sonorité melliflue (on la trouvera plutôt mal dégrossie) ! Quant à la Sonate pour flûte et piano, elle aussi a connu bien des versions plus séduisantes, et les mouvements extrêmes apparaissent parmi les maillons faibles de ce coffret, même si le mouvement central témoigne d’un beau dramatisme. Brève page plus récemment redécouverte, Le joueur de flûte semble une mélancolique méditation dans le désert : Vincent Lucas y met toute sa sensibilité. Signalons, d’un point de vue éditorial, que la relecture du livret laisse à désirer…

Au final, les amoureux de Poulenc trouveront chez RCA (en 2 disques, également) l’intégrale pétillante et cravachante de sa musique de chambre (cordes comprises, cette fois, et avec en prime la musique de scène pour L’invitation au château de Jean Anouilh) dans une prise de son resplendissante et avec une équipe de somptueux virtuoses : Éric Le Sage, Paul Meyer (qui fait preuve d’une maîtrise stupéfiante du son de la clarinette), Michel Portal en “guest-star”, François Leleux, les flûtistes Mathieu Dufour (qui surclasse de cent coudées Vincent Lucas dans la Sonate pour flûte) et Emmanuel Pahud, le corniste Ab Koster, etc., le trompettiste Frédéric Mellardi étant le seul point commun entre les deux enregistrements.

Il y a quelques années, Indésens avait regroupé des pièces de jeunesse de Henri Dutilleux (INDE 004), celles antérieures à l’éclosion de la Sonate pour piano s’avérant terriblement datées, et encore esclaves (hélas !) d’un enseignement affreusement conventionnel. Du point de vue des instruments à vent, on nous pardonnera de raviver une gué-guerre qui ne s’apaise que difficilement : Marc Trénel joue la Sarabande et Cortège sur un Fagott de facture Heckel ; si le son “volumineux” du Fagott apporte une rondeur nécessaire au répertoire symphonique allemand, il est franchement déplacé, voire encombrant, dans une pièce française de 1942, si tributaire des académismes nationaux ambiants, où le son plus nasal, plus incisif du basson français s’impose. L’interprétation par Pascal Godart de la Sonate pour piano est élégante, mais n’a pas la puissance d’affirmation d’une identité stylistique qu’y mettaient certains pianistes (Claire-Marie Le Guay, par exemple, chez Accord, qui couplait cette Sonate avec celles de Bartók et Carter).

 

 

Camille SAINT-SAËNS : Intégrale de la musique de chambre avec vents.  Vincent Lucas (flûte), Philippe Berrod (clarinette), Olivier Derbesse (clarinette), Alexandre Gattet (hautbois), Marc Trénel (basson), Yves d’Hau (contrebasson), André Cazalet (cor), Francis Orval (cor), Guillaume Cottet-Dumoulin (trombone), Frédéric Mellardi (trompette), Eichi Chijiwa & Angélique Loyer (violons), Ana Bela Chaves (alto), Emmanuel Gaugué (violoncelle), Bernard Cazauran (contrebasse), Laurent Wagschal & Pascal Godart (pianos).  2CDs Indesens : INDE010.

Tout comme Poulenc, Saint-Saëns a consacré ses derniers efforts à trois Sonates pour bois et piano, et dans l’un et l’autre cas, la concentration de leur expérience créatrice auréole ces accomplissements testamentaires d’un souffle pénétrant.  Philippe Berrod et Pascal Godart se sont surpassés pour donner de la Sonate pour clarinette et piano op.167 une interprétation pleine de verve et d’énergie dramatique. Alexandre Gattet et le même Pascal Godart accentuent à dessein les étranges bifurcations alimentant la progression agogique de la Sonate pour hautbois et piano op.166, depuis un néo-classicisme frôlant le pastiche dans l’Andantino, puis le mystère et les allusions de l’Allegretto, jusqu’à l’enjouement virtuose du Molto allegro ; Ingo Goritzki et Leonard Hokanson, dans un beau disque naguère paru chez MDG, tentaient au contraire de créer une unité dans la partition grâce à une conduite plus romantique de l’ensemble. Quant à la Sonate pour basson et piano op.168, si l’on confronte les deux versions les plus directement concurrentes, celle de Dag Jensen et Leonard Hokanson (bénéficiant d’une captation plus présente, sur le disque MDG) et celle ici gravée par Marc Trénel (plus chantant) et Pascal Godart, le son s’avère de toute manière “germanisé” par le choix du Fagott, dont il reste à prouver qu’il corresponde à la saveur acidulée de “l’esprit français”.

Définitivement, le célèbre Septuor avec trompette, si rigidement néo-classique en trois de ses mouvements (seul le mouvement lent laisse passer une originalité expressive) n’est pas le chef-d’œuvre de la musique de chambre de Saint-Saëns : il reçoit ici une interprétation vivante, mais un peu rêche. Quant à la présente version du Caprice sur des Airs danois et russes, elle est éclipsée par celle, d’une fière envolée, donnée par l’Ensemble Villa Musica sur le disque MDG déjà évoqué (Ingo Goritzki encore ! Et le velouté de la clarinette d’Ulf Rodenhäuser !).  En revanche, on découvre des visages bien plus humains de Saint-Saëns au fil d’œuvres qui se cachent derrière des titres trop modestes. Très antérieure aux autres pièces, la Tarentelle op.6 se révèle un bijou : Vincent Lucas, Olivier Derbesse et Laurent Wagschal s’y montrent endiablés. Avec le même et très sensible pianiste (que l’on n’entend pas assez, alors que son talent et sa curiosité d’esprit devraient le propulser à un rang bien plus enviable), d’autres pages brisent l’image froidement académique de Saint-Saëns : la Romance pour flûte et piano op.37, où Vincent Lucas laisse parler une expression touchante, et les Romances pour cor et piano (op.36 et op.67), dont les phrasés sont maîtrisés d’un seul souffle par André Cazalet, toujours en grande forme.

Que le producteur Benoît d’Hau, dans un élan d’amour filial, laisse s’exprimer le contrebassoniste Yves d’Hau, cela peut se comprendre, mais quand le résultat en vient à transformer le noble et violoncellistique Cygne en caricature, on récrimine vigoureusement (L’Éléphant supporte mieux le passage de la contrebasse au contrebasson, puisque les tessitures autant que l’intention parodique s’avèrent en ce cas plutôt proches). De même, Mon cœur s’ouvre à ta voix n’a rien à faire au basson ni dans cette intégrale qui se veut de référence.

