Admirable Sol Gabetta !

Orchestre National de France, dir. David Afkham. Auditorium de Radio France

« Soirée maritime » au grand Auditorium de Radio France, avec un programme particulièrement intéressant centré sur le thème de la mer, convoquant successivement Ravel, Elgar, Britten et Debussy. Une barque sur l’océan de Ravel pour ouvrir ce concert. Une œuvre composée initialement pour piano en 1904, orchestrée en 1906 et créée en 1907 par l’Orchestre Colonne dirigé par Gabriel Pierné. Une partition très narrative toute habitée par le balancement continu de la houle qui se fait progressivement tempétueuse où l’on peut noter immédiatement la richesse et la délicatesse de l’orchestration typiquement ravélienne (glissandos de harpes et scintillements des bois). Le Concerto pour violoncelle et orchestre d’Edward Elgar lui faisait suite. Composé en 1919 lors de la convalescence du compositeur dans le Sussex, au bord de mer. Concentré du style « elgarien » fait de facilité mélodique, d’intensité émotive, de couleurs brillantes et d’intériorité, un concerto célèbre que la celliste argentine servit avec son brio habituel où se mêlèrent intimement lyrisme, fougue et virtuosité dans une admirable lecture marquée du sceau de la sincérité, très engagée, en symbiose totale avec l’orchestre, arguant d’une belle sonorité ronde et alternant avec le plus bel à propos de subtiles nuances, tantôt sobrement méditatives, tantôt violentes, ailleurs énigmatiques ou élégiaques avant que le chant du violoncelle ne

Poursuivant la tradition qu’il a, pour le temps de l’Avent et de Noël, lancée à l’Église Protestante Allemande de Paris, Thibault Lam Quang et son remarquable Chœur de chambre Les Temperamens Variations ont proposé 3 Cantates de l’Oratorio de Noël (BWV 248). Les Concerts ont eu lieu les 3 et 4 décembre 2016 avec le soutien de l’Ambassade de la République Fédérale d’Allemagne, de l’Association Pro Musica (Église allemande) et de la Neue Bach Gesellschaft. Dès l’introduction, la première Cantate Jauchzet, frohlocket a créé l’atmosphère fracassante, irrésistible et éclatante de joie émanant de cette œuvre interprétée pour la première fois à Leipzig, le jour de Noël 1734. Réalisant un « son » exceptionnel, les choristes — attentifs au moindre des gestes très étudiés de leur chef — se sont imposés non seulement par une prononciation allemande et une diction impeccables tenant scrupuleusement compte des accents principaux et secondaires, mais encore par leur force de persuasion très contagieuse.
Protagoniste principal, l’Évangéliste Jan Hübner (ténor) a su trouver les accents justes pour, du haut de la chaire, animer le récit chanté (d’après Luc, 2, v. 1-6, puis 7), insister sur les mots importants ; au fil de l’action, il suscita aussi bien l’émotion que l’intériorité et la joie.

Grandes héroïnes françaises des XVIIè et XVIIIè siècles

Pour leur concert parisien au Théâtre des Champs Elysées, le Concert d'Astrée et leur cheffe Emmanuelle Haïm avaient convié Magdalena Kožená. Pour un voyage au cœur des grandes tragédies françaises de Rameau et de Charpentier. Et au fil d'un programme fort adroitement conçu en quatre « suites » ou concentré des opéras célèbres que sont Hippolyte et Aricie, Dardanus, Médée et Les Indes galantes. Découpage ayant en outre pour avantage de replacer les airs dans leur contexte et de les faire précéder d'extraits purement instrumentaux significatifs. Le baroque français est pour la mezzo-soprano Magdalena Kožená un domaine bien connu, qui lui avait valu une première collaboration avec Emmanuelle Haïm en 2015 autour de la thématique « Médée trahie ». On se souvient aussi d'une interprétation scénique de l'héroïne de Charpentier au Théâtre de Bâle en 2015 (cf. NL de 2/2015). Cette soirée de concert, elle la vouait à ces femmes tragiques hors norme chantant un amour démesuré teinté tour à tour de fureur et de désespoir, de haine ou d'infinie tendresse, à l'aune de ce vers de Dardanus « Cesse cruel amour de régner sur mon âme ». Elle s'ouvrait par la « suite » d'Hippolyte et Aricie qui donnait à entendre l'Ouverture puis diverses danses entrecoupées de trois airs. Kožená s'y révèle grandiose : déclamation assurée, diction impeccable, en particulier dans les deux airs de Phèdre.