De manière générale, l’équipe du label serait bien inspirée de mieux relire ses livrets ; ici, entre autres contributions au collier de perles, on goûtera « Bien qu’empruntent de classicisme… » et « Odelette en ré majeure » (est-elle vaccinée, au moins ?) !

 

 

Robert SCHUMANN : Concerto op.54, Introduction et allegro appassionato op.92, Introduction et allegro de concert op.134.  Bruno Rigutto, piano.  Orchestre philharmonique de Monte-Carlo, dir. Serge Baudo.  Lyrinx : LYR 154.

On est las d’accumuler les couplages “téléphonés” du Concerto de Schumann avec, par exemple, celui de Grieg, et on préfère la cohérence de programmes donnant à entendre les trois œuvres pour piano et orchestre de Schumann, ce qui fait ressortir la filiation entre des partitions espacées de quatre ans en quatre ans. Suite des rééditions de Bruno Rigutto (voir notre rubrique Liszt), ce disque de 1995 n’a rien perdu de ce qui le rend attachant, à savoir une spontanéité dans l’approche psychologique du compositeur. Le Concerto, qui s’est vu gratifié (!) de mille versions discographiques, nous touche ici par son absence de toute emphase démonstrative ; il nous parle avec une proximité pleine d’humanité. Un moment-clé résume bien ce sentiment : l’Andante espressivo du 1^er mouvement, très tendre et délicatement rêveur. Nous avons l’impression d’être conviés dans l’intimité de Schumann, et cette délicatesse traversera les différents caractères des mouvements successifs (écoutez la fraîcheur perlée des arpèges du finale).  L’équilibre entre l’orchestre et le piano, bien sauvegardé par l’enregistrement, participe de cette réussite. Le même sentiment de partage intime traverse la partie pianistique de l’opus 92, mais cette fois, le compositeur semble avoir accumulé les maladresses pour que l’orchestre ne sonne pas. L’opus 134, ouvrage tardif qui s’approche du gouffre, trouve ici une interprétation essentielle, et l’on est frappé par la beauté expressive avec laquelle Bruno Rigutto pose le monde intérieur de Schumann dès les premières guirlandes de notes. La cohérence du programme gagne à suivre ainsi, avec tact, la trajectoire psychique du compositeur.

 

 

Karol SZYMANOWSKI : Étude op.4 n°3, Variations op.3, Préludes op.1, Mazurka op.50 n°1, Prélude et Fugue en ut# mineur, Fantaisie op.14.  Frédéric Vaysse-Knitter.  Intégral : INT 221.180.

Polonais par sa mère, Frédéric Vaysse-Knitter a entrepris de faire connaître les pièces de jeunesse de son demi-compatriote Szymanowski, autrement dit des pièces quasiment méconnues et qui méritent de ne pas le rester ! D’une grande virtuosité par moments, ces œuvres exigent un pianiste rompu à toutes les chausse-trapes et palettes chopiniennes, lisztiennes, schumanniennes, scriabiniennes ; s’y additionne la nécessité de mettre en relief des complexités d’écriture sollicitant les deux mains au-delà des conventions pianistiques du temps, et une pédalisation que Frédéric Vaysse-Knitter dose très intelligemment pour créer des nappes harmoniques tout en demeurant clair. Car si le Szymanowski des premières années varsoviennes s’inscrit encore dans un legs post-romantique, son originalité harmonique, son esprit assoiffé de cultures multiples se font jour et sans cesse éveillent notre attention. Bientôt les voyages les plus lointains vont le confronter aux esthétiques qu’appelait son intuition, et, quoique fidèle à ses racines, il en tirera de quoi faire éclore de nouvelles étrangetés modales et des éclairages surréalistes, comme en témoigne ici la seule pièce plus tardive incluse dans ce programme, la Mazurka op.50 n°1. Le mince reproche que l’on pourrait adresser au compositeur débutant qui se cherche encore, serait de dévier parfois sans crier gare de l’homogénéité conceptuelle nécessaire à la création d’un style (dans les brillantes Variations op.3, on passe ainsi d’une ambiance Belle Époque à un pianisme issu du Carnaval de Schumann), mais – corollaire heureux – cela nous assure une telle diversité de climats que l’ennui ne menace pas un instant l’auditeur. L’homogénéité est en revanche une vertu cardinale du travail accompli par Frédéric Vaysse-Knitter sur l’art de modeler un son noble et profond qui conduit l’émotion au cœur de l’irradiation instrumentale.

Si la Fantaisie op.14 est un chef-d’œuvre de “grand piano”, l’interprétation qu’en donne l’artiste en est un autre. Quelque soit l’écriture des pièces ici réunies, il en habite l’esprit avec une emprise qui ne se relâche pas une seconde.  Sur un Yamaha CF III S favorisant des pianissimi chauds et riches, Frédéric Vaysse-Knitter timbre avec un son très prenant ce qu’il qualifie lui-même de « musique d’automne », expression profondément appropriée au caractère de ces pièces quoique paradoxale de prime abord, s’agissant du printemps d’un jeune compositeur.

Le livret inclut un entretien où l’interprète développe sa vision de Szymanowski, et la prise de son restitue fidèlement la personnalité du pianiste ainsi que son ample dynamique. Ce disque laisse une empreinte d’une qualité émotionnelle rare, et nous attendons la suite avec impatience.

 

Sylviane Falcinelli.

 

Baccalauréat 2011.  Œuvres au programme de l’Option facultative (toutes séries) et de l’Enseignement de spécialité (série Littéraire).  Album de 2 CDs Virgin Classics (www.emivirginclassics.fr) : 070193.2.6.

Année faste, puisque - en heureux complément de notre Fascicule du baccalauréat 2011 - EMI/Virgin publie une compilation des œuvres inscrites au programme…  CD 1 : Fanfare for the common man d’Aaron Copland (London Philharmonic Orchestra, dir. Carl Davis), Messe en si mineur, « Symbolum nicenum » de Jean-Sébastien Bach (Chœur & orchestre du Collegium Vocale Gent, dir. Philippe Herreweghe), Color de Marc-André Dalbavie (Orchestre philharmonique slovène, dir. Emmanuel Villaume), Music for the Funeral of Queen Mary d’Henry Purcell (Choir of King’s College Cambridge, Academy of Ancient Music, dir. Stephen Cleobury).  CD 2 : Winterreise de Franz Schubert (extraits, par Thomas Allen, baryton, & Roger Vignole, piano), Déserts d’Edgard Varèse (Ensemble instrumental de musique contemporaine de Paris, dir. Konstantin Simonovitch), Appalachian Spring d’Aaron Copland (City of London Sinfonia, dir. Richard Hickox).  Ne seriez-vous nullement concerné par l’épreuve, voilà – par les plus grands interprètes - une compilation dont vous ne pourrez faire décemment l’économie (d’autant qu’elle est vendue au plus bas prix, en achat physique ou virtuel).

 

                 

 

Jan Dismas ZELENKA (1679-1745) : Sonates en trio n°4, 5, 6, ZWV 181.  Ensemble Pasticcio Barocco.  Hérisson (www.label-herisson.com) : LH 05.  Distr. Codaex.  TT : 50’08.

Interprétées ici par, tour à tour, 2 hautbois, 1 basson, 1 contrebasse, 1 théorbe & 1 clavecin, ces Sonates (1720-1722), composées à Dresde sans que l’on en connaisse la réelle destination – on ne sait, en effet, que fort peu de choses de la vie solitaire de Zelenka – sont d’une remarquable saveur, et méritaient certes pareille mise au jour.  Mille grâces à Pasticcio Barocco.

 

 

Wolfgang Amadeus MOZART : Concerto pour piano n°22 (cadences : Edwin Fischer), Concerto pour piano n°25(cadences : Friedrich Gulda).  David Fray, piano.  Philharmonia Orchestra, dir. Jaap van Zweden.  EMI/Virgin Classics (www.virginclassics.com) : 64 1964.04.  TT : 66’04.

Internationalement reconnu depuis sa fulgurante apparition en 2008, le tout jeune David Fray interprète enfin Mozart, dont la trompeuse simplicité longtemps l’intimida et le retint de l’inscrire au programme de ses récitals.  Il est ici merveilleux d’aérienne sobriété et d’énergique élégance.

 

 

Franz SCHUBERT (1787-1828) : Winterreise D.911.  Thomas E. Bauer (baryton).  Jos van Immerseel (pianoforte Christopher Clarke, 1988).  Zig Zag Territoires (www.zigzag-territoires.com) : ZZT 101102.

Merveilleuse expressivité et velouté du timbre caractérisent l’art de Thomas Bauer.  Quant au grelottement du pianoforte, il n’est certes pas malvenu dans une telle œuvre…  Le livret inclut les poèmes de Wilhelm Müller (avec leurs traductions française et anglaise), ainsi qu’une présentation, par Thomas Bauer, du « Vrai Voyage d’hiver de Wilhelm Müller », ce grand inconnu de l’histoire littéraire allemande qu’Heinrich Heine lui-même disait être son maître.  Une publication qui sera précieuse aux candidats à l’épreuve Musique du baccalauréat 2011…

 

 

Franz SCHUBERT : Sonate « Arpeggione » en la mineur D.821 (1824).  Sonatine n°1 en ré majeur D.384 (1817).  Trio n°1 en sib majeur op.99 (1827).  Marc Coppey (violoncelle), Peter Laul (piano), Ilya Gringolts (violon).  Aeon : AECD 1095.  TT : 77’11.

La meilleure part est ici celle du violoncelle : dans la Sonate en la mineur, bien sûr, primitivement confiée à l’arpeggione, ainsi que dans la transcription de la lumineuse Sonatine n°1, originellement écrite pour le violon.  Dans le Trio n°1, lui-même, l’écriture du violoncelle est remarquablement développée.  À la différence de tant de ses confrères cellistes, Marc Coppey privilégie fluidité du discours et intensité de l’émotion sur la recherche du « beau son ».

 

 

Franz LISZT (1811-1886) : Évocation à la Chapelle Sixtine.  Œuvres sacrées pour orgue, par Marie-Ange Leurent & Éric Lebrun.  2CDs Bayard Musique : S 447989.  Distr. Rue Stendhal.  TT : 51’44 + 45’44.

Singulièrement bienvenus sont ces enregistrements d’œuvres tardives et peu connues de « l’abbé Liszt ».  Sur l’orgue Stiehr-Mockers de l’église protestante de Barr (instrument exactement contemporain de la composition des présentes pièces), les excellents Marie-Ange Leurent & Éric Lebrun nous offrent ici un florilège qui ne devrait pas manquer d’inspirer nombre de leurs collègues.  CD1 : Arbre de Noël (extraits), trois Ave Maria, oraison Les Morts (Benoît Strebler, récitant), Évocation à la Chapelle Sixtine.  CD2 : Crux ave benedicta, O Traurigkeit, O Sacrum convivium, Dante-Symphonie (extraits), Choral, Salve Regina, Angelus, oraison Les Morts (pour orgue seul).

 

 

Antonín DVOŘÁK (1841-1904) : 6^e Symphonie en ré majeur op.60 (1880).  Nocturne en si majeur op.40 (1883).  Scherzo capriccioso op.66 (1883).  Baltimore Symphony Orchestra, dir. Marin Alsop.  Naxos (www.naxos.com) : 8.570995.  TT : 68’19.

Après ses enregistrements d’anthologie des 7^e, 8^e, 9^e Symphonies et des Variations symphoniques de Dvořák, l’excellente Marin Alsop nous offre, cette fois, une fraîche et dynamique lecture de la 6^e Symphonie du grand compositeur tchèque, tant inspirée des thèmes de sa Bohème natale, non moins que de son mentor Brahms.  Le Nocturne op.40 est l’arrangement pour orchestre à cordes (en si majeur), par Dvořák lui-même, de l’Andante religioso de son 4^e Quatuor (en… mi mineur).  Égal bonheur de retrouver également, sur ce disque, le populaire Scherzo capriccioso…

 

 

Erica MORINI (1905-1995), célèbre violoniste autrichienne, interprète Tchaïkovski, Tartini, Vivaldi, Kreisler, Brahms, Wienawski.  RIAS Symphonie Orchester, dir. Ferenc Fricsay.  Michael Raucheisen (piano).  Audite (www.audite.de) : 95.606.  TT :72’14.