Pour sauver La Petite Bande

Fondée en 1972, à l'initiative du label Deutsche Harmonia Mundi, La Petite Bande s'est vite inscrite dans le paysage baroque européen. Ses multiples enregistrements dont l'intégrale des cantates de Bach ou, par deux fois, les Concertos Brandebourgeois, et ses innombrables concerts ont mis à l'honneur une interprétation historique revisitée qui connait peu d'équivalents actuellement. Ses caractéristiques : la pratique d'une technique de violon baroque sans mentonnière, le choix d'un instrument par partie, l'introduction d'instruments originaux comme le violoncello da spalla, c'est à dire joué à l'épaule, l'instrument étant disposé en bandoulière. A noter encore le fait pour un même musicien de pratiquer plusieurs instruments, comme le violon et la viole de gambe, l'alto et le violoncelle d'épaule, la flûte traversière et le traverso. Au milieu de ceux de la première heure, comme les membres de la famille Kuijken, on remarque quelques jeunes pousses dont le talent n'a rien à envier à celui de leurs aînés. Mais cette merveilleuse institution, basée à Louvain, connait une situation précaire depuis que les autorités belges lui ont coupé toutes subventions. Leur ''concert de soutien'' donné à la Salle Gaveau était l'occasion d'un fund raising, les musiciens jouant gratuitement et les bénéfices de la billetterie étant destinés à renflouer les caisses. L'évènement avait attiré un public fort nombreux, pour ne pas dire une salle comble.

LES PIANISSIMES

Mercredi 7 décembre 2016
Couvent des Récollets
148 rue du Fbg St Martin 75010 Paris

Duo Jatekok
  Deux jeunes et talentueuses pianistes face à face sur un double piano Pleyel ce n’est pas tous les jours que l’on peut apprécier ce genre de récital. Olivier Bouley a réussi à dénicher cet instrument, devenu une pièce de musée, en Haute Alsace. Comme deux sœurs Naïri Badal et Adélaïde Panaget jouent ensemble depuis presque dix ans. Pour le concert aux Récollets elles ont conçu un récital très classique dans le choix des œuvres. Claude Debussy « Prélude à l’Après-Midi d’un Faune », « Points on Jazz » de Dave Brubeck, la « Rhapsodie Espagnole » et « La Valse » de Maurice Ravel et une partie de « West Side Story » de Léonard Bernstein. La danse et ses différentes facettes étaient leur fil rouge. Tantôt l’une, tantôt l’autre jouait la partie orchestrale de la transcription. Energie, tendresse, vélocité, sincérité, joie de jouer sont les maîtres mots de ce récital et de ce duo. L’avantage que l’on a aux Récollets c’est que nous sommes dans le piano et on peut mieux remarquer la complexité de certaines transcriptions. « West Side Story » par exemple n’est pas qu’une simple musique de comédie musicale mais Bernstein s’est nourri de la musique contemporaine pour l’écriture de certains morceaux dont l’ouverture, la Transcription de « La Valse » écrite par Ravel lui-même est d’une complexité inimaginable lorsque l’on voit ces deux artistes l’interpréter. On aurait voulu les entendre dans un répertoire plus contemporain, elles nous ont mis l’eau à la bouche. En bis elles ont interprété une transcription d’une cantate de Bach faite par Kurtag d’une grande intériorité et une vertigineuse et endiablée interprétation d’ « America » extrait de West Side Story. Au plaisir de vous réentendre mesdemoiselles !
Le 13 janvier un nouveau récital Pianissimes est offert au Musée Dapper, 35 bis rue Paul Valéry, 75116 Paris avec le tout jeune pianiste Micah McLaurin.
Pour en savoir plus et pour participer financièrement à l’aventure des Pianissimes Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser. - www.lespianissimes.com

MAÎTRISE DE RADIO FRANCE

Auditorium
Samedi 10 décembre 2016, 20h
Paris Brass Band
Class Cham du CRR de Créteil
Bruno Perbost, piano
Florent Didier, Morgan Jourdain, direction