Enfant prodige, Erica Morini se produisait, dès 1921, au Carnegie Hall de New York.  Son présent enregistrement du Concerto de Tchaïkovski (enregistré live, en 1952, à Berlin) est demeuré légendaire.  L’extrême raffinement de son jeu ne fait pas moins merveille dans les pièces de virtuosité, accompagnées au piano par Michael Raucheisen : Sonate en sol mineur et Variations Corelli de Tartini, Sonate en ré majeur de Vivaldi, Schön Rosmarin et Caprice viennois de Kreisler, Valse op.39 de Brahms et Capriccio-Waltz de Wienawski.  Une opportune réédition.

 

 

Leoš JANÁČEK (1854-1928) : Quatuors à cordes n°1 et 2.  Mandelring Quartett, Gunter Teuffel (viole d’amour).  Audite (www.audite.de) : 92.545 (SACD).  TT :67’14.

Témoignages de la parfaite indépendance du compositeur - non moins que de ses sentiments amoureux -, ces deux Quatuors comptent parmi les chefs-d’œuvre de la musique de chambre du XX^e siècle.  Heureuse initiative des Mandelring de donner ici le 2^e Quatuor dit « Lettres intimes », en ses deux versions : l’une avec alto, l’autre – telle que l’avait conçue Janáček - avec viole d’amour.

 

 

Dimitri CHOSTAKOVITCH  (1906-1975) : 10^e Symphonie en mi mineur op.93 (1953).  Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, dir. Vasily Petrenko.  Naxos (www.naxos.com) : 8.572461.  TT : 52’11.

Réputée quasi autobiographique, la monumentale 10^e Symphonie de Chostakovitch est l’une de ses œuvres majeures.  Reçue triomphalement par le public, elle fut violemment critiquée par les instances politiques et ce, malgré la disparition de Staline quelques mois avant la création de l’œuvre à Léningrad, le 17 décembre 1953. 

 

 

 

 

Bernard CAVANNA : Shanghaï Concerto.  Trois Strophes sur le nom de Patrice Lumumba.  Karl Koop Konzert (1CD / TT : 65’26).  La peau sur la table (1DVD / TT : 1h39’33).  Firme Aeon (www.aeon.fr) : AECD 1104.

Shanghaï Concerto (2009) est un double concerto, pour violon, violoncelle & orchestre.  Trois Strophes sur le nom de Patrice Emery Lumumba (2008) est écrit pour alto & ensemble instrumental.  Karl Koop Konzert (2007) est une « Comédie pompière, sociale et réaliste » pour accordéon & orchestre.  Orchestre national de Lille / Ensemble 2e2m.  TT : 65’26.

La peau sur la table (2010) est un portrait filmé du compositeur, réalisé par Delphine de Blic (TT : 1h39’33).  CD/DVD Aeon (www.aeon.fr) : AECD 1104.

Extraordinaire ensemble qui permettra, à bien des mélomanes, de découvrir l’un de nos plus originaux et… sincères – serait-ce dans la joyeuse provocation – compositeurs de notre temps.  En particulier, tout au long d’un film (Prix Sacem du documentaire musical de création, 2010) remarquablement conçu et monté, émaillé de séquences musicales et de passionnants entretiens avec H. Dutilleux, G. Aperghis, G. Condé, J. Rebotier, V. Manac’h…

 

 

Ramon LAZKANO (°1968) : Hauskor(2006) pour 8 violoncelles & orchestre.  Ortzi Isilak (2005) pour clarinette & orchestre.  Ilunkor (2001) pour orchestre.  Cello Octet Amsterdam.  Ernesto Molinari, clarinette.  Orchestre national basque, dir. Johannes Kalitzke.  Kairos (www.kairos-music.com) : 0012992KAI.  TT : 54’53.

Conçue davantage dans le son qu’avec des sons, la musique du donostiarra (originaire de San Sebastián) Ramon Lazkano combine des matériaux athématiques - pulvérisés, éruptifs ou fusionnels.  Enchevêtrements sonores auxquels on ne peut que douloureusement s’arracher…

 

        

 

David POGUE & Scott SPECK : La musique classique pour les nuls.  Adaptation française du livret (First Editions) : Claire Delamarche.  6 CDs, 147 titres, 7h de musique.  EMI/Virgin Classics (www.emivirginclassics.fr) : 648 144.2.1.

Seriez-vous grand érudit, le rapport qualité/prix du présent coffret ne pourra que vous séduire – sous réserve de ne pas lire les commentaires d’un livret en trop parfait accord avec l’intitulé de la chose (100 p.).  CD1 : Moyen Âge, Renaissance, Baroque (grégorien, Palestrina, Lully, Rameau, Bach, Vivaldi, Haendel...).  CD2 : Style classique (Haydn, Mozart, Boccherini, Beethoven…).  CD3 : Essor du romantisme (Schubert, Weber, Chopin, Liszt, Mendelssohn, Rossini…).  CD4 : Apogée du romantisme (Wagner, Brahms, Mahler, Dvořák, Puccini, Verdi…).  CD5 : Musiques nationales (russe, française, espagnole).  CD6 : Vers la modernité (R. Strauss, Satie, Ravel, Stravinsky, Prokofiev, Gershwin, Barber, Dutilleux…).  Avec le concours des plus grands interprètes…

 

 

Scott WHEELER (°1952).  Wasting the Night : Songs.  Susanna Phillips (soprano), Krista River (mezzo-soprano), Joseph Keiser (ténor), William Sharp (baryton).  Donald Berman (piano).  « American Classics », Naxos (www.naxos.com) : 8.559658.  TT : 72’07.

Né au sein d’une famille de musiciens, Scott Wheeler (www.scottwheeler.org) intégra, tout d’abord, divers groupes de rock avant d’écrire, dans les années 70 - sous l’influence de Schoenberg -, ses premières œuvres pour le concert ; puis de découvrir Schumann, Fauré et… Virgil Thomson, dans la filiation duquel il s’inscrit clairement.  Le présent album de mélodies accompagnées au piano est une parfaite introduction à l’art d’un musicien, par ailleurs auteur d’opéras à succès tels que : The Construction of Boston ou Democracy (commande de Plácido Domingo).  Sur des poèmes d’Emily Dickinson, William Blake, R. M. Rilke, Hugh Auden, etc., sont ici réunis six petits cycles : Serenata (1993), Sunday Songs (1999), Heaven and Earth (2007), Singing to Sleep (1984), Wasting the Night (1990), Turning Back (2007) et deux mélodies isolées : Litany (2006) et Mozart, 1935 (1997).  Révélation, pour nous, d’un vrai mélodiste, sachant magnifiquement écrire pour la voix.

 

 

Loreena McKENNITT : The wind that shakes the barley.  Quinlanroad (www.quinlanroad.com) :QRCD 114.  Distr. : Keltia Musique (tél. : 02 98 95 25 20. www.keltiamusique.com).

Entourée de ses habituels collaborateurs (le violoniste Hugh Marsh, la violoncelliste Caroline Lavelle, le guitariste Brian Hugues et le vielliste à roue Ben Grossman, plus une dizaine d’excellents musiciens traditionnels), l’envoûtante Loreena McKennitt interprète ici, dans ses propres arrangements, huit mélodies celtiques : As I roved out / On a bright may morning / Brian Boru’s march / Down by the Sally gardens / The star of the ciounty down / The wind that shakes the barley / The death of queen Jane / The parting glass.  Plus l’une de ses propres compositions, The emigration tunes (sur l’histoire irlando-canadienne autour de la famine de 1840).  Un bienvenu retour à ses racines d’une artiste fort justement appréciée en tous pays (14 millions d’albums vendus, à ce jour).

 

 

« Songs », Comédies musicales.  Ensemble Contraste (www.contrastezvous.com).  Distr. Naïve (www.naive.fr).

Où est joyeusement revisité l’univers des comédies musicales anglo-saxonnes et françaises.  Avec Arnaud Thorette (alto & direction artistique), Johan Farjot (piano, arrangements & direction musicale), Pierre Fouchenneret (violon), Antoine Pierlot (violoncelle), Raphaël Imbert (saxophone), Karol Beffa (improvisations au piano) et, notamment… Karine Deshayes !  Avec la complicité de Sandrine Piau, Magali Léger, Sébastien Droy, Sébastien Guèze, Alain Buet - non moins que de Rosemary Standley, Emily Loiseau, Isabelle Georges et Albin de la Simone.  Dix-neuf plages d’un bonheur sans nuage !

 

Francis Gérimont.

 

Johann Sebastian BACH : Weihnachts Oratorium, BWV 248.  Carolyn Sampson, Wiebke Lehmkuhl, Martin Lattke, Wolfram Lattke, Konstantin Wolff.  Dresdner Kammerchor. Gewandhausorchester, dir. Riccardo Chailly. 2CDs Universal/Decca : 478 2271. TT : 69'15 + 63'07.

Composé par le Cantor en 1734, l'Oratorio de Noël se présente comme une série de six cantates pour le jour de Noël et les deux suivants, le Jour de l'An, le jour de la fête du Saint Nom de Jésus et le jour de l'Épiphanie.  Bach y réemploie des morceaux tirés de cantates profanes antérieures qu'il modifie quelque peu pour leur donner un accent plus religieux : changement d'instrument d'accompagnement, ajout de liaisons nouvelles et d'appogiatures.  Chaque volet est doté d'un climat particulier dû à une instrumentation spécifique.  Ainsi, alors que chacune de ces parties s'ouvre sur un chœur, la deuxième est préludée par une sinfonia, sorte de pastorale qui fait penser à Haendel.  Mais une unité de construction les unit : l'intervention de l'Évangéliste, comme dans les Passions, l'interruption du récit biblique par des épisodes lyriques confiés aux solistes ou au chœur.  Le traitement des chorals est particulièrement riche. Même si le langage mélodique reste austère, il s'enrichit de quelques traits originaux, telle une aria de soprano avec hautbois obligé qu'agrémentent des effets d'écho de la voix et de l'instrument.  La présente interprétation, saisie en concert en janvier 2010, se distingue par la belle patine d'un orchestre illustre, le Gewandhaus de Leipzig, dans une formation peu nombreuse.  La sonorité en ressort épurée, les bois en particulier, et ne fait pas regretter les instruments d'époque.  Riccardo Chailly livre une exécution d'une grande sobriété de ton et d'une belle souplesse de phrasé.  Ce que l'on retrouve dans la ligne des solistes vocaux, jeunes voix, mais dotées d'une ferveur certaine, et dans la contribution du chœur de chambre de Dresde.

 

 

Maurice RAVEL : Daphnis & Chloé.  Pavane pour une infante défunte.  Boléro.  London Symphony Chorus, London Symphony Orchestra, dir. Valery Gergiev.  LSO Live : LSO0696.  TT : 78'36.

On savait, depuis des exécutions d'anthologie avec Pierre Monteux que les musiciens du LSO possédaient le vrai son gallique.  Rien de plus vrai encore aujourd'hui sous la conduite de leur chef attitré, Valery Gergiev.  Car voici un généreux disque Ravel à marquer d'une pierre blanche en termes de plasticité orchestrale.  Si la Pavane, prise très lent, libère une grâce par trop monotone, un brin complaisante, le tempo très allant du Boléro contribue à en dégager l'effet lancinant puis enivrant, ce côté machine infernale d'un long crescendo s'amplifiant en intensité sur un rythme immuable.  Le morceau de choix reste la grande fresque de Daphnis et Chloé.  Comme le confessait son auteur, la référence à la danse passe au second plan et sa « symphonie chorégraphique » est, de façon ostentatoire, symphonique.  Le chef qui se souvient combien Ravel doit ici aux musiciens russes, privilégie les lignes claires et nettes, ménageant les évolutions de sonorité, pour décrire l'immensité du paysage sonore, les effets de lointain ou, au contraire, la digression plus intimiste.  L'atmosphère se fait dégagée, mystérieuse, parfois languissante (danse suppliante de Daphnis) et contrastée (une danse guerrière éclatant d'énergie, scandée avec insistance).  Gergiev façonne le son avec délectation, non sans gourmandise et glorifie la formidable orchestration ravélienne, tout comme l'art suprême de la transition et des changements de climats.  L'éventail dynamique est large, cordes ppp, bois effleurés, fiers éclats des cuivres.  L'évocation sonore trouve sa plus somptueuse expression dans le frémissant Lever du jour, et sa frénétique apogée lors de la Bacchanale finale.  Le fini sonore de l'orchestre est enthousiasmant : élégance instrumentale, des bois en particulier (un envoûtant solo de flûte, malgré le tempo retenu adopté par le chef), transparence de la texture, extrême souplesse du rythme.