  Impressionnant tel est le mot qui vient à la sortie de l’Auditorium ! Impressionnant de voir cette centaine d’enfants de huit à quinze ans chanter ces œuvres dont certaines sont très complexes, comme s’ils chantaient Au Clair de la Lune. Mais pour eux c’est pareil, ils n’ont pas de problème, ils ne sont pas encore pollués par l’ambiance sonore ou simplement par le monde qui les entoure, chanter c’est comme respirer, c’est normal et cela se voit et cela s’entend. La première œuvre au programme était une composition pour brass band d’Olivier Waespi : « Hypercube ». C’est une composition toute récente (janvier 2016) créée pour le Paris Brass Band. Waespi est habitué à écrire pour les cuivres et on s’en rend compte ; ils sont tous mis dans la lumière. En introduction un thème assez violent, suit une musique plus calme, puis le matériau se déploie en un développement dramatique et virtuose jusqu’au vertige. Après quelques solos plus lyriques, l’œuvre s’achève dans une folle accélération. La sonorité et la qualité des instrumentistes sont mises en valeur, on aurait préféré finir dans les nuages plutôt que cette fin apocalyptique ascendante.
Suivie une œuvre pour la chorale de Morten Lauridsen : « O Magnum Mysterium ». Elle a été créée en 1994 à Los Angeles. Le texte avait été déjà mis en musique par Byrd, Palestrina et même Poulenc. C’est une affirmation de la grâce de Dieu envers les doux et de l’adoration de la Sainte Vierge. Œuvre charmante tout en douceur que la chorale interpréta avec tranquillité. Composé en 1987 « Le Berger de lumières » de Roger Calmel est une musique pour la justice et la paix. Roger Calmel a beaucoup œuvré pour la maîtrise dont il s’est occupé. Œuvre charmante, dans l’esprit des chorales d’antan. C’est une composition du Suisse Emile Jaques-Dalcroze « Chanson à la Lune » écrite en 1904, chanson d’un autre temps, au croisement de la mélodie française et le lied allemand, qui a été interprétée avec beaucoup de charme par les enfants.

CENTRE DE MUSIQUE DE CHAMBRE DE PARIS

Salle Cortot 78 rue Cardinet
17 décembre 2016 20h - 21h30
  Pour sa seconde saison le Centre de Musique de Chambre de Paris a offert du 1er décembre au 17 décembre le « 7éme Quatuor » de Beethoven interprété par le quatuor Hanson et « Le Bal Masqué » de Francis Poulenc par la troupe du Centre. Jérôme Pernoo, le directeur artistique du centre, a eu cette idée magnifique de faire interpréter une œuvre plusieurs fois comme cela se fait à l’opéra, au cinéma ou au théâtre.
Le quatuor Hanson a donc joué du jeudi au samedi soit neuf fois le « Quatuor à cordes op.59 n°1 ». Il est le premier des trois quatuors dédiés au prince Andrei Razumovsky dont il porte le nom.. L’année de sa création est très fertile pour Beethoven, il écrit deux autres quatuors, le concerto pour violon, le quatrième concerto pour piano et la quatrième symphonie ! Ce quatuor était supposé injouable ! Comme les deux autres Razumovsky ils ont suscités à leur époque, l'incompréhension aussi bien du public, des critiques que des exécutants. Au violoniste Radicati qui lui déclarait que ce n'était pas de la musique, Beethoven répondit : « Ce n'est pas pour vous ! C'est pour les temps à venir. ». Et à Schuppanzigh qui se plaignait de la difficulté technique du quatuor, il aurait répondu : « Croyez-vous que je pense à vos misérables cordes quand l'esprit me parle ? Aujourd’hui lorsqu’on le regarde interprété on peut s’apercevoir de la difficulté, de l’énergie qu’il faut pour l’interpréter. On peut dire que la version des Hanzon est impressionnante. Après neuf exécutions ils l’ont dans les doigts mais ils sont exténués après les quarante minutes de tension qu’il dure. Ce 17 décembre après un Allegro d’une violence inouïe, leur Allegretto était de toute beauté et l’Allegro final exténuant ! Ce tout jeune quatuor, né en 2013, a un grand avenir devant lui. Il est composé par Anton Hanson, Jules Dussap, violons, Gabrielle Lafait, alto, Simon Dechambre, violoncelle.