 

 

Carl NIELSEN : Symphonies n°4 « L'inextinguible » & n°5.  London Symphony Orchestra, dir. Sir Colin Davis.  LSO Live : LSO0694.  TT : 66'38.

Après s'être consacré à Sibelius, par trois fois au disque, Sir Colin Davis y défend maintenant Nielsen.  Tout comme le finlandais, le compositeur danois (1845-1931) fait figure de musicien national.  Encore que sa conscience nationale diffère sensiblement de celle de ses contemporains.  Issu d'une famille de paysans de l'île de Fionie, il possédait naturellement la fibre culturelle de son pays.  La simplicité rustique, on la trouve dans sa musique intimement mêlée à une veine plus intellectuelle car la culture de Nielsen était ouverte sur le monde. L'univers de ses symphonies est fait d'atmosphères contrastées.  La Quatrième (1914-1916) reflète les préoccupations tant du musicien que de l'homme.  Son titre « L'inextinguible » exprime, selon lui, « la volonté élémentaire de la vie ».  D'où l'élan irrépressible qui la parcourt à travers ses quatre parties que relient de subtils enchaînements, et jouées d'un seul tenant.  Une vision de chaos caractérise les mouvements extrêmes, lutte entre espoir et résolution, surtout au finale émaillé de deux batteries de timbales rageuses et de cuivres fiers luttant contre la masse du reste de l'orchestre, comme une tentative d'écrasement.  Un intermède rustique dominé par les bois semble vite s'évanouir pour laisser place à un poco adagio privilégiant les cordes, mais vite traversé de tensions. La Cinquième, qui date des années 1920-1922, est elle aussi une « symphonie de guerre », selon le chef Simon Rattle ; car, là encore, le climat est empreint de tensions paroxystiques malgré le calme apparent sur lequel s'ouvre le premier mouvement et la vaste mélodie de l'adagio bientôt secoué de soubresauts de la caisse claire et de cuivres élargissant l'ambitus sonore.  Le troisième et dernier donne aussi libre cours à des déferlements énergiques alternant avec des pages plus apaisées.  Le LSO est glorieux, et pas seulement ses percussionnistes, sous la conduite de Sir Colin qui offre une démonstration de musique combien chargée de sens.

 

 

Alfred Brendel : A Birthday Tribute.  Johannes BRAHMS : Concerto pour piano n°1, op. 15.  Wolfgang Amadeus MOZART : Concerto pour piano n°25, KV 503.  Ludwig van BEETHOVEN : Sonate pour piano n°31 op.110.  Franz SCHUBERT : Impromptu D935 n°1.  Alfred Brendel, piano.  Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, dir. Sir Colin Davis (Brahms).  SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg, dir. Hans Zender (Mozart).  2CDs Universal/Decca : 478 2604. TT : 50'54 + 63'32.

Inédites au disque, ces exécutions de concert, exhumées d'archives de radio à l'occasion du 80^e anniversaire du grand Alfred Brendel, ont reçu son imprimatur.  Un programme bien dans la manière du pianiste puisque rapprochant ses auteurs de prédilection Mozart, Beethoven, Schubert, auxquels est ici associé Brahms.  Le 1^er Concerto op.15 marque le triomphe du romantisme de la première période, dite nordique, de Brahms, d'une rudesse tourmentée.  Il est ici servi par une vision grandiose (captée à Munich en 1985) que souligne le tempo très mesuré qu'adopte Colin Davis d'entrée de jeu, qui ne se relâchera qu'au rondo final.  La densité sonore du tissu orchestral pare le maestoso introductif d'une aura de gravité et le soliste s'y fait hiératique dans ce jeu si typiquement mêlé à l'orchestre.  Il devient contemplatif à l'adagio où se mêlent rêverie sereine et tendresse rustique.  Le rondo final sera d'une exubérance, là encore, toute mesurée.  Ce qui frappe aussi, c'est la qualité de la prise de son, le piano idéalement intégré au sein de l'orchestre. Une balance piano-orchestre d'ailleurs approuvée par le pianiste, comparée à telle autre interprétation en studio.  La même impression d'immédiateté sonore se dégage de l'exécution du Concerto n°25 de Mozart (saisie à Baden-Baden en 2002), en particulier lors des dialogues, si importants dans cette pièce, entre soliste et instruments à vent.  Alfred Brendel en donne une exécution miraculeuse qui laisse s'épancher la profonde humanité baignant ces pages, sorte de confidences de l'âme.  De la subtile entrée du piano, sur la pointe des pieds, après un début allegro en fanfare qui vire bientôt à la déclamation opératique, au sombre dialogue entre soliste et bois à l'andante dont les thèmes s'interpénètrent en forme de mélodie continue, au finale enfin, tout d'élan passionné, le jeu du pianiste enthousiasme par son extrême fluidité, son délicat humour, sa vraie tendresse.  À ces deux exécutions concertantes sont adjointes deux pièces instrumentales (live à Salzburg, 2007). De cette exécution de la Sonate op. 110 de Beethoven, Brendel avoue que « c'est celle-ci qui est la plus chère à mon cœur ».  De fait, l'art de traduire ses climats si élusifs est magistral, notamment au sublime adagio.  L'Impromptu D935 n°1, donné en bis lors du même concert, livre cet ondoiement singulier dont se détachent quelques beaux thèmes d'une fantaisie expressive qui forment la quintessence de l'art de Schubert.  Il scelle aussi cette approche intime et naturelle qui caractérise la manière d'un de ses plus distingués interprètes.