Suprêmes couleurs automnales pour un intense Voyage d'hiver

Christian Gerhaher & Gerold Huber ©Michael Gregonowits Christian Gerhaher est de ceux dont les apparitions au concert s'inscrivent d'emblée dans la mémoire. Comme son aîné Dietrich Fischer Dieskau, dont le timbre et la manière apparaissent à plus d'un titre en filigrane. Le baryton allemand avait inscrit au programme de son récital, dans le cadre du Festival d'automne de Baden-Baden, le Winterreise D 911 de Schubert. « Le plus beau cycle de lieder du monde », selon Thomas Mann, a été écrit par le musicien sur des poèmes de Wilhelm Müller avec qui il avait déjà collaboré pour La belle Meunière. Et on peut avancer que jamais poète et compositeur ne se sont si bien compris : la fusion du chant et de l'accompagnement de piano atteint une sorte de génial aboutissement et crée une rare unité de climat. Vingt quatre mélodies la composent, selon deux parties de 12 chacune pour un monologue pessimiste de l'amoureux délaissé qui au cœur d'un profond hiver réfléchit sur sa situation et ne voit aucune autre issue que la mort. L'hiver et surtout la nature comme miroir de l'âme occupent dans ce cycle un rôle essentiel.

Anne-Sophie Mutter & le London Philharmonic Orchestra, dirigé par Robin Ticciati : Un concert bien décevant !

Pour ce concert au Théâtre des Champs-Elysées, accompagnée par la réputée phalange londonienne fondée par Thomas Beecham et dirigée ce soir par le jeune chef Robin Ticciati, la grande dame du violon, Anne-Sophie Mutter, avait choisi un programme sans risque dont le seul mérite fut de remplir copieusement la salle de l’avenue Montaigne grâce à un public, heureusement, conquis d’avance par la renommée mondiale de la dame. L’Ouverture de Manfred (1852) de Robert Schumann nous contant la fatalité accablant le héros byronien, archétype d’un romantisme pourtant exacerbé, nous parut bien trop pâle, totalement exempte de la noirceur et des syncopes tourmentées qui font habituellement la chair de l’orchestre schumanien. Le Concerto pour violon et orchestre n° 2 (1845) de Felix Mendelssohn, œuvre célèbre s’il en est, un des cinq concertos majeurs du répertoire violonistique, fut de la même veine, parfaitement joué par la violoniste

Un concert très convaincant à l’Auditorium de Radio France avant le départ en tournée….

La Symphonie n° 2 de Sibelius et la Symphonie n° 6 dite « Pathétique » de Tchaïkovski seront deux pièces maitresses de la tournée européenne qui conduira, dans les tous prochains jours, l’Orchestre Philharmonique de Radio France et son directeur musical, Mikko Franck, à Berlin, Munich, Cologne et Vienne. Superbe programme pour une exécution qui ne le fut pas moins ! La Symphonie n° 2 de Sibelius (1902) est considérée comme la dernière de la période nationaliste et romantique du compositeur. Elle fut composée lors d’un voyage à travers l’Europe et notamment en Italie. Plus que de s’attacher à un quelconque programme forcément réducteur ou à des influences souvent relevées comme celles de Tchaïkovski, force est de reconnaitre qu’elle porte en elle quelque chose de bien plus profond, « touchant aux profondeurs ultimes de l’inconscient et de l’ineffable » relevant plus de la musique pure que de la musique à programme. Analyse

Une Symphonie n° 7 « Leningrad » d’anthologie au grand Auditorium de Radio France.

Pendant le court interrègne séparant le départ de Daniele Gatti et l’arrivée prochaine d’Emmanuel Krivine comme directeur musical, le « National » voit se succéder sur l’estrade, pour notre plus grand bonheur, les plus grands chefs invités dont Neeme Järvi n’est pas le moindre, expliquant sans doute l’affluence du public dans le grand Auditorium de la maison ronde, pour un magnifique programme taillé sur mesures pour le célèbre chef estonien, associant la Suite n° 4 « Mozartiana » de Tchaïkovski et la Symphonie n° 7 dite « Leningrad » de Chostakovitch. Sans s’étendre sur la Suite n° 4 de Tchaïkovski conçue comme un vibrant hommage rendu par le compositeur russe au maitre de Salzbourg, il convient de rappeler que cette œuvre rarement donnée fut composée en 1887, année coïncidant avec le centenaire de la création de Don Giovanni, opéra qui semble avoir produit sur le compositeur russe une impression saisissante au point de décider de son engagement dans la carrière musicale : « C’est à Mozart que je dois d’avoir consacré ma vie à la musique… ».

Orchestre National de France & Chœur de Radio France, dir. Bernard Haitink. Patricia Petibon, soprano.

Le « National » vit actuellement une période bien singulière, particulièrement riche et brillante, voyant se succéder au pupitre les plus grands chefs du moment. Les semaines se suivent mais l’excellence reste. Après la formidable interprétation de Neeme Järvi la semaine passée dans la musique russe, c’était au tour de Bernard Haitink de faire montre de son immense talent de chef d’orchestre dans un programme tout entier dévolu à la musique française, avec deux œuvres magnifiques, rarement données dans leur intégralité, le Gloria pour soprano, chœur mixte et orchestre de Francis Poulenc et le ballet intégral de Daphnis et Chloé de Maurice Ravel. Deux compositions considérées à juste titre comme de véritables chefs d’œuvre dont le « National », associé à la soprano Patricia Petibon et au Chœur de Radio France, tous transcendés par la direction sobre mais pertinente du chef batave, donnèrent deux interprétations d’une ferveur et d’un brio exceptionnels. Le Gloria de Poulenc fut composé en 1960, dédié à son commanditaire Serge Koussevitzky, et créé en 1961 par le Boston Symphony Orchestra,

Orchestre Philharmonique de Saint-Pétersbourg, dir. Yuri Temirkanov.

Comme chaque année l’Orchestre Philharmonique de Saint-Pétersbourg dirigé par son immuable directeur musical, Yuri Temirkanov, était de passage pour deux soirées au Théâtre des Champs-Elysées, avenue Montaigne, en compagnie du célèbre pianiste Boris Berezovsky, dans un programme totalement dédié à a musique russe associant Rachmaninoff (1873-1943) et Stravinsky (1882-1971). Le Concerto pour piano et orchestre n° 3 de Rachmaninoff ouvrait les réjouissances devant un public venu nombreux. Une œuvre éternelle, composée en Russie et créée par son auteur en 1909 à New York. Une œuvre virtuose, reconnue comme l’une des plus périlleuses de tout le répertoire pianistique. Le pianiste russe, au jeu constamment juste, tantôt orchestral, tantôt confident, sans pathos excessif, sans vaine virtuosité et effets de manche, nous en donna une lecture particulièrement enthousiasmante, mêlant douleur intense et lyrisme exacerbé dans une savante symbiose avec l’orchestre (le piano étant d’ailleurs placé au milieu des cordes que Berezovski semblait diriger du regard…).

Esa-Pekka Salonen fait scintiller le Philharmonia Orchestra

Une constatation s'impose qui est le fil rouge de ce concert : la fabuleuse plastique sonore du Philharmonia Orchestra de Londres. Dans un programme d'une étonnante diversité puisque associant Stravinski, Beethoven et Sibelius. Les Symphonies d'instruments à vents sont dédiées à Claude Debussy auquel Stravinski était lié à la fois par l'admiration et l'amitié. Achevée en 1920, à Garches, l'œuvre sera remaniée en 1946. Elle est écrite pour 23 vents, que Salonen ne dispose pas autour de lui mais laisse à la place habituelle qu'ils occupent dans le grand orchestre, créant une impression bienvenue de légère distance. Le choral final, conçu comme un « Tombeau de Claude Debussy », conclut une œuvre d'un seul tenant qui ne dépasse pas une douzaine de minutes. « Une cérémonie austère qui se déroule en courtes litanies », dira l'auteur dans ses Mémoires. Quelque chose de hiératique, de rituel aussi, voire de violent dans l'association des timbres et la

Riccardo Chailly & la Filarmonica della Scala : Effusion lyrique

Désigné par la critique comme le meilleur chef d’orchestre du monde dans un classement récent, Riccardo Chailly, qui vient de quitter l’orchestre du Gewandhaus de Leipzig, se présentait à la tête de sa nouvelle phalange de la Scala de Milan devant le public parisien dans la grande salle de la Philharmonie de Paris, associé pour un soir avec Martha Argerich au piano, dans un programme éminemment romantique appariant Schumann et Verdi. Salle comble évidemment et un public immédiatement conquis par l’Ouverture de Manfred de Robert Schumann, dans une lecture très narrative, toute en nuances, très enlevée, révélant d’emblée la grande qualité musicale de la phalange milanaise et l’immense science de la direction d’orchestre du chef italien. Une œuvre finalement assez peu donnée au concert inspirée du poème dramatique de Byron où Schumann semblait se retrouver dans ses craintes de la folie et de la mort. Une partition datant de 1851 empreinte d’un romantisme exacerbé où se mêlent sentiment de faute (Manfred a aimé sa sœur Astarté, la conduisant à la mort…), désir de rédemption, voyage au pays des morts afin d’obtenir