 

 

Neujahrs Konzert 2011. Johann STRAUSS II : Reitermarsch, op.428, Donauweibchen, valse op.427, Amazonen-Polka, op.9, Debut-Quadrille, op.2, Muthig voran! Polka schnell, op.432, Ritter Pásmán, Csárdás op.141, Abschied-Rufe, valse op.179, Spanischer Marsch op.433, An der schönen, blauen Donau, valse op.314.  Johann STRAUSS I : Furioso-Galopp nach Liszt's Motiven, op.114, Cachucha-Galopp, op.97, Radetzky-Marsch, op.228.  Joseph LANNER : Die Schönbrunner, valse op.200.  Franz LISZT : Mephisto-Waltzer, n°1.  Joseph STRAUSS : Aus der Ferne, Polka-Mazur, op.270, Mein Lebenslauf ist Lieb' und Lust, valse op.263.  Eduard STRAUSS : Ohne Aufenthalt, Polka schnell, op.112.  Joseph HELLMESBERGER II : Die Perlen von Iberien, Zigeunertanz. Wiener Philharmoniker, dir. Franz Welser-Möst.  2CDs Universal/Decca : 478 2601. TT : 46'19 + 54'54.

Depuis Nikolaus Harnoncourt (2001, 2003), le Concert du Nouvel An n'avait pas été dirigé par un chef autrichien.  Franz Welser-Möst, tout juste la cinquantaine, est déjà au faîte d'une enviable carrière internationale. Après la direction musicale de l'Opernhaus de Zurich ne vient-il pas de prendre celle de l'Opéra de Vienne ! Choisi, pour la première fois, pour conduire l'incontournable événement musical - le 70^e du nom - rajeunissant enfin la vénérable institution, le chef réussit l'exercice.  Alors qu'il ne néglige pas les standards obligés, son programme offre bien des nouveautés.  Plusieurs thèmes s'y côtoient : un florilège de pièces tirées de l'opérette Simplicius de Johann Strauss II, que le chef a naguère contribué à ressusciter scéniquement à Zurich ; un hommage à Liszt, anniversaire oblige, avec une exécution flamboyante de sa Méphisto Valse n°1, encadrée par des morceaux dédiés au pianiste virtuose par Strauss, père (un Furioso-Galopp haletant) et fils (une valse des Cris d'adieu, vrai déchirement sentimental) ; quelques morceaux hispanisants enfin, dont la couleur pare le concert d'un amusant parfum exotique, ibérico-hongrois dans le cas de la danse tzigane Les Perles d'Ibérie de Hellmesberger, qui scelle aussi l'évolution du style viennois vers une brillance plus marquée.  On se délecte d'un assortiment savamment concocté de valses, polkas, marches, galops et autres quadrilles, venus si aisément sous la plume de la prolifique dynastie des Strauss, père, fils, frères, et à ses épigones comme Joseph Lanner.  Le concert du Nouvel An est une affaire avec laquelle on ne plaisante pas : plus que brillantes, ces musiques laissent percer à l'occasion quelque gravité.  Comme bien souvent, l'intensité croît au fil du concert pour atteindre bientôt son juste apogée.  La manière de Welser-Möst est naturelle, ample, souplement articulée à l'aune de ce « je ne sais quoi » typiquement viennois qui marque la retenue sur le premier temps de la valse, débutée lentement pour se rythmer peu à peu et se faire expansive dans le développement.  Le chef maîtrise l'art de construire le morceau pour donner le sentiment que chaque répétition du thème offre quelque chose de nouveau.  Il sait ménager l'effet de surprise et apporter ce zeste qui confère à la polka rapide son irrésistible élan.  L'empathie est certaine avec les Viennois qui subliment leur jeu.

 

 

Mélodies… Claude DEBUSSY, Emmanuel CHABRIER, Camille SAINT-SAËNS, Henri DUPARC, Reynaldo HAHN, Maurice RAVEL.  Stéphane Degout, baryton.  Hélène Lucas, piano.  Naïve : V 5209.  TT : 74'19.

Le baryton Stéphane Degout, il y a peu un idéal Pelléas, livre aujourd'hui un impressionnant récital de mélodies françaises.  Ce genre si subtil, il l'investit avec un rare bonheur, persuadé qu'il est d'un intérêt vital pour lui de s'y consacrer au même titre qu'à la scène ; un art, certes, moins accaparant que celle-ci, mais pas moins exigeant car, là, il faut être soi-même.  Il le cultive depuis ses débuts et la rencontre d’Hélène Lucas, chef de chant au Conservatoire de Lyon, et de Ruben Lifschitz qui y animait une classe d'interprétation sur le Lied.  C'est vers eux qu'il s'est tout naturellement tourné pour préparer ce programme.  Nul doute que l'éloquence du résultat sanctionne le formidable travail accompli en amont.  Le choix des pièces, pour beaucoup méconnues, est intéressant.  Ainsi en est-il des mélodies persanes de Saint-Saëns, d'un orientalisme discret, des délicates pochades de Chabrier dont le style est si proche de ses compositions pianistiques, ou encore des pièces de Reynaldo Hahn qui n'a pas son pareil pour passer, en deux strophes, de l'insouciance au drame.  Bien sûr, le Duparc de La vie antérieure ou le Debussy des Trois Ballades de François Villon transportent sur d'autres cimes, plus fascinantes encore.  L'interprétation est marquée au coin de l'intelligence, de l'émotion discrète, de l'intimité entre texte et musique.  Le timbre clair, proche de celui de « baryton Martin », qui se fait caressant dans la nuance piano ou solaire dans le forte, offre à la modulation lyrique une large palette de couleurs.  Le naturel de la diction, dépourvue d'affectation, va de pair avec la justesse de ton pour animer ces scénettes qui, dans leur brièveté, en disent long sur la poétique littéraire sous-jacente.  Les Histoires naturelles de Ravel en offrent un parfait exemple : une déclamation d'une vraie simplicité, proche des inflexions du langage parlé, épousant étroitement les pages subtiles imaginées par l'auteur de La Valse pour mettre en musique la prose quelque peu prosaïque du bestiaire de Jules Renard.  On ne saurait mieux en traduire l'exquise poésie, la secrète facétie, le climat suggestif.  Hélène Lucas, avec laquelle le chanteur fait désormais équipe en concert, est le révélateur de cette vocalité lumineuse : les climats choisis que prodigue son piano, qu'il sonne quasi orchestral ou comme murmuré, sont pur raffinement.

 

 

DVDs

André Ernest Modeste GRÉTRY : L'Amant jalouxou Les fausses apparences.  Comédie mêlée d'ariettes en trois actes.  Livret de Thomas d'Hèle.  Magali Léger, Claire Debono, Maryline Fallot, Frédéric Antoun, Brad Cooper, Vincent Billier.  Le Cercle de l'Harmonie, dir. Jérémie Rhorer.  Mise en scène : Pierre-Emmanuel Rousseau.  DVD Opéra Comique/Wahoo : WAH 001.  TT : 1H20.

L'Amant jaloux est un exemple de ce qu'on appelle le genre du demi-caractère dans l'opéra-comique : un mélange de chant et de déclamation ; les airs de facture brève, ou ariettes, s'enchaînant souvent directement à l'intermède parlé qu'ils complètent harmonieusement sans l'ombre d'une rupture.  Le prétexte est ici une comédie plutôt légère en forme de marivaudage amoureux.  La présente production, captée dans le bel écrin de l'Opéra royal de Versailles - où la pièce fut créée en 1778 - joue des ressorts sans surprise de la comédie baroque.  La mise en scène de Pierre-Emmanuel Rousseau, qui se veut reconstitution éclairée, n'échappe pas au convenu des situations.  Il n'est pas si aisé de traiter une action dont le sous-entendu des sentiments est le seul moteur.  Elle n'en dispense pas moins des tableaux bien léchés grâce à un joli décor de toiles peintes, de rassurants effets de symétrie et d'agréables perspectives classiques.  Les costumes y apportent une riche palette de couleurs.  Tous éléments auxquels rend justice une prise de vue limpide et naturelle.  La direction de Jérémie Rhorer souligne ce que la musique a d'inventif dans le traitement instrumental, mais aussi dans la vivacité des ensembles.  La distribution, jeune et agréable à voir, rencontre chez les dames quelques problèmes d'intonations.  C'est que la ligne de chant n'est pas toujours aisée à négocier dans ses postures acrobatiques.  Quoi qu'il en soit, une intéressante réhabilitation.

 

Jean-Pierre Robert.

 

Exceptionnel est l’hommage ici rendu par EuroArts (www.euroarts.com) & Medici Arts (www.mediciarts.tv), à l’homme et grand musicien qu’est Daniel Barenboim.  En 11 DVDs live :

BEETHOVEN : Concertos pour piano & orchestre.  Live from the Klavier-Festival Ruhr (mai 2007).  Staatskapelle Berlin, piano & direction : D. Barenboim.  2DVDs EuroArts : 2056779.  TT : 114’ + 84’.

 

 

FALLA : El Sombrero de tres picos.  Debussy : La Mer.  BOULEZ : Notations I-IV.  Bonus : Conversation Barenboim/Boulez.  Live from the Musik Triennale Köln (avril 2000).  Elisabete Matos (mezzo-soprano).  Chicago Symphony Orchestra, dir. D. Barenboim.  DVD EuroArts : 2050136.  TT : 90’ + 20’ (bonus).

 

 

BEETHOVEN : Ouverture Leonore n°3.  BOTTESINI : Fantaisie sur des thèmes de Rossini.  BRAHMS : 1^re Symphonie.  Live from the Alhambra, Granada (août 2006).  Kyril Zlotnikov (violoncelle), Nabil Shehata (contrebasse).  West-Eastern Divan Orchestra, dir. D. Barenboim.  DVD EuroArts/Arte Edition : 2055538.  TT : 85’.

 

 

BRAHMS : 1^er Concerto pour piano.  1^er Quatuor avec piano (orchestration : Arnold Schoenberg).  Live from Europa-Konzert, Odeon, Athens (mai 2004).  Bonus : The European Concert in Olympic Athens.  Daniel Barenboim, piano.  Berliner Philharmoniker, dir.  Sir Simon Rattle.  DVD EuroArts : 2053659.  Tt : 127’.

 

 

Invitation to the Dance.  Concert du Nouvel An, 2002.  Œuvres de : Bach, Mozart, Verdi, Dvořák, Tchaikovsky, Sibelius, Strauss II, Kodály, Brahms, Salgán, Abreu/Oliveira, Carli.  Live from the Philharmonie, Berlin (décembre 2001).  Berliner Philharmoniker, dir. D. Barenboim.  DVD Medici Arts : 2051849.  TT : 97’.

 

 

BEETHOVEN : IX^e Symphonie.  Ouverture Leonore n°3.  Live from the Philharmonie, Berlin (août 2006).  Angela Denoke (soprano), Waltraud Meier (mezzo-soprano), Burkhard Fritz (ténor), René Pape (basse).  Chor der Deutschen Staatsoper Berlin &  West-Easterne Divan Orchestra, dir. D. Barenboim.  DVD Medici Arts : 2055528.  TT : 96’.

 

 

WAGNER : Les Maîtres Chanteurs de Nuremberg (Prélude du III^e acte).  ELGAR : Concerto pour violoncelle.  BRAHMS : 1^re Symphonie.  Live from the Sheldonian Theatre, Oxford (mai 2010).  Alisa Weilerstein (violoncelle).  Berliner Philharmoniker, dir. D. Barenboim.  DVD EuroArts : 2058068.  TT : 89’.

 

 

MOZART : Symphonie n°35 « Haffner ».  Symphonie n°36 « Linz ».  Concerto pour piano n°22.  Concerto pour cor n°1.  Bonus : Un portrait culture de Prague.  Live from the Estates Theatre, Prague (mai 2006).  Radek Baborák (cor).  Berliner Philharmoniker, piano & direction : D. Barenboim.  DVD EuroArts : 2055308.  TT : 118’.

 

 

The Liszt Recital from La Scala.  Live (mai 2007).  Sonnets de Pétrarque n°47, 104, 123.  Après une lecture de Dante.  Saint-François d’Assise, la prédication aux oiseaux.  Paraphrases de concert d’Aïda, Le Trouvère, Rigoletto.  Daniel Barenboim, piano.  DVD Medici Arts : 2056748.  TT : 86’.

 

 

Tango Argentina.  Live from Buenos Aires (décembre 2006).  Œuvres de : Piazzolla, Salgán, Gardel, Bardi, Sarli, Rodríguez, Caro, Expósito, Le Pera.  Bonus : Galerie de peintures.  Orquesta Filarmónica de Buenos Aires.  Leopoldo Federico y su Orquesta Típica.  Carlos Gari (bandonéon).  Mora Godoy & Junior Cervila (danseurs).  Direction : D. Barenboim.  DVD EuroArts/Arte Edition : 2055868.  TT : 96’.

 

Francis Gérimont.

 

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