Anne-Sofie Von Otter chante les Nuits d’été

Il ne suffit pas toujours de réunir sur la même affiche, attrayante s’il en est, une phalange prestigieuse reconnue comme une des meilleures du monde, un chef emblématique et très médiatique qui, au jeu des chaises musicales, vient d’hériter du fauteuil de directeur musical du Boston Symphony Orchestra et du Gewandhaus de Leipzig, pour obtenir un concert d’exception…Beaucoup le pensait, beaucoup sont repartis déçus tant la prestation musicale ne répondit pas aux espoirs escomptés ! Un programme, avouons-le, sans originalité, un peu bizarre même dans sa conception, peut-être justifié par la filiation qu’entretiennent les héros wagnériens, probablement plus par les affinités connues d’Andris Nelsons pour les deux compositeurs Wagner et Strauss. Le Prélude de Lohengrin  (1850), le Prélude de Parsifal et l’Enchantement du Vendredi Saint (1882) de Richard Wagner en première partie, suivis de deux poèmes symphoniques de Richard Strauss, Mort et Transfiguration (1890) et Till l’espiègle (1895). Rien de bien nouveau sous le plafond de la Philharmonie de Paris…

Martha & Friends à la Philharmonie de Paris

Une belle soirée que cette soirée donnée à la Philharmonie de Paris où la célèbre pianiste argentine, Martha Argerich, entourée de sa fille Annie Dutoit comme récitante, recevait nombre de ses amis pour un magnifique concert. Un programme très original, des invités prestigieux et le charisme de Martha expliquant sûrement l’affluence du public venu très nombreux. La pianiste légendaire retrouvait dès l’ouverture son complice Stephen Kovacevich dans le Prélude à l’après midi d’un faune, dans un arrangement pour deux pianos écrit par Debussy lui-même, pièce qu’elle avait déjà donnée à Montreux avec Michel Béroff il y a 31 ans ! Une œuvre surprenante, qui inspirera sans doute Ravel plus tard, où l’on retrouve assurément les ruissellements, la délicatesse et l’élégance du grand Claude. Stephen Kovacevich resta ensuite seul sur scène pour interpréter de façon magistrale, poétique et douloureuse la Mazurka n° 13 en la mineur op. 17 n° 4 de Frédéric Chopin. Une Mazurka, où Chopin dans une confidence intime exprime toute la douleur de l’exil, que le pianiste américain joua avec un toucher d’une délicatesse infinie, refusant tout pathos pour aborder à

Le Concert de la Loge : un concert lumineux

L'auditorium du Louvre avait du mal à contenir la foule accourue entendre l'ensemble Le Concert de la Loge et Sandrine Piau. Mais avant toute recension de ce beau concert, il convient de dénoncer la situation grotesque dans laquelle Julien Chauvin et ses musiciens se trouvent : interdiction d'utiliser le mot Olympique car c'est le Comité National Sportif qui se le réserve soit disant de droit. On croit rêver sachant que le titre exact de l'ensemble que fait revivre Julien Chauvin est bien Le Concert de la Loge Olympique, dont l'origine remonte à 1782 !

 

 Et justement l'évocation du passé était bien présente lors de cette soirée car ce n'est qu'à quelques mètres plus loin que deux siècles plus tôt la symphonie n°83 dite « La Poule » de Joseph Haydn fut donnée. En effet les concerts de la Loge Olympique à l'époque étaient donnés dans la salle des Cent-Suisses du Palais des Tuileries. Julien Chauvin et ses comparses abordent les deux premiers mouvements avec énergie. Dès les premières mesures on admire l'excellence des instrumentistes à commencer par la hautboïste Emma Black dans sa brève intervention au début du premier mouvement. Mais ce qui frappe d'emblée, c'est l'engagement de tous les instrumentistes qui ne cessera à aucun moment durant tout le concert. Dans le second mouvement, Julien Chauvin insiste sur la violence des contrastes peut-être un peu trop, d'autant plus que l'auditorium offre une acoustique plutôt sèche. Vient ensuite un extrait de l'opéra de Guiseppe Sarti Didone abbandonata. Sandrine Piau conduit son air à la tonalité tragique (« Io d'amore, oh Dio ! Mi moro »/ Je meurs d'amour, ô Dieux!) avec l'émotion qui s'impose aidée en cela par une voix parfaitement ductile avec des changements de couleurs expressifs. Plus tard, dans un air de Jean Chrétien Bach, elle donnera un tout autre aspect de son grand talent.

L'orchestre Les Passions, 30 ans !

L'orchestre Les Passions-Orchestre baroque de Montauban sous la direction de Jean-Marc Andrieu fête ses trente ans d’existence ! A cette occasion après un concert de création au Festival de Radio France et Montpellier au mois de juillet, puis un concert anniversaire à Montauban, c’est à la Cathédrale Saint-Etienne de Toulouse, le 6 octobre, qu’il a interprété le « Requiem » (1705) de Jean Gilles, puis le « Magnificat » (1741) et « In Exitu Israël » (1749) d’Antoine–Esprit Blanchard. Ces deux compositeurs ont été Maîtres de Chapelle de cette Cathédrale. Pendant tout un week-end plusieurs rendez-vous ont eu lieu à Toulouse, placé sous la présidence d’honneur du musicologue Gilles Gantagrel (expositions, colloques…) et en présence de la musicologue Bernadette Lespinard, grande spécialiste de Blanchard.

Jean-Marc Andrieu est très attaché au baroque méridional et infatigable, cherche à dénicher des œuvres peu ou pas connues. Jean Gilles, né à Tarascon en 1668, s’arrêta dans la ville rose où il succéda à Campra, Maître de Chapelle de la Cathédrale Saint-Etienne. Il y mourut en 1705, à 37 ans. Son Requiem, écrit pour une personnalité de Toulouse qui refusa de payer l’œuvre, fût joué à ses propres funérailles, dirigé par Campra, comme à celles de Rameau et de Louis XV. La version que propose Jean-Marc Andrieu est celle qui se rapproche le plus possible de l’original. Elle était interprétée par le Chœur de Chambre Les Eléments sous la direction de Joël Suhubiette, et Anne Magouët et Cécile Dibon-Lafarge, dessus, François-Nicolas Geslot, haute-contre, Bruno

Jean Muller, un pianiste d'envergure

Jean Muller est un jeune pianiste Luxembourgeois bardé de nombreux prix. Il a une technique à toute épreuve, impressionnante même. Son récital à la salle Cortot était éclectique et il a joué Brahms, Ligeti en passant par Prokofiev avec une égale assurance, peut-être avec la même intensité et manque de nuances. Dans la magnifique salle Cortot, la pédale à tout va mise dans la sonate op. 1 N° 1 de Brahms empêchait la musique de respirer. Ses interprétations de Ligeti, « Arc-en-ciel » - « Escalier du diable », et de Barcarolle n°3 de Boumans étaient exemplaires, vertigineuses.

La Hongrie et la Pologne à l'honneur

Le public relativement peu nombreux du grand auditorium de la Maison de la Radio a eu le plaisir assez rare d'écouter un concert unique tant par sa programmation que la qualité de ses interprètes. Un concert qui sortait des sentiers battus en rassemblant les œuvres de quatre compositeurs hongrois et polonais, Zoltán Kodály, Béla Bartók, Krzysztof Penderecki et Witold Lustoslawski. Programme exigeant et équilibré puisque les deux pièces très intériorisées du milieu étaient encadrées d'ouvrages beaucoup plus extravertis. Quant à l'orchestre philharmonique de Radio France, il était mené à la baguette, dans tous les sens du terme, par Rafael Payare, chef aussi exigeant que précis. Les Danses de Galánta doivent leur nom à une bourgade aujourd'hui slovaque, où, enfant, Kodály entendit avec ravissement un orchestre tsigane. L'œuvre, créée en 1933, reprend d'ailleurs le principe du verbunkos, danse traditionnelle de recrutement militaire qui fait alterner les moments vifs et les passages lents. C'est une musique vibrante et euphorique, dans laquelle le compositeur se montre magnifique orchestrateur et fin coloriste, plutôt que grand mélodiste, tirant toutes les ressources de l'orchestre, lequel est en perpétuel dialogue avec des instruments solistes – clarinette, hautbois, flûte, piccolo... Il y a quelque chose d'irrésistible dans cette œuvre narrative au style imitatif, qui suscite des images de réjouissances paysannes sur l'aire à battre après la moisson ou celles de chevaux courant dans la puszta. Tout le talent du chef se mesure à la manière dont il communique ses intentions à l'ensemble… qui le lui rend bien !